Tren perkembangan puisi modern. waktu baru

PERKEMBANGAN PUISI

BENTUK dalam puisi memiliki landasan yang cukup kokoh.
Ini baik bait dengan atau tanpa sajak. Atau kuatrain yang sama, lima kali lipat. Lima baris dapat dibangun dengan tiga baris untuk satu sajak dan dua untuk yang lain.
Ada juga enam baris. Dimana bait, pertama dan kedua, dapat memiliki satu sajak atau yang berbeda, dan di antara mereka ada dua baris dengan sajak yang berbeda. Semua ini FORMULIR GRATIS - di sini penulis sendiri memilih urutan baris.
Dan ada bentuk-bentuk di mana urutan garis diatur sekali dan untuk semua - ini adalah BENTUK SOLID: soneta, oktaf, triolet, dll.

Perhatikan baik-baik kamus puitis Kwiatkowski. Berapa banyak hal menarik yang akan Anda pelajari darinya tentang puisi. Berapa banyak yang telah diciptakan dalam puisi selama berabad-abad keberadaannya! Apakah sastra telah kehabisan kemungkinannya?

Bukan! Dan kemungkinan tidak akan habis. Lagi pula, ada hal yang mengharukan seperti KONTEN. Lihatlah setidaknya secara singkat bagaimana hal itu telah berubah dari waktu ke waktu. Pertama, ini adalah himne untuk para dewa, kalender pertanian dan ajaran. Lalu, ada puisi cinta karya Catullus, Tibullus, Propertius atau Ovid. Pada saat yang sama, himne dan ode (Pindar dan Bacchilid) dibuat untuk menghormati para pemenang Olimpiade. Pada Abad Pertengahan, tema sehari-hari mulai merambah lebih banyak ke dalam puisi. Itu berasal dari perubahan dalam pandangan dunia orang. Mereka mulai semakin percaya pada kemungkinan kreatif manusia. Ini terutama terlihat dalam literatur Renaisans.

Jika BENTUK dalam puisi tetap tidak berubah hingga hari ini, maka ISI berubah dan sangat tiba-tiba. Adegan kehidupan sosial telah dengan kuat mengambil tempat mereka dalam puisi. Banyak jenis syair (odes, eclogues, idylls) tercatat dalam sejarah. Ya, dan di sini perlu untuk membuat reservasi: kami memiliki banyak penyair yang beralih ke tema desa, meskipun tidak dalam bentuk yang kuno. Banyak cerita lama telah disusun ulang. Odenya juga belum mati. Mayakovsky, misalnya, menulis "Ode to the Revolution". Ode ada dalam karya Pablo Neruda - "Ode untuk hal-hal sederhana."

Namun, kondisi kehidupan yang baru sangat menentukan plot mereka, apakah layak beralih ke apa yang ditakdirkan untuk mati sejak lama? Waktu nichevok (tren dalam puisi), futuris dan formalis lainnya telah berlalu. Tapi waktu kita yang bermasalah tanpa terasa membangkitkan kembali masa lalu. Sayangnya, itu tidak hanya tinggal dalam sejarah sastra, tetapi hanya bersembunyi di bawah tanah, menunggu di sayap. Dan saat itu telah tiba.

Penulis Rusia telah lama berpikir dan berbicara tentang revolusi.
Penulis, andai saja
Ombak, dan lautan adalah Rusia,
Mau tidak mau akan marah
Ketika elemen-elemennya marah!
Penulis, andai saja
Ada keberanian orang-orang hebat,
Tidak bisa kagum
Ketika kebebasan diserang!
Yakov Polonsky (dalam album K.Sh. 1871)

Berikut adalah kata-kata Nekrasov tentang hal ini:

Orang-orang Rusia membawa cukup banyak
………………………………………..
Akan menanggung segalanya - dan lebar, jelas
Payudara akan membuka jalan untuk dirinya sendiri.

Tetapi ketika revolusi terjadi, mereka tampaknya tidak menyadarinya. Tampaknya bagi mereka bahwa kebebasan akan datang sebagai hadiah dari atas - tanpa darah, dengan damai. Tetapi kenyataannya ternyata lebih keras, dan dari bibir banyak penulis ada seruan: "Kembalikan masa lalu!"

Bukankah hal yang sama terjadi dalam sastra pada tahun-tahun sebelum perestroika? Para pembangkang mengkritik pemerintah, menuntut perubahan mendasar di negara ini, dan ketika semua ini terjadi, ternyata baik literatur maupun mereka sendiri tidak dibutuhkan oleh pemerintah baru.
Jadi apa, berteriak lagi: "Bawa kembali masa lalu"?
Penghapusan penyensoran, ketidakpedulian total terhadap apa yang ditulis dan bagaimana, kemampuan untuk menerbitkan buku dengan biaya sendiri, kebebasan lain - saya yakin - ini bukan jalan yang dibutuhkan sastra. Mungkin sebagian dari pembaca mengetahui sejarah sastra, untuk beberapa waktu dan akan bersenang-senang membaca karya modern; seorang anak terhibur dengan mainan baru sampai dia mengenali perangkatnya, yaitu sampai dia membongkarnya, lalu dia membuangnya. Jadi dalam sastra. Ketika pembaca menyadari bahwa tidak ada yang serius di balik semua embel-embel ini, ia akan kehilangan minat pada mereka.

Ambil contoh, novel detektif yang begitu tersebar luas saat ini. Ini sama sekali bukan hal baru dalam sastra dunia. Detektif pertama diciptakan oleh Edgar Allan Poe. Tapi genre menjadi populer dengan munculnya Sherlock Holmes. PADA waktu Soviet banyak karya dalam genre ini juga dibuat. Jadi bagaimana novel detektif Soviet berbeda dari novel modern? Tampaknya semua kekhasan genre dipertahankan di dalamnya, tetapi ...
Tapi ini TAPI - dan yang paling penting! Penulis Soviet dalam karya-karya mereka mewujudkan cita-cita moral orang soviet. Seseorang yang bermoral tinggi dan budaya profesional menjaga kepentingan negara. Yang penting bagi kami bukanlah petualangan pahlawan secara umum, tetapi tujuan pembuatannya. Pembaca tertarik terutama oleh pesona kepribadian pahlawan, kepercayaan penuh pada pikiran dan tindakannya. Kami bersimpati padanya dan menirunya. Tanpa sepengetahuan pembaca, novel-novel tersebut menjalankan fungsi pendidikan moral dan patriotik.
Siapa pahlawan detektif modern? Sebagian besar waktu itu adalah detektif tunggal. melindungi kepentingan satu orang (oligarki, atau hanya "Pinokio kaya"). Oleh karena itu, kita paling sering tidak merasa simpati dengan para pahlawan cerita detektif, kita hanya mengikuti perkembangan peristiwa dan hanya itu. Novel semacam itu ditulis untuk tujuan menghibur pembaca. Untuk menguasainya, cukup hanya memiliki jiwa yang mudah bersemangat.

Hal serupa terjadi dalam puisi.
Suatu ketika, dalam asosiasi sastra kita, seorang penyair modern, yang menulis dengan sulit dan tidak dapat dipahami, diminta untuk menjelaskan makna puisinya. Berikut kutipannya:
Pisau hadiah dijual di pasar,
untuk memotong selai kering.
Tidak ada burung hantu yang serius ... Di bangku
terletak payung miring.

Permen bergetar di dalam kotak yang ternoda,
dan seekor lebah berlari dengan takut-takut.
Saya kembali bermimpi tentang diri saya dengan cara yang hambar,
Saya akan menuangkan enamel ke tanah.

Sebuah odalisque dari Renault akan cocok untuk saya,
dan kemudian sibyl - komisaris rakyat.
Saya akan membuktikan kepada mereka bahwa saya buta dari sinar
sinar menembus Roma,
……………………………….
dan kemudian tujuh bait lagi dari sebuah teks yang tidak dihubungkan oleh makna yang sama.

Penulis dengan tatapan serius mulai mengatakan sesuatu yang tidak dapat dipahami secara ilmiah. Tapi kita telah belajar dari semua yang telah dikatakan hanya satu hal: konten yang kurang spesifik dalam ayat-ayat, semakin tinggi mereka dihargai oleh pecinta dan pencipta jenis seni ini. Tetapi bahkan M.V. Lomonosov kita yang hebat (1711-1765) mengatakan:
- Mereka yang menulis dengan gelap, baik tanpa disadari mengkhianati ketidaktahuannya, atau sengaja menyembunyikannya. Mereka samar-samar menulis tentang apa yang samar-samar mereka bayangkan.

