Trender i utvecklingen av modern poesi. ny tid

UTVECKLING AV POESIN

FORM i poesi har ganska solida grunder.
Det är antingen en kuplett med eller utan ramsa. Eller samma quatrains, quintuples. Fem rader kan byggas med tre rader för ett rim och två för ett annat.
Det finns också sex rader. Där kupletter, första och andra, kan ha ett rim eller olika, och mellan dem finns två rader med olika rim. Allt detta är FRIA FORMER - här väljer skribenten själv ordningen på raderna.
Och det finns former där ordningen på raderna bestäms en gång för alla - det är SOLID FORMER: sonett, oktav, triolett, etc.

Titta noga på Kwiatkowskis poetiska ordbok. Hur många intressanta saker du kommer att lära dig av den om poesi. Hur mycket har inte skapats i poesi under århundraden av dess existens! Har litteraturen uttömt sina möjligheter?

Inte! Och det är osannolikt att det tar slut. Det finns trots allt en sån rörande sak som INNEHÅLL. Se åtminstone kortfattat hur det har förändrats över tid. För det första är dessa hymner till gudarna, jordbrukskalendrar och läror. Sedan finns det kärleksdikter av Catullus, Tibullus, Propertius eller Ovidius. Samtidigt skapas psalmer och oder (Pindar och Bacchilid) för att hedra vinnarna av olympiaderna. På medeltiden började vardagstemat tränga in mer och mer i poesin. Det kommer från en förändring i människors världsbild. De börjar tro mer och mer på människans kreativa möjligheter. Detta är särskilt tydligt i renässansens litteratur.

Om FORMEN i poesin förblir oförändrad fram till våra dagar, så förändras INNEHÅLLET och mycket abrupt. Scener i det sociala livet har redan tagit sin plats i poesin. Många typer av verser (oder, ekloger, idyller) går till historien. Ja, och här är det nödvändigt att göra en reservation: vi har många poeter som vänder sig till temat byn, men inte i den form som det var i antiken. Många gamla berättelser har omarbetats. Oden har inte heller dött. Majakovskij skrev till exempel "Ode till revolutionen". Ode finns i Pablo Nerudas verk - "Ode till enkla saker."

Men de nya livsvillkoren dikterar starkt deras planer, är det värt att vända sig till det som är avsett att dö för länge sedan? Nichevokarnas (en trend inom poesin), futuristerna och andra formalisters tid har passerat. Men vår oroliga tid återuppväcker omärkligt det förflutna. Tyvärr fanns den inte bara kvar i litteraturhistorien, utan lurade bara under jorden och väntade i kulisserna. Och den tiden har kommit.

Ryska författare har länge tänkt och pratat om revolution.
Författare, om bara
Våga, och havet är Ryssland,
Kan inte låta bli att bli upprörd
När elementen är upprörda!
Författare, om bara
Det finns en nerv hos ett stort folk,
Kan inte bli förvånad
När friheten är slagen!
Yakov Polonsky (i albumet K.Sh. 1871)

Här är Nekrasovs ord om denna fråga:

Det ryska folket bar nog
………………………………………..
Kommer att tåla allt - och brett, klart
Bröst kommer att bana väg för sig själv.

Men när revolutionen ägde rum verkade de inte känna igen den. Det verkade för dem som om friheten skulle komma som en gåva från ovan - blodlöst, fridfullt. Men verkligheten visade sig vara hårdare, och från många författares läppar hördes ett rop: "Ta tillbaka det förflutna!"

Händde inte samma sak i litteraturen under åren före perestrojkan? Oliktänkandena kritiserade regeringen, krävde grundläggande förändringar i landet, och när allt detta hände visade det sig att varken litteratur eller de själva behövdes av den nya regeringen.
Så vadå, skrik igen: "Bring back the past"?
Avskaffandet av censuren, fullständig likgiltighet för vad som skrivs och hur, möjligheten att ge ut böcker på egen bekostnad, andra friheter – det är jag säker på – det är inte den väg som litteraturen behöver. Kanske några av läsarna kunnig i historia litteratur, under en tid och kommer att ha roligt att läsa moderna opus; ett barn är road av en ny leksak tills han känner igen dess enhet, det vill säga tills han tar isär den, sedan kastar han den. Så är det i litteraturen. När läsaren inser att det inte ligger något allvarligt bakom alla dessa krusiduller kommer han att tappa intresset för dem.