Banyak penulis di Barat juga mencoba menyatakan puisi sebagai arus masuk naluriah, tidak tunduk pada kendali pikiran. Begitu pikir, misalnya, penyair Prancis Stéphane Mallarmé (1842-1898). Namun, saya menarik perhatian pada satu ciri puisi semacam itu: deklarasi penyair hampir tidak pernah bertepatan dengan praktik karya mereka. Saya kira karena deklarasi tidak mampu menutupi seluruh rentang perasaan yang lahir dalam proses kebangkitan kreatif, inspirasi. Deklarasi dan manifesto paling sering ditulis di usia muda, ketika antusiasme muda kuat, ketika Anda ingin menyangkal segalanya, mengubah segalanya, lakukan dengan cara Anda sendiri. Tetapi selama bertahun-tahun, pengalaman yang diperlukan terakumulasi, terkadang pandangan dunia penyair itu sendiri, sikapnya terhadap kreativitas, terhadap kehidupan berubah. Kreativitas juga dipengaruhi oleh peningkatan tingkat budaya penulis dan sikap pembaca terhadapnya dan komentar kritis, dll. Bagi beberapa seniman, ada beberapa perubahan seperti itu, dan ini cukup alami: hidup tidak berhenti, dan manusia mengikutinya. Lagi pula, seseorang bukanlah mesin yang sekali dan untuk semua yang diprogram, tetapi organisme yang hidup dan berpikir, kadang-kadang bereaksi tajam terhadap lingkungan. A.S. Pushkin kami hanyalah seorang penulis seperti itu. Dia mulai sebagai penyair romantis, dan mengakhiri karyanya sebagai seorang realis yang gigih. Tampaknya Mallarme sendiri kemudian mengubah pandangannya tentang kreativitas. Bagaimanapun, seorang penulis sejati tidak bertindak berdasarkan inspirasi, tidak di bawah pengaruh semacam mantra. Tidak, dia selalu ingin menyampaikan pemikiran (perasaan!) dan dipahami oleh pembacanya.

Mayakovsky bermimpi untuk dipahami oleh rakyatnya. Dia bahkan mengatakan bahwa suatu hari mereka akan mengatakan dari podium bahwa tingkat pemahaman puisi telah meningkat begitu banyak persen! Lelucon yang lucu, tetapi ada banyak kebenaran di dalamnya. Untuk memahami puisi dengan benar, secara keseluruhan, tidak diberikan kepada semua orang. Bagaimanapun, puisi tidak hanya menyiratkan makna langsung yang terkandung dalam baris-baris sajak, tetapi juga apa yang ada di antara baris-baris itu tidak diungkapkan secara langsung, tetapi cukup dapat dipahami oleh pembaca yang kaya imajinasi, dengan pengalaman luas dalam membaca puisi. Dan betapa pembaca seperti itu akan mundur dari puisi, setelah bertemu dengan ayat-ayat tanpa makna!
Mayakovsky dalam karya-karyanya memimpikan dirinya sendiri, tidak mempercayai siapa pun, "untuk menceritakan tentang waktu dan tentang dirinya sendiri." Ini adalah tujuan tertinggi yang pernah ditetapkan sebelum puisi.

Apa itu puisi asli atau asli? PUISI Pushkin, Lermontov, dan karya klasik lainnya? Ini, di atas segalanya, puisi perasaan. PERASAAN tidak pura-pura, tapi tulus, dicurahkan dari lubuk jiwa! Dan tentu saja, itu adalah PLOT. Menarik, mengasyikkan. Dan, akhirnya, inilah PUISI PIKIRAN. Tidak banyak orang sezaman Pushkin yang mengenalnya sebagai penyair pemikiran!

Untuk membuat pembaca berpikir bukan tentang APA yang ingin dikatakan penyair, tetapi tentang BAGAIMANA dia mengatakannya, melakukannya - ini adalah tugas, dan tugas yang sangat sulit, bagi penyair sejati mana pun. Ketika pembaca memecahkan teka-teki tentang apa yang ingin disampaikan penulis kepadanya, HUBUNGAN antara bentuk dan konten HILANG, dan tidak mungkin untuk memisahkannya satu sama lain!
Tanpa mengetahui isinya, sulit untuk menilai sisi artistik dari sebuah karya. Puisi sejati hanya akan berhasil jika memiliki pembaca yang tulus, menuntut, dan cerdas. Pembaca harus tahu persis apa yang bisa dituntut dari puisi, yaitu mengetahui kemungkinan-kemungkinannya. Dan, tentu saja, dia harus tahu apa yang dia harapkan darinya.
Membaca klasik, kami mencoba untuk tidak memahami konten, tetapi cara-cara yang membuat konten menjadi cerdik! Apa yang bisa lebih menyenangkan daripada refleksi semacam itu bagi pembaca. Dalam hal ini, maksud saya bukan hanya seorang pembaca, tetapi seorang pembaca-pencipta, seorang pembaca-rekan-penulis-penyair yang ingin mencapai kejelasan, kesederhanaan, dan kejeniusan yang sama dalam karya-karyanya.

Karya sastra membutuhkan banyak waktu dan tenaga. Memang, untuk berada di level zamannya, penulis harus tahu dan melihat banyak, terus memperluas wawasan, membaca, mengamati, berkomunikasi. Tahu tidak hanya fiksi, tetapi juga buku-buku tentang masalah lain: filsafat, sejarah, kritik seni, kamus, dan banyak lagi. Selain itu, dia membutuhkan waktu untuk refleksi serius tentang apa yang telah dia baca, tentang kehidupan, tentang apa yang telah dia tulis, dll.
Berpikir sangat memakan waktu, dan selama bertahun-tahun itu menjadi kebutuhan. Sebagian besar penulis besar menyelesaikan mereka cara kreatif buku refleksi tentang kehidupan dan pekerjaan. (Tvardovsky "Di tanah Elninskaya", Paustovsky "Kisah Kehidupan"). Ini terutama terlihat jelas dalam contoh kehidupan dan karya Leo Tolstoy. Di akhir hidupnya, ia beralih ke genre jurnalisme, di mana ia mengungkapkan pandangan dunianya, pandangannya tentang masalah paling membara di zaman kita.

REALISME

Sebuah pencarian dalam literatur tentu diperlukan.
Seseorang akan selalu berusaha untuk mengetahui semua kemungkinan jenis seni ini, untuk mencapai titik paling ekstremnya, ketika pencarian lebih lanjut tidak akan berguna. Eksperimen di bidang sastra dilakukan baik di zaman kuno maupun di era berikutnya.

V.Ya.Bryusov (1873-1924) melakukan banyak hal di bidang bentuk dan konten.
Dia mencoba mewujudkan pencapaian ilmiah dan teknis dalam puisi, dan untuk ini kita harus berterima kasih padanya. Dia sepenuhnya menunjukkan semua kemungkinan teknis dari ayat tersebut, tetapi berapa banyak penulis modern yang tahu tentang ini?

Masalah utama para peneliti modern adalah bahwa mereka memiliki budaya yang terlalu rendah, dan oleh karena itu eksperimen mereka direduksi menjadi pengulangan apa yang telah dibuat di masa lalu dan ditolak oleh generasi berikutnya.
Lihat, Blok dimulai sebagai simbolis dan berakhir sebagai realis. Mayakovsky mulai dengan konstruksi gaya yang kompleks, tetapi sampai pada kesederhanaan, kejelasan dan keringkasan bahasa puitisnya. Ini terutama diungkapkan dengan jelas dalam pengantar puisi "Out loud". Bahkan seorang futuris-ego yang bersemangat dan egois seperti Igor Severyanin, yang tinggal di luar negeri, menulis karya-karya realistis yang indah. Bukankah ini pelajaran bagi kaum modernis modern!

Saya ulangi, pencarian diperlukan. Tapi BAGAIMANA dan DIMANA?
Realisme adalah satu-satunya cara yang benar dari seni nyata, bukan fiktif.
Realisme memungkinkan Anda untuk melihat kehidupan apa adanya, memungkinkan pembaca untuk membandingkan hidupnya dengan kehidupan karakter dalam buku, memungkinkan Anda untuk memahami "apa yang baik dan apa yang buruk," dalam kata-kata Mayakovsky. Dan ini sangat penting bagi kaum muda kita: hanya di jalan realisme Anda dapat sepenuhnya menyadari potensi Anda dan mengungkapkan bakat Anda sepenuhnya.

Sayangnya, tidak jelas bagi semua orang bahwa menulis "tentang sesuatu yang saya tidak tahu" bukanlah apa yang membuat penulis bekerja, berkreasi; mempelajari karakter dan hubungan pahlawan mereka, mengintip ke dalam alam sekitar, mencari yang lebih baik, lebih akurat, kata yang cerah untuk mengungkapkan pikiran, dll. Sastra modernisme hanya membutuhkan absurditas: lebih buruk untuk memutarbalikkan frasa, tetapi tentang apa itu - betapa berbedanya! Sangat disayangkan bahwa ada begitu banyak pembaca untuk buku-buku seperti ini ...
Dan ini adalah kesedihan untuk sastra! Ini bukan alasan spekulatif, tetapi pendapat sains: buku-buku semacam itu menghancurkan tubuh manusia, merusak jiwa dengan pesimisme, tidak percaya pada diri sendiri ...
Saya tanpa sadar mengingat kata-kata Giordano Bruno (1548-1600) - "Seni menutupi kekurangan alam", kata empat abad lalu.
Sesuatu untuk dipikirkan...

Hari ini harapan yang menyanjung menyanjung,
Dan besok - di mana kamu, kawan?
Begitu jam berlalu,
Kekacauan terbang ke jurang,
Dan semua, seperti mimpi, abad Anda telah berlalu.
G.R.Derzhavina

Tahun 60-an, yang dipenuhi dengan optimisme pencarian dan penemuan, memberi banyak seniman kesempatan untuk menggambarkan dan memahami apa yang terjadi sebelumnya. Fenomena luar biasa dalam berbagai karya pada tahun-tahun itu adalah pahlawan yang aktif, syair klasik diperbarui dan diperkaya dengan sajak baru, syair-syair mulai dibedakan dengan kebebasan ekspresi liris yang lebih besar, dan puisi publisitas yang hidup berkembang.

Pada pertengahan 60-an, para kritikus mulai berbicara tentang ketertarikan yang muncul dari banyak penyair untuk refleksi liris, untuk pengembangan genre puisi filosofis (tema baik dan jahat, hidup dan mati, pembaruan moral dan spiritual individu).

Dan jika awal dekade ini yang bergejolak ditandai oleh semacam "kebangkitan" eksperimen formal dalam karya seniman pop muda A. Voznesensky, E. Yevtushenko, P. Vegin, V. Sosnora, dan lainnya, yang dengan suara bulat disebut inovator oleh kritikus, kemudian dengan munculnya penyair lirik "tenang" N. Rubtsov, A. Zhigulin, A. Peredreev, A. Prasolov, E. Balashov dan lainnya, yang bekerja sesuai dengan tradisi klasik, kritik menyatakan fakta dari prevalensi prinsip tradisional dalam puisi muda periode itu.

Pada saat yang sama, dalam puisi ada kecenderungan menuju konvergensi sistem liris yang berbeda, menuju interpenetrasi mereka, seperti, misalnya, lirik V. Sokolov memunculkan banyak motif puisi baik penulis lirik "keras" dan "tenang". Dan pada akhir dekade, kaum muda sendiri merasakan kebutuhan akan "ketelanjangan musim gugur" (E. Yevtushenko).

Tahun 60-an secara kualitatif mengubah karya penyair generasi yang lebih tua: A. Akhmatova, A. Tvardovsky, A. Prokofiev, M. Isakovsky, V. Lugovsky, V. Bokov dan lainnya, serta penyair garis depan K. Vanshenkin, Yu. Drunina, A. Mezhirova, M. Dudina, O. Berggolts dan lain-lain. Ingatan tentang apa yang mereka alami berulang kali membuat mereka memahami masa lalu, sepadan dengan masa kini. Mereka menciptakan contoh terbaik dari lirik meditatif dan filosofis, secara kreatif melanjutkan tradisi F. Tyutchev, A. Fet, E. Baratynsky dalam karya mereka.

Jadi, jika pada awal tahun 60-an dalam puisi (terutama dalam karya-karya kaum muda) jelas ada kebangkitan tradisi gaya tahun 20-an (V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, M. Tsvetaeva), maka pada pertengahan dari tahun 60-an situasi gaya dengan cepat dan berubah secara drastis. Sebuah arah baru muncul ke depan, yang "menolak" dari kerasnya "pop" periode sebelumnya. Pada akhir dekade, ia menempati posisi terdepan dalam puisi, dan sebagian besar penyair dipandu oleh kecenderungan gayanya. Ini adalah fenomena lirik "tenang", dengan fokus pada contoh klasik A. Pushkin, F. Tyutchev, S. Yesenin, A. Blok. Penyair "pendiam" dicirikan oleh rasa "akar" yang kuat, cinta untuk "tanah air kecil" mereka, sudut bumi tempat penyair dilahirkan dan dibesarkan. Lirik "desa" N. Rubtsov, V. Bokov, S. Vikulov, V. Soloukhin dan banyak penyair lainnya menyatakan diri mereka begitu luas dan kuat. Desa bagi mereka adalah sumber dari segala sesuatu yang ada di bumi: "Saya ingin, Rusia, agar Anda tidak lupa bahwa dulu Anda semua mulai dengan desa" (S. Vikulov).

Di antara penyair muda tahun enam puluhan, yang karyanya berkembang di bawah tanda tradisi klasik, N.M. Rubtsov (1936 - 1971) menonjol. Dalam literatur kritis, sudah menjadi hal biasa untuk menegaskan awal yang sangat tradisional dari lirik Rubtsov. Memang, sebuah studi dekat tentang elegi sejarah N. Rubtsov, lirik meditatifnya mengungkapkan tidak hanya pengaruh E. Baratynsky, F. Tyutchev, S. Yesenin pada puisinya, tetapi juga studi kreatif penyair tentang pencarian artistik karyanya. pendahulunya, serta kelanjutan dan perkembangan tradisi mereka.

Saya di Tyutchev dan Fet

Saya akan memeriksa ketulusan saya.

Sehingga buku Tyutchev dan Fet

Lanjutkan dengan buku Rubtsov.

N. Rubtsov berhasil menyatukan pengalaman puitis mereka dalam liriknya dan memperkenalkan pemahaman barunya sendiri tentang tema puisi "abadi" ke dalam perkembangan sejarah proses sastra.

Lirik N. Rubtsov sangat filosofis. Penyair diperkenalkan ke tema "abadi" kembali di periode awal kreativitas, di awal tahun 60-an, ketika ia menulis puisi "Tiang-tiang". Kemudian, pada paruh kedua tahun 60-an, kecenderungan untuk berfilsafat liriknya akan mengarahkan penyair untuk membuat seluruh rangkaian puisi yang bersifat meditatif, puisi-refleksi: "Visi di atas bukit", "Aku akan naik ... ”, “Tanah airku yang tenang”, “Burung Bangau” , "Elegi Jalan", dll.

Generalisasi filosofis penyair diekspresikan dalam penciptaan gambar umum tentang keberadaan realistis seseorang, dalam keinginannya untuk memahami hal yang tidak diketahui dalam kehidupan alam, dalam kemampuan untuk menyatu dengan harmoni prinsip alam, menjadi "penghidupan ekspresi musim gugur."

Sehubungan dengan kematian di awal 70-an. penyair penting seperti A. Tvardovsky, Ya. Smelyakov, N. Rubtsov, tampaknya ada semacam pemutusan "fisik" dengan tradisi dalam puisi modern. Tapi ini adalah ide yang salah, karena tidak memperhitungkan penyair seperti L. Martynov, Yu. Kuznetsov, V. Sokolov, E. Vinokurov, D. Samoilov, yang aktif bekerja di tahun 70-an sejalan dengan perkembangan klasik tradisi.

Hubungan terkuat dengan tradisi klasik dicirikan oleh lirik L. Martynov. Menjadi sezaman dengan V. Mayakovsky, B. Pasternak, S. Yesenin, penyair secara organik menggabungkan dalam puisinya pengalaman kreatif banyak dari mereka.

Yang sangat menarik adalah pengantar L. Martynov pada tema Pushkin, yang menjadi sangat tradisional dalam puisi tahun-tahun itu ("Pushkin Tua", "Gambar Pena", "Semangat Kreativitas", dll.).
Menarik, berpikir luas dan banyak, penyair E. Vinokurov muncul di hadapan kritik sastra modern, yang mulai menulis selama Perang Dunia Kedua dan disebut penyair prajurit oleh kritik. Memperdalam dan mengembangkan yang dicintai masalah militer, penulis lirik yang sudah di akhir tahun 60-an mulai menyadarinya dalam bentuk liris umum dari sebuah puisi - refleksi tentang perang, kepahlawanan, kehormatan dan tugas prajurit. Puisi baginya menjadi "tindakan pemikiran tertinggi", dan ia menyadari dirinya sebagai "sumber pemikiran". Setelah memulai jalan pemahaman filosofis tentang realitas, keberadaan manusia, Vinokurov tetap setia pada jalan yang dipilih sampai akhir hayatnya.

Hampir semua puisi E. Vinokurov ditujukan pada tema-tema "abadi" yang memiliki tingkat eksistensi universal. Tema pengembaraan abadi menjadi semacam panduan melalui lirik penyair. Bukan kebetulan bahwa gambar simbolis konvensional Odysseus, Avicenna, alkemis kuno muncul dalam puisinya. Kepribadian di dalamnya cocok dengan penyair ke dalam konteks kosmik terluas, dipenuhi dengan perasaan sukacita persatuan dengan keabadian, dengan harmoni dunia.

Keunikan situasi sastra akhir 1970-an terletak pada kenyataan bahwa tidak ada pemimpin di dalamnya. Ada pemimpin, mereka yang maju, tetapi tempat-tempat yang dikosongkan setelah Pasternak, Akhmatova, Tvardovsky tetap kosong dan tidak jelas siapa yang bisa mengambilnya.

Pada akhir tahun 70-an, perubahan kualitatif terjadi dalam puisi, tidak begitu terkait dengan perubahan generasi puitis, tetapi dengan orientasi aktif kaum muda ke bentuk-bentuk puisi dan cara-cara baru. gambar artistik. Apa yang di tahun 60-an hanya dengan takut-takut berakar dalam karya "seniman beragam" - asosiatif yang rumit, eksperimen formal, simbiosis dari tren gaya yang berbeda - di akhir 70-an - awal 80-an menyatakan dirinya sebagai tren terkemuka dan di mana-mana memenangkan kembali ruang hidupnya. Apalagi ada dua arah yang berbeda, mirip dengan arah perkembangan puisi muda di awal tahun 60-an. Itu adalah arah tradisional (N. Dmitriev, G. Kasmynin, V. Lapshin, T. Rebrova, I. Snegova, T. Smertina, dll.), berorientasi pada kelanjutan tradisi klasik, dan "metaforis", atau "polistilistika". ”, berorientasi untuk eksperimen formal (A. Eremenko, A. Parshchikov, N. Iskrenko, Yu. Arabov, D. Prigov, dll.).

Dengan demikian, secara formal dan jarak jauh, situasi puitis tahun 80-an kembali mengingatkan pada tahun 60-an. Tetapi tahun 80-an berbeda secara signifikan dari tahun 60-an dalam hal dari pertengahan dekade, proses "mengembalikan" ke sastra nama-nama N. Gumilyov, N. Klyuev, A. Platonov, M. Bulgakov dan penulis lain yang sebelumnya terlupakan, seperti serta karya-karya mereka. Tahun 80-an menunjukkan kepada dunia karya-karya baru oleh penyair A. Akhmatova, M. Isakovsky, A. Tvardovsky, yang menulis "di atas meja" pada tahun 60-an. Pada saat yang sama, kritikus Yu Idashkin dalam artikel “ pelajaran yang sulit era” (LR, 1987, No. 43) bahkan menulis bahwa pada pertengahan 80-an ada dominasi puisi “kembali”, dan nama-nama penyair modern masuk ke dalam bayang-bayang.