Ta till exempel deckarromanen som är så utbredd idag. Detta är på intet sätt en nyhet i världslitteraturen. De första detektiverna skapades av Edgar Allan Poe. Men genren blev populär med tillkomsten av Sherlock Holmes. PÅ sovjetisk tid många verk inom denna genre skapades också. Så hur skiljer sig den sovjetiska deckarromanen från den moderna? Det verkar som att alla detaljer i genren finns bevarade i dem, men ...
Men detta MEN - och är det viktigaste! Sovjetiska författare förkroppsligade i sina verk det moraliska idealet sovjetisk man. En person med hög moral och professionell kultur bevaka statens intressen. Det som var viktigt för oss var inte hjältens äventyr i allmänhet, utan syftet med vilket de skapades. Läsaren lockades främst av charmen i hjältens personlighet, fullständig tillit till hans tankar och handlingar. Vi sympatiserade med honom och imiterade honom. Utan att läsaren visste det, utförde sådana romaner funktionen av moralisk och patriotisk utbildning.
Vem är de moderna detektivernas hjälte? För det mesta är det en ensam detektiv. skydda en persons intressen (oligarken, eller helt enkelt "rika Pinocchio"). Därför känner vi oftast inte mycket sympati för deckarens hjältar, vi följer bara händelseutvecklingen och det är allt. Sådana romaner är skrivna i syfte att underhålla läsaren. För att bemästra dem räcker det att bara ha ett lätt excitabelt psyke.

Något liknande händer i poesi.
En gång i vår litterära förening blev en modern poet, som skriver svårt och obegripligt, ombedd att förklara innebörden av sin dikt. Här är ett utdrag:
En presentkniv säljs på marknaden,
att skära torr marmelad.
Det fanns inga högtidliga ugglor ... På bänken
ligger ett lutande paraply.

Godis skramlar i en skamfilad ask,
och en humla springer skyggt.
Jag drömmer återigen om mig själv på ett slaviskt sätt,
Jag ska hälla emalj på marken.

En odalisque från Renault kommer att passa mig,
och så sibyllan - folkkommissarien.
Jag ska bevisa för dem att jag är blind för glansen
strålar som tränger igenom Rom,
……………………………….
och sedan ytterligare sju av samma strofer av en text som inte är förenad med en gemensam betydelse.

Författaren med en allvarlig blick började säga något vetenskapligt obegripligt. Men vi har lärt oss av allt som har sagts bara en sak: ju mindre specifikt innehåll i verserna, desto högre värderas de av älskare och skapare av denna typ av konst. Men även vår store M.V. Lomonosov (1711-1765) sa:
– De som skriver mörkt sviker antingen omedvetet sin okunskap, eller medvetet döljer den. De skriver vagt om vad de vagt föreställer sig.

Många författare i väst försökte också förklara poesi som ett instinktivt tillflöde, inte underkastat sinnets kontroll. Så tänkte till exempel den franske poeten Stéphane Mallarmé (1842-1898). Jag uppmärksammade dock ett särdrag hos sådana dikter: poeternas förklaringar sammanfaller nästan aldrig med deras verk. Jag tror eftersom deklarationer inte kan täcka hela skalan av känslor som föds i processen av kreativ uppsving, inspiration. Deklarationer och manifest skrivs oftast i unga år, när ungdomlig entusiasm är stark, när man vill förneka allt, förändra allt, göra på sitt eget sätt. Men under åren har den nödvändiga erfarenheten ackumulerats, ibland poetens världsbild, hans inställning till kreativitet, till livet förändras. Kreativiteten påverkas också av höjningen av författarens kulturella nivå och läsarens inställning till honom och kritiska kommentarer etc. För vissa artister finns det flera sådana förändringar, och detta är ganska naturligt: ​​livet står inte stilla, och människan med det. När allt kommer omkring är en person inte en maskin en gång för alla programmerad, utan en levande, tänkande organism, som ibland reagerar skarpt på miljön. Vår A.S. Pushkin var just en sådan författare. Han började som en romantisk poet och avslutade sitt arbete som en pålitlig realist. Det verkar som att Mallarme själv senare ändrade sin syn på kreativitet. En riktig författare agerar trots allt inte på inspiration, inte under påverkan av någon form av besvärjelse. Nej, han vill alltid förmedla en tanke (känsla!) och bli förstådd av sin läsare.

Majakovskij drömde om att bli förstådd av sitt folk. Han sa till och med att de en dag skulle säga från talarstolen att förståelsen för poesi hade ökat med så många procent! Ett kvickt skämt, men det ligger mycket sanning i det. Att verkligen förstå poesi i sin helhet är inte givet för alla. Poesi innebär trots allt inte bara den direkta innebörden som finns i versraderna, utan också det som ligger mellan raderna uttrycks inte direkt, utan är ganska förståeligt för en läsare med rik fantasi, med stor erfarenhet av att läsa poesi. Och hur en sådan läsare kommer att dra sig undan poesi, efter att ha mött verser utan mening!
Mayakovsky i sina verk drömde om sig själv, inte litade på någon, "för att berätta om tiden och om sig själv." Detta är det högsta målet som någonsin satts upp före poesin.

Vad är verklig eller äkta poesi? POESI av Pushkin, Lermontov och andra klassiker? Detta är framför allt känslornas poesi. Känslor inte låtsade utan äkta, utgjutna från själens djup! Och naturligtvis är det en PLOT. Intressant, spännande. Och slutligen är detta TENKENS POESI. Inte många av Pushkins samtida kände honom som en tankepoet!

Att få läsaren att inte tänka på VAD poeten ville säga, utan på HUR han sa det, gjorde det - det här är en uppgift, och en mycket svår sådan, för alla sanna poeter. När läsaren löser charader om vad författaren ville förmedla till honom, TABBAS KOPPLINGEN mellan form och innehåll, och det är omöjligt att skilja dem från varandra!
Utan att känna till innehållet är det svårt att bedöma den konstnärliga sidan av verket. Verklig poesi kommer bara att göra sin väg när den har en genuin, krävande, intelligent läsare. Läsaren måste veta exakt vad som kan krävas av poesin, det vill säga känna till dess möjligheter. Och självklart måste han veta vad han förväntar sig av henne.
När vi läser klassikerna försöker vi förstå inte innehållet, utan de medel som gör innehållet genialiskt! Vad kan vara trevligare än sådana reflektioner för läsaren. I det här fallet menar jag inte bara en läsande person, utan en läsare-skapare, en läsare-medförfattare-poet som själv vill uppnå samma tydlighet, enkelhet och genialitet i sina verk.

Litterärt arbete tar mycket tid och ansträngning. För att vara på sin tids nivå måste författaren verkligen veta och se mycket, ständigt utvidga sina horisonter, läsa, observera, kommunicera. Vet inte bara fiktion, men också böcker om andra frågor: filosofi, historia, konstkritik, ordböcker och mycket, mycket mer. Dessutom behöver han tid för seriös reflektion över vad han har läst, om livet, om vad han har skrivit osv.
Att tänka är särskilt tidskrävande och med åren blir det en nödvändighet. De flesta stora författare avslutade sina kreativt sätt reflektionsböcker om liv och arbete. (Tvardovsky "På Elninskaya-landet", Paustovsky "Sagan om livet"). Detta är särskilt tydligt i exemplet med Leo Tolstojs liv och verk. I slutet av sitt liv vänder han sig till journalistikens genre, där han avslöjar sin världsbild, sina åsikter om vår tids mest brännande frågor.

REALISM

En sökning i litteraturen är verkligen nödvändig.
En person kommer alltid att sträva efter att känna till alla möjligheter med denna typ av konst, för att nå sina mest extrema punkter, när ytterligare sökningar kommer att vara värdelösa. Experiment inom litteraturområdet utfördes både under antiken och i efterföljande epoker.

V.Ya.Bryusov (1873-1924) gjorde mycket inom form och innehåll.
Han försökte förkroppsliga vetenskapliga och tekniska landvinningar i poesi, och för detta bör vi vara honom tacksamma. Han visade ganska fullt ut versens alla tekniska möjligheter, men hur många moderna författare känner till detta?

Hela problemet med moderna experimentörer är att de har en för låg kultur, och därför reduceras deras experiment till att upprepa det som redan har skapats någon gång i det förflutna och förkastats av efterföljande generationer.
Titta, Blok började som symbolist och slutade som realist. Majakovskij började med komplexa stilkonstruktioner, men kom till enkelhet, yttersta klarhet och koncisthet i sitt poetiska språk. Detta kom särskilt tydligt till uttryck i inledningen till dikten "Out loud". Även en så ivrig ego-futurist och självisk som Igor Severyanin, som bor utomlands, skrev vackra realistiska verk. Är detta inte en objektlektion för moderna modernister!