Contoh penyair yang karyanya sepenuhnya dikembalikan ke pembaca hanya baru-baru ini, V. Kornilov dapat melayani. Banyak puisi V. Kornilov melihat cahaya hanya dalam "The Chosen" (M., 1991). Diciptakan di tahun yang berbeda, mereka menemukan pembaca mereka hanya di tahun 90-an. Penyair, dengan seluruh hidup dan karyanya, membuktikan bahwa "mereka yang tidak menundukkan kepala mereka selamanya benar di dunia." Puisi-puisinya penuh dengan energi kebebasan batin, mereka merasakan tanggung jawab pribadi yang besar untuk setiap kata, untuk desahan, untuk langkah, untuk pemikiran, untuk "kata" untuk penyair adalah "awal dari segalanya dan cahaya. ." Dan dalam semua ini dia sangat konstan. Dalam memilih topik, bentuk, genre (biasanya, ini adalah pengakuan liris), metode berima (biasanya ini adalah sajak silang). Kornilov memberikan preferensi pada meter klasik dua suku kata - iambik dan korea, tetapi juga menggunakan yang tiga suku kata, yang mendiversifikasi sistem lirisnya. Hal utama bagi penyair adalah kebenaran hidup, meskipun pada dasarnya tragis. Banyak puisinya bersifat publisitas: "Untuk Viktor Nekrasov", "In Memory of A. Beck", "Young Poetry", dll. Namun, terlepas dari kenyataan bahwa banyak puisi Kornilov ditandai dengan cap aktualitas, ada juga Tema "abadi" di dalamnya: penyair mengangkat masalah cinta dan persahabatan, pengabdian masyarakat kepada rakyat dan Tanah Air, hidup dan mati, penyair dan puisi.

Puisi "kembali" memberikan dorongan kuat untuk puisi modern dalam asimilasi dan pengembangan tradisi klasik puisi lirik Rusia, yang secara organik "cocok" dengan arah utama pengembangan proses puitis tahun 80-an. Pengecualian adalah karya I. Brodsky, seorang penyair tradisi sastra non-Rusia, "tidak hidup dengan ajaran Pushkin" (B. Chichibabin).

I. Brodsky mengakui bahwa dalam liriknya “muncul nuansa khas skizofrenia: kadang-kadang saya menyediakan kata benda bahasa Inggris sufiks Rusia atau sebagai sajak untuk kata Rusia muncul kata bahasa Inggris. Tetapi saya terbiasa dengan unsur delirium dalam keberadaan saya dan tidak menganggap situasi seperti itu sebagai sesuatu yang abnormal, sebaliknya.

I. Brodsky memilih bukan cara terbaik untuk "menolak" dari tradisi klasik - ironisnya, mengejek, mengejek (misalnya: "Saya mendirikan monumen yang berbeda untuk diri saya sendiri", "Melayani para renungan tidak mentolerir sesuatu di sana", dll.). Pelanggaran kriteria moral seni yang tinggi, yang terbentuk selama berabad-abad tidak hanya di Rusia, tetapi juga di dunia klasik, ternyata menjadi tragedi kesepian bagi penyair, hilangnya yang asli dan penciptaan gambar. dari kepribadian transendental yang ada di luar ruang dan waktu, seperti citra-simbol elang yang menjulang tinggi dan kesepian. Eksperimen formal, yang menjadi dasar posisi artistik penyair, pertama-tama memunculkan puisi dalam karyanya, lebih seperti prosa, kental, "mengalir" dari satu bentuk ke bentuk lain, yang tidak lebih dari aliran kesadaran. penulis, mengenakan sistem tanda kata-kata. Prinsip penggambaran realitas ini diambil oleh penyair generasi muda tahun 80-an dan 90-an, yang membentuk cabang puisi ironis dan absurd.

Jadi, tahun 80-an tampaknya lebih intens dan kontradiktif dalam perkembangannya daripada tahun 60-an dan 70-an. Di satu sisi, dalam puisi saat itu ada pendalaman dan pengembangan lebih lanjut dari awal tradisional, penguatan kewarganegaraan, di sisi lain, ada demarkasi tajam puisi muda menjadi "inovator" dan "tradisionalis", sebuah Eksperimen formal dilakukan sebagai cara untuk menciptakan puisi baru dan sebagai hasil dari proses ini - Lirik yang absurd muncul dan genre yang lebih megah - versifikasi.

Proses demokratisasi sastra mendapat respon dari kelas penguasa. Di kalangan pemerintah pengadilan, gaya upacara normatif buatan, unsur-unsur barok Ukraina, sedang ditanamkan.

Masalah barok dalam sastra Rusia. Istilah "barok" diperkenalkan oleh pendukung klasisisme pada abad ke-18. untuk merujuk pada seni kasar, hambar, "barbar" dan pada awalnya hanya dikaitkan dengan arsitektur dan seni rupa. Istilah ini diperkenalkan ke dalam kritik sastra pada tahun 1888 oleh G. Wölfflin dalam karyanya "Renaissance and Baroque". Dia melakukan upaya pertama untuk mendefinisikan fitur-fitur Barok, menguranginya menjadi keindahan, kedalaman, keterbukaan bentuk, yaitu, fitur murni formal. Peneliti Prancis modern Jean Rousset dalam karyanya "Literature of the Baroque Age in France" (1954) mereduksi Baroque menjadi ekspresi dua motif karakteristik: ketidakkekalan dan dekorasi. Sehubungan dengan sastra Rusia, istilah "barok" diperkenalkan oleh L. V. Pumpyansky.

Sebuah interpretasi yang luas dari Baroque dibuat oleh sarjana Hongaria A. Andyal dalam buku "Slavic Baroque". Sudut pandangnya dikembangkan oleh A. A. Morozov, yang cenderung mengaitkan semua literatur paruh kedua abad ke-17 dan paruh pertama abad ke-18 dengan Barok, melihat ke arah ini ekspresi identitas nasional sastra Rusia. . Sudut pandang A. A. Morozov memicu keberatan tajam dari P. N. Berkov, D. S. Likhachev, peneliti Ceko S. Matkhauzerova.

P. N. Berkov berbicara dengan penolakan tegas terhadap keberadaan barok Rusia dan mengajukan pertanyaan tentang perlunya mempertimbangkan puisi dan dramaturgi virsche Rusia pada akhir abad ke-17. sebagai kelahiran arah klasikisme baru. S. Matkhauzerova sampai pada kesimpulan tentang keberadaan sastra Rusia pada akhir abad ke-17. dua arah barok: Rusia nasional dan pinjaman Polandia-Ukraina.

D.S. Likhachev percaya bahwa kita harus berbicara tentang keberadaan hanya barok Rusia, yang awalnya dipinjam dari sastra Polandia-Ukraina, tetapi kemudian memperoleh fitur-fiturnya sendiri yang spesifik.

Pada awal 60-an, I. P. Eremin menganalisis secara rinci dan rinci fitur barok Rusia dalam puisi Simeon Polotsky. Kesimpulan dan pengamatan ilmuwan ini penting untuk memahami masalah ini.

Terlepas dari perbedaan signifikan dalam pandangan tentang Barok dalam sastra Rusia, para peneliti telah menetapkan fitur formal paling signifikan dari gaya ini. Ini dicirikan oleh ekspresi estetika kesedihan yang berlebihan, kemegahan yang disengaja, upacara, emosionalitas eksternal, akumulasi berlebihan dalam satu karya komponen gaya yang tampaknya tidak sesuai dari bentuk bergerak, alegoris, plot hias dan bahasa.

Perlu dibedakan antara dua aspek yang berbeda dalam isi istilah barok: a) barok sebagai metode dan gaya artistik yang muncul dan berkembang di suatu lingkungan tertentu. era sejarah; b) barok sebagai tipe kreativitas seni dimanifestasikan dalam periode sejarah yang berbeda.

Barok sebagai gaya dibentuk di Rusia pada paruh kedua abad ke-17, dan melayani absolutisme tercerahkan yang muncul. Dengan caranya sendiri entitas sosial gaya barok adalah fenomena aristokrat yang bertentangan dengan sastra demokratis. Karena transisi ke Barok dalam sastra Rusia dilakukan bukan dari Renaisans, seperti di Barat, tetapi langsung dari Abad Pertengahan, gaya ini tidak memiliki suasana mistik dan pesimistis dan bersifat mendidik; pembentukannya melalui sekularisasi budaya, yaitu pembebasannya dari perwalian gereja.

Namun, para penulis Barok Rusia tidak sepenuhnya menolak pandangan agama, tetapi mewakili dunia dengan cara yang rumit, menganggapnya sebagai sesuatu yang misterius yang tidak dapat diketahui, meskipun mereka membangun hubungan sebab akibat. fenomena eksternal. Berangkat dari simbolisme agama abad pertengahan yang lama, mereka dengan cermat mengintip ke dalam urusan dunia, kehidupan yang dijalani orang duniawi dan mengajukan persyaratan pendekatan "masuk akal" terhadap kenyataan, terlepas dari pengakuan gagasan tentang nasib dan kehendak Tuhan, dikombinasikan dengan didaktik. Fiksi, sistem alegori dan simbol, serta struktur karya yang kompleks, terkadang canggih, dibangun di atas sistem pandangan ini.