Jag upprepar, en sökning behövs. Men HUR och VAR?
Realism är det enda korrekta sättet för verklig, inte fiktiv konst.
Realism låter dig se livet som det är, låter läsaren jämföra sitt liv med livet för karaktärerna i boken, låter dig förstå "vad som är bra och vad som är dåligt", med Mayakovskys ord. Och detta är särskilt viktigt för vår ungdom: endast på realismens väg kan du fullt ut förverkliga din potential och avslöja din talang till fullo.

Tyvärr är det inte självklart för alla att skriva "om något jag inte vet om" inte är det som får författaren att arbeta, skapa; studera deras hjältars karaktär och relationer, titta in i omgivande natur, leta efter en bättre, mer exakt, ljusa ord att uttrycka tankar osv. Modernismens litteratur kräver bara absurditet: det är värre att vrida på fraser, men vad de handlar om – vilken skillnad! Det är tråkigt att det finns så många läsare för sådana här böcker...
Och detta är sorg för litteraturen! Detta är inte spekulativt resonemang, utan vetenskapens åsikt: sådana böcker förstör människokroppen, korroderar själen med pessimism, misstro på sig själv ...
Jag mindes ofrivilligt Giordano Brunos (1548-1600) ord - "Konsten kompenserar för naturens brister", sa det för fyra århundraden sedan.
Något att tänka på...

Idag är smickrande hopp smickrande,
Och imorgon - var är du, man?
Så fort timmarna gick,
Kaos flög ner i avgrunden,
Och allt, som en dröm, har ditt århundrade passerat.
G.R.Derzhavin

60-talet, fyllt av optimism av sökningar och upptäckter, gav många konstnärer möjlighet att beskriva och förstå vad som hände tidigare. Ett anmärkningsvärt fenomen i olika verk under dessa år var en aktiv hjälte, den klassiska versen uppdaterades och berikades med ett nytt rim, verserna började kännetecknas av större lyrisk uttrycksfrihet, och poesi av livlig publicism utvecklades.

I mitten av 60-talet började kritiker prata om många poeters framväxande attraktion till lyriska reflektioner, till utvecklingen av genren av filosofisk poesi (teman om gott och ont, liv och död, moralisk och andlig förnyelse av individen).

Och om den turbulenta början av detta decennium kännetecknades av ett slags "återupplivande" av det formella experimentet i verk av unga popartister A. Voznesensky, E. Yevtushenko, P. Vegin, V. Sosnora och andra, som enhälligt kallades innovatörer av kritiker, sedan med tillkomsten av "tysta" lyriska poeter N. Rubtsov, A. Zhigulin, A. Peredreev, A. Prasolov, E. Balashov och andra, som arbetade i linje med klassiska traditioner, uttalade kritik det faktum att förekomsten av den traditionella principen i den unga poesin från den perioden.

Samtidigt fanns det i poesin tendenser till konvergens av olika lyriska system, mot deras interpenetration, eftersom till exempel V. Sokolovs texter gav upphov till många poesimotiv av både "högljuda" och "tysta" lyriker. Och i slutet av årtiondet kände de unga själva behovet av "höstnakenhet" (E. Yevtushenko).

60-talet förändrade kvalitativt arbetet med poeter från den äldre generationen: A. Akhmatova, A. Tvardovsky, A. Prokofiev, M. Isakovsky, V. Lugovsky, V. Bokov och andra, såväl som frontlinjepoeterna K. Vanshenkin, Yu Drunina, A. Mezhirova, M. Dudina, O. Berggolts och andra Minnet av vad de upplevde om och om igen fick dem att förstå det förflutna, i proportion till nuet. De skapade de bästa exemplen på meditativa och filosofiska texter och fortsatte kreativt traditionerna från F. Tyutchev, A. Fet, E. Baratynsky i deras arbete.