Gaya Barok dalam sastra Rusia pada akhir abad ke-17 - awal abad ke-18 mempersiapkan munculnya klasisisme Rusia. Dia menerima perwujudan paling jelas dalam gaya puisi Virche, dramaturgi pengadilan dan sekolah.

Pembentukan dan pengembangan puisi buku Rusia. Salah satu faktor penting dalam sejarah sastra Rusia abad XVII. adalah kemunculan dan perkembangan puisi buku. Pertanyaan tentang asal-usulnya, penyebab kemunculannya telah menyita dan menyita banyak peneliti. Bahkan di abad terakhir, dua sudut pandang yang berlawanan telah berkembang. A. Sobolevsky percaya bahwa ayat suku kata - ayat (dari bahasa Latin versus - ayat) muncul di bawah pengaruh puisi Ukraina dan Polandia. L. N. Maikop berargumen bahwa "eksperimen pertama dari syair-syair berima muncul, bisa dikatakan, dengan sendirinya dan, dalam hal apa pun, bukan sebagai tiruan dari syair suku kata Eropa Barat dengan sajak."

Kontribusi signifikan untuk mempelajari tahap awal pengembangan puisi Rusia dibuat oleh peneliti Soviet A. V. Pozdneev, L. I. Timofeev, dan A. M. Panchenko.

Munculnya puisi buku tanggal kembali ke sepertiga pertama abad ke-17. dan dikaitkan dengan penguatan peran kota dalam kehidupan budaya negara dan keinginan lapisan masyarakat Rusia yang maju untuk menguasai pencapaian budaya Eropa, serta, menurut A. M. Panchenko, melemahnya peran dari cerita rakyat. Sajak pidato Rusia bergantung, di satu sisi, pada syair deklamasi dari badut, dan di sisi lain, ia menggunakan pengalaman puisi suku kata Ukraina-Polandia.

Selama periode perjuangan rakyat Rusia dengan intervensi Polandia, sehubungan dengan penguatan elemen emosional dan jurnalistik dalam sastra, upaya pertama untuk memberikan contoh pidato puitis muncul. Dalam "Kisah" Avraamy Palitsyn kita sering bertemu dengan organisasi berirama pidato naratif. Buku Tawarikh, yang dikaitkan dengan Katyrev-Rostovsky, diakhiri dengan sajak-sajak berirama. Seperti yang dicatat L. I. Timofeev, syair dalam karya-karya ini sepenuhnya didasarkan pada sarana ekspresifitas ucapan dan tidak merujuk pada elemen musikalitas apa pun. Namun, struktur pidato dari ayat tersebut memungkinkan untuk menyampaikan keadaan batin seseorang, pengalaman pribadinya. Syairnya belum diatur secara berirama: jumlah suku kata dalam satu baris berubah secara bebas, tidak ada perhatian yang diberikan pada pergantian tekanan, sajak digunakan terutama verbal, maskulin, feminin, dactylic, dan hyperdactylic. Apa yang disebut ayat-ayat pra-suku kata ini menjadi semakin populer.

Namun, bersama dengan ayat-ayat pra-suku kata, sudah di sepertiga pertama abad ke-17. ayat suku kata muncul. Mereka ditegaskan terutama dalam genre surat. Jadi, pada tahun 1622, Pangeran S. I. Shakhovskoy "Pesan kepada teman tertentu sangat berguna tentang tulisan-tulisan ilahi" diakhiri dengan 36 baris berirama dengan suku kata yang tidak sama.

Pendeta Ivan Nasedka mengakhiri risalah polemik Exposition on Luthors dengan syair suku kata. "Banyak celaan", kecaman ditulis dalam syair oleh Pangeran I. A. Khvorostinin. Di akhir hidupnya, ia menciptakan risalah puitis polemik yang ditujukan terhadap bidat - "Kata pengantar diatur dalam perjanjian dua baris, tepi mantra" dalam 1000 baris puitis.

Pada paruh pertama abad XVII. ada kumpulan surat-surat yang ditulis dalam syair suku kata. Salah satu koleksi tersebut antara lain puisi-puisi "referensi" Percetakan dengan tema yang cukup beragam. Lagu-lagu buku suku kata diciptakan pada awal 50-an abad ke-17. penyair sekolah Nikon. Di antara penyair-penyair ini, Herman menonjol, setelah menunjukkan keahlian khusus dalam mengembangkan akrostik, yang dapat dibaca dari kanan ke kiri dan sebaliknya, dari bawah ke atas dan dari atas ke bawah. Ayat-ayat suku kata mulai digunakan dalam deskripsi lambang, dalam "Buku Judul Tsar" tahun 1672, dalam prasasti pada ikon, cetakan populer.

Peran penting dalam pengembangan puisi suku kata dimainkan oleh karya Simeon Polotsky dan murid-muridnya Sylvester Medvedev dan Karion Istomin.

Simeon Polotsky(1629-1680). Berkebangsaan Belarusia, Simeon Polotsky menerima pendidikan luas di Akademi Kiev-Mohyla. Setelah menerima monastisisme pada 1656, ia menjadi guru di "sekolah persaudaraan" di Polotsk asalnya. Pada 1661 kota itu sementara diduduki oleh pasukan Polandia. Polotsky pindah ke Moskow pada 1664. Di sini dia mengajar juru tulis urutan urusan rahasia Latin, di mana sekolah khusus dibuat di Biara Spassky. Pada 1667, Tsar Alexei Mikhailovich mempercayakan Simeon dari Polotsk dengan membesarkan anak-anaknya - pertama Alexei, dan kemudian Fedor.

Polotsk mengambil bagian aktif dalam perang melawan Orang-Orang Percaya Lama. Di dewan gereja tahun 1666, ia berbicara dengan risalah teologis "The Rod of Government", di mana ia berdebat dengan imam "petisi" Nikita dan imam Lazar. Atas permintaan pribadi raja, ia melakukan perjalanan tiga kali untuk menegur Habakuk.

Simeon dari Polotsk mengabdikan aktivitasnya untuk perjuangan penyebaran pencerahan. Dia secara aktif berpartisipasi dalam perselisihan antara pendukung pendidikan Yunani dan Latin, memihak yang terakhir, karena para pembela sistem pendidikan Yunani berusaha untuk menundukkan pengembangan pendidikan ke kendali gereja. Polotsky percaya bahwa peran utama dalam pengembangan pendidikan adalah milik sekolah, dan, berpaling kepada raja, mendesaknya untuk membangun sekolah dan "mendapatkan" guru. Dia sedang mengembangkan proyek untuk menciptakan lembaga pendidikan tinggi pertama di Rusia - akademi. Sesaat sebelum kematiannya, ia menulis rancangan piagam untuk akademi masa depan. Di dalamnya, Simeon dari Polotsk menyediakan studi sains yang sangat luas - baik sipil maupun spiritual.

Polotsky sangat mementingkan pengembangan pencetakan: "Tidak ada yang memperluas kemuliaan seperti itu, seperti meterai," dia menulis. Atas inisiatif dan petisi pribadinya kepada Tsar Fyodor Alekseevich, pada tahun 1678 percetakan "Atas" dibuka di Kremlin.

Salah satu kegiatan favorit Simeon Polotsky adalah "bersajak", yaitu, aktivitas sastra puitis, yang telah menarik perhatian banyak sejarawan sastra.

Awal kegiatan sastra Simeon dari Polotsk mengacu pada masa tinggalnya di Akademi Kiev-Mohyla. Di Polotsk, ia menulis puisi dalam bahasa Polandia, Belarusia, Ukraina, mengungkapkan bakat puitis yang luar biasa: ia menciptakan elegi, puisi satir yang ditujukan terhadap raja Swedia Gustavus Adolf, epigram (dalam arti kuno mereka). Sesampainya di Moskow, Polotsky hanya menulis puisi dalam bahasa Rusia. Di sini kreativitas puitisnya mencapai puncaknya. Seperti dicatat oleh muridnya - Sylvester Medvedev, Polotsk “untuk setiap hari, memiliki jaminan menulis di setengah lusin buku catatan, dan tulisannya sangat kecil dan menanjak.”

Ayat suku kata Polotsky dibentuk di bawah pengaruh langsung dari ayat Ukraina dan Polandia. Namun, kemungkinan menggunakan ayat suku kata sebelas dan tiga belas dengan pasangan wajib dalam versi Rusia sajak feminin disiapkan oleh perkembangan historis yang panjang dari sarana ekspresif yang secara organik melekat dalam bahasa kutu buku Rusia. Ayat suku kata Simeon dari Polotsk terkait erat dengan buku yang disempurnakan itu "bahasa Slovenia" yang sengaja mereka lawan dengan bahasa lisan.

Polotsky melekatkan makna pendidikan dan pendidikan yang besar pada karya-karya puitisnya. Polotsky melihat panggilan tinggi penyair dalam kemampuan untuk menarik "rumor dan hati" dari orang-orang. Senjata ampuh puisi, menurutnya, harus digunakan untuk menyebarkan pencerahan, budaya sekuler, dan konsep moral yang benar. Selain itu, ayat tersebut harus menjadi model bagi semua yang menulis di "Bahasa buku Slovenia".

Simeon dari Polotsk bertindak sebagai penyair istana pertama, pencipta syair-syair khusyuk panegyric, yang merupakan prototipe ode pujian.

Di tengah syair panegyric berdiri gambar seorang otokrat tercerahkan yang ideal. Dia adalah personifikasi dan simbol negara Rusia, perwujudan hidup dari kekuatan dan kemuliaan politiknya. Dia harus mengabdikan hidupnya untuk kebaikan negara, kebaikan rakyatnya, untuk menjaga mereka "penggunaan sipil" dan pencerahan mereka, dia tegas dan penyayang dan pada saat yang sama merupakan pelaksana yang tepat dari hukum yang ada.

Syair-syair panegyric dari S. Polotsky mengandung "karakter struktur verbal dan arsitektural yang kompleks - tontonan verbal." Seperti, misalnya, adalah ayat panegyric "Elang Rusia". Dengan latar belakang langit berbintang, matahari bersinar terang dengan empat puluh delapan sinarnya, bergerak melalui zodiak; kebajikan Tsar Alexei tertulis di setiap sinarnya. Terhadap latar belakang matahari - elang berkepala dua bermahkota dengan tongkat kerajaan dan bola di cakarnya. Teks panegyric sendiri ditulis dalam bentuk pilar - kolom yang bertumpu pada dasar teks prosa.

Seperti yang dicatat oleh I.P. Eremin, penyair mengumpulkan untuk syair-syairnya sebagian besar hal-hal langka, "keingintahuan", tetapi hanya melihat di dalamnya "tanda", "hieroglif" kebenaran. Dia terus-menerus menerjemahkan gambar tertentu ke dalam bahasa konsep abstrak, abstraksi logis. Metafora S. Polotsky, alegori sok, perumpamaan chimerical dibangun di atas pemikiran ulang semacam itu.

S. Polotsky memperkenalkan nama-nama dewa dan pahlawan kuno ke dalam syair panegyricnya: Lobi(Phoebus) emas", "Kinfey berambut emas", "dada Dievo"(Zeus), "Burung dewa"(burung rajawali). Mereka secara langsung hidup berdampingan dengan gambaran-gambaran mitologi Kristen dan memainkan peran konvensi puitis murni, menjadi sarana untuk menciptakan hiperbola. S. Polotsky mengolah puisi keriting dalam bentuk hati, bintang, labirin.

Fitur gaya S. Polotsky - manifestasi khas barok sastra 2 . Semua puisi panegyric (800 puisi), puisi untuk berbagai kesempatan kehidupan istana digabungkan oleh S. Polotsky menjadi sebuah koleksi, yang disebutnya "Rhymologion" (1679-1680).

Seiring dengan puisi panegyric, S. Polotsky menulis syair tentang berbagai topik. Dia menyatukan 2957 ayat dari berbagai genre ("kesamaan", "gambar", "peribahasa", "interpretasi", "batu nisan", "gambar penandatanganan", "dongeng", "nasihat", "kecaman") dalam koleksi " Vertograd (taman ) beraneka warna "(1677-1678). Penyair memberikan karakter buku referensi puitis ensiklopedis untuk koleksi ini: syair-syair disusun berdasarkan topik dalam urutan abjad judul. Semua karya baik subjek sekuler dan agama bersifat moral. Penyair menganggap dirinya pembawa dan penjaga nilai-nilai agama dan moral tertinggi dan berusaha untuk mengesankan mereka pada pembaca.

Dalam syair, S. Polotsky mengajukan pertanyaan moral, mencoba memberikan gambaran umum "perawan"("Virgo"), "janda"("Janda"), mempertimbangkan masalah pernikahan, martabat, kehormatan dll. Jadi, dalam puisi "Kewarganegaraan" S. Polotsky berbicara tentang perlunya setiap orang, termasuk penguasa, untuk secara ketat mematuhi hukum yang ditetapkan. Penyair menganggap kerja sebagai dasar masyarakat, dan tugas pertama seseorang adalah bekerja untuk kebaikan masyarakat. Untuk pertama kalinya, penyair telah menguraikan tema yang akan mengambil tempat menonjol dalam sastra klasik Rusia - tema menentang penguasa yang ideal, raja yang tercerahkan dari seorang tiran, kejam, berkemauan sendiri, tidak berbelas kasih dan tidak adil.

Pertanyaan filosofis tentang makna hidup dimunculkan oleh S. Polotsky dalam puisi “Dignity”. Penyair melihat kebahagiaan sejati bukan dalam mengejar kehormatan, pangkat, bangsawan, tetapi dalam kemampuan seseorang untuk melakukan apa yang dia sukai.

Bagian penting dari puisi S. Polotsky adalah satire - "penolakan". Sebagian besar karya satirnya bersifat moralistik umum dan abstrak. Seperti, misalnya, kecaman-kecaman "Ignorant" yang ditujukan terhadap orang-orang bodoh pada umumnya; "Sihir", mengungkapkan "sayang", "berbisik".

Karya satir terbaik S. Polotsky adalah puisinya "Pedagang" dan "Biksu".

Dalam sindiran "Pedagang" penyair mencantumkan delapan manusia "dosa sampai tingkat pedagang.""Dosa" ini - penipuan, kebohongan, sumpah palsu, pencurian, ketamakan - mencerminkan praktik sosial nyata para pedagang. Namun, tidak ada gambar satir khusus dalam puisi itu. Penyair membatasi dirinya pada pernyataan dosa sederhana untuk diakhiri dengan nasihat moral. "anak-anak kegelapan galak menunda urusan kegelapan", untuk menghindari siksaan neraka di masa depan.

Satir "The Monk" dibangun di atas pertentangan antara cita-cita dan kenyataan: pada awalnya, penyair berbicara tentang apa yang seharusnya menjadi seorang biarawan sejati, dan kemudian melanjutkan ke penolakan.

Tapi sayangnya, kemarahan! peringkat yang baik binasa.

Monastisisme menjadi pesta pora dalam banyak hal berubah.

Sketsa satir tentang kemabukan, kerakusan, moral tidak bermoral para biarawan diberikan dengan cukup jelas:

Tidak hanya orang awam yang bekerja di dalam kandungan,

Eliko kemudian biarawan memberi air, jenuh.

Prapaskah memilih untuk menjalani hidup.

Saya berusaha untuk itu, untuk makan, minum ...

Mnozi dari pelampung anggur bersumpah dengan buruk,

Mereka menggonggong, memfitnah, malu dan jujur ​​dengan berani ...

Ada lilin predator di pakaian domba,

Rahim bekerja, roh musnah.

S. Polotsky segera menekankan hal itu dalam sindirannya kita sedang berbicara bukan tentang semua bhikkhu, tetapi hanya tentang "tercela" siapa dia mencela "dengan menangis." Tujuan satirnya adalah moral dan didaktik - untuk berkontribusi pada koreksi moral, dan sebagai kesimpulan penyair beralih ke "kejam" biksu dengan panggilan untuk berhenti "lakukan kejahatan ini."

Didaktik moralistik ini, keinginan untuk memperbaiki sifat buruk masyarakat dan dengan demikian memperkuat fondasinya, membedakan satir S. Polotsky yang mulia dan mendidik dari kisah satir demokratis, di mana kecaman itu akut secara sosial, lebih spesifik.

Dari karya-karya puitis S. Polotsky, orang harus memperhatikan pengaturan berirama dari Mazmur pada tahun 1678, diterbitkan pada tahun 1680. Diatur ke musik oleh juru tulis Vasily Titov (ia meletakkan dasar-dasar musik vokal kamar), Mazmur berirama sangat populer. Melalui buku ini, M. V. Lomonosov berkenalan dengan puisi suku kata Rusia.

Dengan demikian, karya S. Polotsky berkembang sejalan dengan puisi panegyric dan didaktik Barok dengan generalisasi dan ambiguitas simbolisme, alegori, kontras dan hiperbolisme, moral didaktik. Bahasa puisi S. Polotsky murni kutu buku, menekankan perbedaan antara puisi dan prosa.

S. Polotsky menggunakan pertanyaan retoris, seruan, putaran terbalik. Terkait erat dengan tradisi bahasa buku kuno, Semeon Polotsky membuka jalan bagi pengembangan puisi klasik masa depan.

Sylvester Medvedev(1641-1691). Penyair Sylvester Medvedev dan Karion Istomin adalah murid dan pengikut Simeon dari Polotsk. "Seorang pria dengan kecerdasan luar biasa dan ketajaman ilmiah", seperti yang dicirikan oleh orang-orang sezamannya, "petugas referensi" (editor) Percetakan, Sylvester Medvedev muncul sebagai penyair hanya setelah kematian gurunya. Dia menulis "Epitafion" oleh Simeon dari Polotsk dan puisi panegyric yang didedikasikan untuk Tsar Fyodor Alekseevich ("Salam Pernikahan" dan "Menangis dan Penghiburan" atas kematian Fyodor) dan Putri Sophia ("Tanda Tangan untuk Potret Putri Sophia"), yang didukung secara aktif oleh penyair, yang dieksekusi atas perintah Peter.

Dalam "Epitafion" Sylvester Medvedev memuliakan manfaat " guru itu mulia» , yang peduli tentang manfaat tetangganya. Medvedev mencantumkan karya-karya Simeon Polotsky.

Untuk membela gereja, buku yang dibuat oleh Tongkat itu adalah,

Untuknya, Mahkota dan Makan Malam yang dikeluarkan adalah.

Perjamuan, Mazmur, sajak dengan Sajak,

Vertograd beraneka warna dengan Percakapan.

Semua buku ini bijaksana, dia menciptakan seorang pria,

Dalam mengajar ras Rusia, itu nyata.