Så om det i början av 60-talet i poesi (särskilt i de ungas verk) uppenbarligen skedde ett återupplivande av 20-talets stilistiska tradition (V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, M. Tsvetaeva), så i mitten av 60-talet stilen situationen snabbt och förändras drastiskt. En ny riktning kommer i förgrunden, som "avvisade" från föregående periods "pop"-ljudstyrka. I slutet av decenniet intar den en ledande position inom poesin, och den överväldigande majoriteten av poeter styrs av dess stilistiska tendenser. Detta är ett fenomen med "tysta" texter, med fokus på de klassiska exemplen av A. Pushkin, F. Tyutchev, S. Yesenin, A. Blok. De "tysta" poeterna kännetecknas av en stark känsla för "roten", kärlek till sitt "lilla hemland", det hörn av jorden där poeten föddes och växte upp. N. Rubtsovs, V. Bokovs, S. Vikulovs, V. Soloukhins och många andra poeters "by"-texter förklarade sig så brett och kraftfullt. Byn för dem var källan till allt som finns på jorden: "Jag skulle vilja, Ryssland, att ni inte glömmer att ni en gång började med byarna" (S. Vikulov).

Bland sextiotalets unga poeter, vars verk utvecklades under de klassiska traditionernas tecken, sticker N.M. Rubtsov (1936 - 1971) ut. I kritisk litteratur har det blivit vanligt att bekräfta den djupt traditionella början av Rubtsovs texter. Faktum är att en nära studie av N. Rubtsovs historiska elegier, hans meditativa texter avslöjar inte bara inflytandet av E. Baratynsky, F. Tyutchev, S. Yesenin på hans poesi, utan också poetens kreativa studie av hans konstnärliga sökningar. föregångare, liksom fortsättningen och utvecklingen av deras traditioner.

Jag är på Tyutchev och Fet

Jag ska kontrollera min uppriktighet.

Så att boken Tyutchev och Fet

Fortsätt med Rubtsovs bok.

N. Rubtsov lyckades syntetisera deras poetiska erfarenhet i sina texter och introducera en ny, hans egen förståelse av poesins "eviga" teman i den historiska utvecklingen av den litterära processen.

N. Rubtsovs texter är djupt filosofiska. Poeten introducerades till "eviga" teman tillbaka in tidig period kreativitet, alldeles i början av 60-talet, när han skrev dikten "Master". Sedan, under andra hälften av 60-talet, kommer tendensen att filosofera över hans texter att leda poeten att skapa en hel serie dikter av meditativ karaktär, dikter-reflektioner: "Visions on the hill", "Jag ska rida ... ”, ”Mitt lugna hemland”, ”Tranor” , ”Road Elegy” etc.

Poetens filosofiska generalisering uttrycks i hans skapande av generaliserade bilder av en persons realistiska existens, i hans önskan att förstå det okända i naturens liv, i förmågan att smälta samman med den naturliga principens harmoni och bli "en levande höstens uttryck."

I samband med dödsfallet i början av 70-talet. så betydande poeter som A. Tvardovsky, Ya. Smelyakov, N. Rubtsov, verkade det som om det fanns någon form av "fysisk" brytning med traditionerna i modern poesi. Men detta var en felaktig idé, eftersom den inte tog hänsyn till sådana poeter som L. Martynov, Yu. Kuznetsov, V. Sokolov, E. Vinokurov, D. Samoilov, som aktivt arbetade på 70-talet i linje med utvecklingen av klassiskt traditioner.

Den starkaste kopplingen till den klassiska traditionen kännetecknades av L. Martynovs texter. Eftersom poeten var samtida med V. Mayakovsky, B. Pasternak, S. Yesenin, kombinerade poeten organiskt i sina dikter den kreativa upplevelsen av många av dem.

Särskilt intressant är L. Martynovs introduktion till Pushkins tema, som blev djupt traditionell i de årens poesi ("Gamla Pushkin", "Pennteckning", "Kreativitetens ande", etc.).
Poeten E. Vinokurov är intressant, brett och voluminöst, och framträder inför modern litteraturkritik, som började skriva under andra världskriget och av kritiken kallades en soldats poet. Att fördjupa och utveckla den älskade militära frågor, lyrikern börjar redan i slutet av 60-talet inse det i den generaliserade lyriska formen av en dikt - reflektioner över kriget, hjältemod, heder och soldatplikt. Poesi för honom blir "den högsta tankehandlingen", och han förverkligar sig själv som en "tankekälla". Efter att ha slagit in på vägen för filosofisk förståelse av verkligheten, människans existens, förblev Vinokurov trogen den valda vägen till slutet av sina dagar.