Sebagai seorang penyair, Medvedev tidak terlalu orisinal. Dia banyak meminjam dari syair panegyric gurunya, tetapi, tidak seperti Simeon dari Polotsk, dia menghindari penggunaan gambaran alegoris dan mitologis dalam syairnya.

Karion Istomin (? - 1717). Siswa Simeon dari Polotsk yang lebih berbakat dan produktif adalah Karion Istomin. Kreativitas puitis dia mulai pada tahun 1681 dengan menyambut puisi panegyric untuk Putri Sophia. Memuliakan dalam " Saya akan menghormati perawan yang baik hati, penyair berbicara tentang pentingnya Kebijaksanaan (Sophia dalam bahasa Yunani berarti "kebijaksanaan") dalam pemerintahan dan dalam kehidupan masyarakat.

Sama seperti S. Polotsky, K. Istomin menggunakan puisi sebagai sarana perjuangan pencerahan. Pada 1682, ia beralih ke Putri Sophia dengan koleksi puisi (16 puisi), di mana ia meminta untuk mendirikannya di Moskow lembaga pendidikan untuk mengajar ilmu-ilmu liberal: pedagogis, sejarah dan didaktik.

Dengan sejumlah instruksi kepada Peter yang berusia 11 tahun, penyair itu berbicara dalam buku "Intelligence" (1683). Benar, instruksi ini datang dari nama Tuhan:

Belajar sekarang, belajar dengan rajin,

Di masa mudamu, raja itu bijaksana, mencerahkan,

Bernyanyilah di hadapanku, Tuhanmu, dengan berani

Pengadilan dan kebenaran Yavl, kasus perdata.

Buku "Polis" ditulis dalam bentuk syair, memberikan gambaran tentang dua belas ilmu. K. Istomin sering membuat akrostik (puisi di mana seluruh kata atau frasa dibentuk dari huruf awal baris), dan juga menggunakan ayat untuk tujuan pedagogis: pada 1694 ia menyusun "Dasar Kecil" untuk mengajar Tsarevich Alexei Petrovich, dan pada 1696 "Primary besar", di mana setiap huruf dilengkapi dengan puisi didaktik kecil.

Berkat aktivitas S. Polotsky dan murid-murid terdekatnya, syair bersuku kata mulai banyak digunakan dalam karya sastra. Genre puitis baru muncul - lirik, yang penampilannya merupakan bukti nyata dari awal diferensiasi kepribadian. Prinsip-prinsip versi suku kata, yang dikembangkan pada paruh kedua abad ke-17, dikembangkan lebih lanjut dalam karya penyair suku kata sepertiga pertama abad ke-18: Pyotr Buslaev, Feofan Prokopovich.

Namun, ayat suku kata tidak sepenuhnya menggantikan yang pra-suku kata, yang bahkan hidup lebih lama dan mengakar sendiri di ayat surga kemudian, sedangkan sistem suku kata-tonik dari versi Rusia, yang dikembangkan oleh V.K. Trediakovsky dan M.V. Lomonosov, menggantikan suku kata.

10. Tren dan genre dalam perkembangan puisi di tahun 30-an

Ciri khas puisi tahun 30-an adalah perkembangan yang pesat genre lagu berkaitan erat dengan folklor. Selama tahun-tahun ini, terkenal "Katyusha" (M.Isakovsky), "Lebar adalah tanah kelahiranku ..." (V.Lebedev-Kumach), "Kakhovka" (M.Svetlov) dan banyak lagi.

Puisi tahun 1930-an terus aktif garis heroik-romantis dekade sebelumnya. Dia pahlawan liris- seorang revolusioner, pemberontak, pemimpi, mabuk oleh ruang lingkup zaman, bercita-cita untuk hari esok, terbawa oleh ide dan pekerjaan. Romantisme puisi ini, seolah-olah, mencakup keterikatan yang nyata pada fakta. "Mayakovsky Dimulai" (1939) N. Aseeva, "Puisi tentang Kakheti" (1935) N. Tikhonov, "Untuk Bolshevik Gurun dan Musim Semi" (1930-1933) dan "Kehidupan" (1934) V. Lugovsky, " Kematian Seorang Perintis” (1933) oleh E. Bagritsky, “Puisi Anda” (1938) oleh S. Kirsanov – contoh puisi Soviet tahun-tahun ini, tidak serupa dalam intonasi individu, tetapi disatukan oleh kesedihan revolusioner.

Kedengarannya dan tema petani membawa ritme dan suasana hatinya sendiri. Karya-karya Pavel Vasiliev, dengan persepsi "sepuluh kali lipat" tentang kehidupan, kekayaan dan plastisitas yang luar biasa, melukiskan gambaran perjuangan sengit di pedesaan.

A. puisi Tvardovsky "Semut Desa" (1936), yang mencerminkan pergantian jutaan massa petani ke pertanian kolektif, secara epik menceritakan tentang Nikita Morgunka, yang tidak berhasil mencari negara Muravia yang bahagia dan menemukan kebahagiaan dalam kerja pertanian kolektif. Bentuk puitis dan prinsip puitis Tvardovsky menjadi tonggak sejarah puisi Soviet. Dekat dengan rakyat, syair Tvardovsky menandai kembalinya sebagian tradisi Rusia klasik dan pada saat yang sama memberikan kontribusi yang signifikan terhadapnya. A. Tvardovsky menggabungkan gaya rakyat dengan komposisi bebas, aksinya terjalin dengan meditasi, daya tarik langsung bagi pembaca. Bentuk yang tampak sederhana ini ternyata sangat luas maknanya.

Dia menulis puisi liris yang sangat tulus M. Tsvetaeva, yang menyadari ketidakmungkinan hidup dan berkreasi di negeri asing dan kembali ke tanah airnya di akhir usia 30-an. Pada akhir periode, pertanyaan moral menempati tempat yang menonjol dalam puisi Soviet ( St.Schipachev).

Puisi tahun 1930-an tidak menciptakan sistem khusus sendiri, tetapi sangat luas dan sensitif mencerminkan keadaan psikologis masyarakat, mewujudkan baik kebangkitan spiritual yang kuat dan inspirasi kreatif rakyat.

Spesifikasi dari versi Rusia

(Tahap utama dalam pengembangan versifikasi dalam puisi Rusia)

Di jantung pidato puitis terletak, pertama-tama, prinsip berirama tertentu. Oleh karena itu, ciri syair tertentu terdiri, pertama-tama, dalam menentukan prinsip-prinsip organisasi ritmiknya, yaitu, dalam menetapkan prinsip-prinsip yang membangun ritme puitis. Dari sudut pandang ini, sistem versifikasi dibagi menjadi dua kelompok utama: kuantitatif (kuantitatif) versi dan kualitas (kualitatif) versi.

Irama ucapan itu sendiri tidak menciptakan syair, seperti halnya syair tidak direduksi menjadi ritme yang tepat. Jika, di satu sisi, ritme tertentu secara umum melekat dalam ucapan karena alasan fisiologis (menghirup dan menghembuskan napas, memecah ucapan menjadi segmen yang kurang lebih seragam), maka di sisi lain, muncul organisasi ritmis bicara yang jelas, misalnya . dalam proses persalinan, dalam lagu kerja yang memperbaiki dan meningkatkan ritme kerja.

Verifikasi rakyat adalah salah satu bidang yang paling tidak berkembang dari versifikasi Rusia. Mengenai prinsip-prinsip desainnya selama abad XIX. asumsi dan dugaan yang paling beragam dan saling eksklusif diungkapkan. Salah satu peneliti pertama versi rakyat Rusia - A.Kh. Vostokov, mencatat di dalamnya "keberadaan independen dari dua" berbagai tindakan, yaitu bernyanyi dan membaca", di dalamnya hanya dianalisis "ukuran kedua", yaitu fenomena ritme bicara. Pada saat yang sama, Vostokov sampai pada kesimpulan bahwa dalam versi tradisional "bukan kaki, bukan suku kata, tetapi periode prosodik, yaitu, tekanan, yang dihitung."

Salah satu yang paling spesies khas Syair rakyat Rusia - syair epik - terdiri dari tiga "periode prosodik", yaitu, ia membawa tiga tekanan phrasal dominan, di mana yang pertama paling sering jatuh pada suku kata ketiga dari ayat tersebut, dan sisanya dipisahkan oleh interval suku kata mulai dari satu sampai tiga suku kata. Tanda permanen sajak epik adalah struktur khusus klausa - dactylic dengan semi-stres opsional pada suku kata terakhir. Klausa ini adalah perbedaan luar ayat sebenarnya epos dari kemudian disebut. "lagu-lagu sejarah" dibangun di atas akhir perempuan.

Berdasarkan prinsip yang sama, berbagai bentuk lirik rakyat, yang jatuh ke dalam beberapa varietas, berbeda dalam jumlah tekanan frase dalam ayat dan jenis akhir (di antaranya maskulin jarang). Ini berlaku terutama untuk apa yang disebut. Lagu-lagu yang “ditarik-tarik”, karena lagu-lagu dansa, karena keteraturan ruang-ruang suku kata yang saling tertekan, seringkali mendekati bentuk-bentuk puisi “sastra”, silabo-tonik.

Sistem verifikasi aksen (ucapan) dibagi menjadi tiga kelompok utama: suku kata, suku kata dan tonik. Semua kelompok didasarkan pada pengulangan unit ritmik (baris), yang kesepadanannya ditentukan oleh pengaturan suku kata yang diberi tekanan dan tanpa tekanan dalam baris, terlepas dari rasio kuantitatifnya, dan ekspresinya tergantung pada sintaksis intonasi. (dan bukan musik) struktur syair.

Kelompok suku kata termasuk, misalnya. Prancis, Polandia, Italia, Spanyol, dan sistem lainnya. (Kelompok ini termasuk sistem Rusia dan Ukraina pada abad ke-16-18.) Kelompok silabo-tonik mencakup sistem Inggris, Jerman, Rusia, Ukraina, dan lainnya (yang pada saat yang sama sebagian besar termasuk dalam kelompok tonik). Perbedaan mendasar antara kelompok-kelompok ini tidak; di ketiga kelompok, kita berbicara tentang basis aksen ritme, yang memberikan variasi satu atau lain, sering saling berpapasan. Oleh karena itu, pembagian tradisional di atas sebagian besar bersyarat.

Bentuk paling sederhana dari sistem aksen adalah syair tonik, di mana kesepadanan baris (unit ritmik) didasarkan pada pelestarian yang kurang lebih konstan di setiap baris. nomor tertentu tekanan dengan sejumlah variabel suku kata tanpa tekanan (baik di baris secara keseluruhan dan di antara suku kata yang ditekan). Jumlah tekanan yang sama di setiap baris mungkin tidak diamati dalam praktik, tetapi ini tidak mengubah pola ritmik.

Syair suku kata adalah bait tonik di mana jumlah suku kata dalam satu baris dan tempat beberapa tekanan (di akhir dan di tengah baris) ditetapkan. Tegangan yang tersisa (di awal setiap setengah baris) tidak tetap dan mungkin jatuh pada suku kata yang berbeda.

Jika dalam versi tonik ada kebebasan penuh dalam jumlah dan pengaturan suku kata tanpa tekanan; dalam suku kata - jumlah suku kata yang tetap dengan kebebasan relatif pengaturannya, kemudian dalam ayat suku kata-tonik ada jumlah suku kata yang tetap dan tempatnya di baris. Ini memberikan unit-unit puitis keterbandingan yang paling berbeda.

Penekanan dalam syair silabo-tonik terletak baik melalui satu suku kata tanpa tekanan(ukuran dua suku kata), atau melalui dua (ukuran tiga suku kata). Mentransfer terminologi versi kuno ke ayat suku kata, meter dua suku kata di mana tekanan jatuh pada suku kata ganjil disebut koreografis, dan meter bersuku kata, di mana tekanan jatuh pada suku kata yang genap, - iambik.(Persamaan suku kata yang tertekan dengan yang panjang, dan yang tidak tertekan dengan yang pendek, tentu saja, tidak memiliki alasan nyata dan hanya dapat diterima sebagai konvensi terminologis.) Dengan demikian, meter tiga suku kata dengan tekanan pada 1/ 4/7, dst. suku kata disebut daktil, dengan aksen pada 2/5/8, dll. suku kata - amfibraki dan dengan aksen pada 3/6/9, dll. suku kata - obat bius.

Bergantung pada jumlah tegangan dalam satu garis, ukurannya ditetapkan sebagai dua, tiga, empat, dll. kaki iambs, dactyls, amphibrachs, anapaests, dll. Terminologi ini (mengingat konvensionalitasnya) berakar kuat dalam penggunaan dan cukup nyaman.

Dalam praktiknya, dalam meter silabo-tonik, suku kata yang ditekankan tidak selalu disimpan dalam urutan "silabo-tonik" yang tetap. Sebagai fenomena kebalikannya, baik dalam syair tonik maupun silabis, susunan tekanannya dapat berupa iambik, koreik, dsb. karakter. Jadi, dalam syair Perancis dan Polandia, contoh trochaic dapat ditemukan; ayat sepuluh suku kata Italia dekat dengan silabo-tonik. Itu. tidak ada garis tegas antara kelompok aksen syair; ada sejumlah konstruksi perantara, dan perbedaan aktual antara kelompok terjadi pada tingkat yang lebih besar secara statistik, sesuai dengan frekuensi fenomena metrik.

Momen-momen penting dalam sejarah versi Rusia

Sampai akhir abad XVI. di Rusia, serta di Ukraina, sistem versi lagu rakyat mendominasi. Komplikasi hubungan Masyarakat dari akhir abad ke-16, pengenalan dengan budaya Barat, perkembangan menulis mengarah pada fakta bahwa dalam puisi buku abad ke-17. syair rakyat diganti dengan pidato. Ayat suku kata ini berkembang di bawah pengaruh ayat suku kata utama Polandia, yang digunakan untuk menulis. S. Polotsky, D. Rostovsky, F. Prokopovich, A. Kantemir, Trediakovsky awal. Verifikasi suku kata mendominasi hingga tahun 30-an. abad ke 18 di Rusia, dan di Ukraina bahkan kemudian, hingga tahun 70-an.

30 detik abad ke 18 dalam sastra Rusia dicirikan oleh perluasan rentang kreatif, penciptaan gambar dan genre sastra baru, pengembangan bahasa sastra. Pencarian sedang berlangsung untuk sistem puisi yang lebih individual dan ekspresif. Pencarian ini dilakukan baik dalam batas-batas ayat suku kata (Kantemir, Trediakovsky), dan di bawah pengaruh ayat tonik dan suku kata tonik Eropa Barat (Trediakovsky, Gluck dan Chaus, Lomonosov), dan sehubungan dengan studi lebih lanjut tentang rakyat versifikasi (Trediakovsky).

Pencarian berakhir baik dalam praktik maupun teori dengan penampilan Trediakovsky dan Lomonosov (Cara Baru dan Singkat Penulisan Puisi Trediakovsky, 1735, dan Ode on the Capture of Khotin karya Lomonosov, 1738). Karya-karya ini meletakkan dasar-dasar syair silabis-tonik modern, yang menemukan ekspresinya yang paling lengkap dan sempurna dalam karya Pushkin.

Terlepas dari pentingnya dominan ayat silabo-tonik, sudah di abad ke-18, pada dasarnya, sudah di Lomonosov, dengan perbedaan yang tidak diragukan di Sumarokov, kemudian di Vostokov, di Pushkin (dongeng, Lagu Slavia Barat), pengembangan tonik ayat juga diuraikan. Ini disebabkan, di satu sisi, oleh meningkatnya minat pada syair rakyat dengan struktur tonik, dan di sisi lain, oleh upaya untuk meniru meter kompleks kuno, yang berubah menjadi konstruksi tonik dalam interpretasi Rusia.

Kontribusi besar untuk pengembangan puisi klasik Rusia dibuat oleh Zhukovsky, Lermontov dan, tentu saja, Pushkin. Dengan A.S. Pushkin, banyak ilmuwan mengaitkan pembentukan bahasa sastra seperti yang disajikan sekarang. Meskipun penulis sendiri bereksperimen dengan bahasa dengan sangat intensif. Yang terkenal adalah bait Onegin-nya dari novel dalam syair "Eugene Onegin", yang didasarkan pada soneta - puisi 14 baris dengan skema sajak tertentu.

Dengan munculnya era zaman perak verifikasi sedang didemokratisasi. Eksperimen konstan dengan puisi gerakan avant-garde (futurisme, dadaisme, acmeisme) menyebabkan perubahan dalam struktur konstruksi. Puisi yang ditulis menurut sistem ini disebut baris berdenyut (atau impulsarisme). Namun, gaya impulsarisme diwakili dalam puisi modern lebih luas daripada di antara penyair Zaman Perak. Puisi dicirikan oleh berbagai teknik artistik: pembagian garis dengan pembagian berirama (misalnya, pengaturan garis dalam "tangga", pergantian garis panjang dan pendek), pengulangan, parafrase, penulisan suara, kosa kata pribadi , dan seterusnya. Keadaan puisi saat ini agak kontradiktif dan beragam, karena menggabungkan banyak arus dan prinsip yang telah terakumulasi sepanjang sejarah versifikasi. Penggunaan arkaisme, dialek, kata-kata yang terdengar tinggi, praktis dikurangi seminimal mungkin, menyebabkan fakta bahwa puisi menjadi sulit dibaca, tetapi mudah dipahami. Hal ini menyebabkan puisi menjadi lebih terarah secara tematis, melewati seni tinggi menuju jalan postmodernisme pragmatis.

1. Skripov, G.S. Tentang versi / manual Rusia untuk siswa. M.: Pendidikan, 1979. - 64.

2. Vostokov A. Pengalaman tentang versi Rusia, ed. 2. - St. Petersburg, 1817.

3. Sokalsky P.P., musik rakyat Rusia, Rusia Besar dan Rusia Kecil, dalam struktur melodi dan ritmiknya. - Kharkov, 1888.

4. Korsh F., Tentang versifikasi rakyat Rusia, dalam buku: Koleksi Departemen Bahasa dan Sastra Rusia Acad. Sciences, vol. LXVII, No. 8. - St. Petersburg, 1901.

5. Maslov A. L., Epik, asal-usulnya, gudang ritmik dan melodi, dalam buku: Prosiding Komisi Musik dan Etnografi, yang terdiri dari Etnografi. Departemen Masyarakat Pecinta Ilmu Pengetahuan Alam, Antropologi dan Etnografi, jilid XI, M., 1911.

6. Sastra Rusia abad XX / ed. V.V. Agenosov, dalam dua bagian. M.: Drofa, 2002.

7. Tentang keadaan sastra saat ini. Mode akses - http://impulsarizm.narod2.ru/