Nästan alla E. Vinokurovs dikter riktar sig till "eviga" teman som har en universell existensnivå. Temat evig vandring blir ett slags vägledning genom poetens texter. Det är ingen slump att konventionellt symboliska bilder av Odysseus, Avicenna, den uråldriga alkemisten dyker upp i hans dikter. Personligheten i dem passar poeten in i det vidaste, kosmiska sammanhanget, fylld av en glad känsla av enhet med evigheten, med världsharmoni.

Det unika med den litterära situationen i slutet av 1970-talet bestod i att det inte fanns några ledare i den. Det fanns ledare, de som gick vidare, men platserna som lämnades efter Pasternak, Akhmatova, Tvardovsky förblev obesatta och det var inte klart vem som kunde ta dem.

I slutet av 70-talet skedde kvalitativa förändringar i poesin, inte så mycket kopplade till förändringen av poetiska generationer, utan med de ungas aktiva orientering till nya versformer och sätt. konstnärlig bild. Det som på 60-talet bara skyggt slog rot i "variationskonstnärerna" - komplicerad associativitet, formella experiment, symbios av olika stilistiska trender - i slutet av 70-talet - tidigt 80-tal förklarade sig vara en ledande trend och överallt vann tillbaka sitt livsrum. Dessutom fanns det två olika riktningar, liknande de som bestämde utvecklingsriktningen för ung poesi i början av 60-talet. Det var en traditionell riktning (N. Dmitriev, G. Kasmynin, V. Lapshin, T. Rebrova, I. Snegova, T. Smertina, etc.), orienterad mot fortsättningen av klassiska traditioner och "metaforisk" eller "polystilistisk" ”, orienterad för ett formellt experiment (A. Eremenko, A. Parshchikov, N. Iskrenko, Yu. Arabov, D. Prigov, etc.).

Sålunda påminde den poetiska situationen på 80-talet formellt och avlägset igen om 60-talet. Men 80-talet skilde sig markant från 60-talet genom att från mitten av decenniet, processen att "återvända" till litteraturen de tidigare bortglömda namnen på N. Gumilyov, N. Klyuev, A. Platonov, M. Bulgakov och andra författare, som såväl som deras verk. 80-talet visade världen nya verk av poeterna A. Akhmatova, M. Isakovsky, A. Tvardovsky, som skrev "på bordet" redan på 60-talet. Samtidigt, kritiker Yu. Idashkin i artikeln " hårda lektioner era” (LR, 1987, nr 43) skrev till och med att det i mitten av 80-talet fanns en dominans av ”återlämnade” dikter, och namnen på moderna poeter gick i skymundan.

Ett exempel på en poet vars verk i sitt till fullo returnerades till läsarna först nyligen, kan V. Kornilov tjäna. Många av V. Kornilovs dikter såg ljuset endast i "De utvalda" (M., 1991). Skapas i olika år, hittade de sin läsekrets först på 90-talet. Poeten bevisade med hela sitt liv och verk att "de som inte böjde sina huvuden har för evigt rätt i världen". Hans dikter är fulla av den inre frihetens energi, de känner ett stort personligt ansvar för varje ord, för en suck, för ett steg, för en tanke, för "ordet" för poeten är "början till allt och ljuset ." Och i allt detta är han avundsvärt konstant. Vid val av ämne, form, genre (som regel är detta en lyrisk bekännelse), en metod för rimning (vanligtvis är detta ett korsrim). Kornilov föredrar klassiska meter med två stavelser - jambisk och chorea, men använder också trestaviga, vilket diversifierar hans lyriska system. Huvudsaken för poeten är sanningen om livet, om än tragisk i sin grund. Många av hans dikter är publicistiska: "Till Viktor Nekrasov", "Till minne av A. Beck", "Ung poesi" etc. Men trots att många av Kornilovs dikter är präglade av aktualitetsstämpeln finns det också "eviga" teman i dem: poeten tar upp problem med kärlek och vänskap, samhällstjänst åt folket och fosterlandet, liv och död, poet och poesi.

Den "återlämnade" poesin gav en kraftfull impuls till modern poesi i assimileringen och utvecklingen av de klassiska traditionerna av rysk lyrisk poesi, organiskt "passade" in i huvudriktningen för utvecklingen av den poetiska processen på 80-talet. Ett undantag är verk av I. Brodsky, en poet med en icke-rysk litterär tradition, "inte lever efter Pushkins föreskrifter" (B. Chichibabin).

I. Brodsky medgav att i hans texter "uppstår typiska schizofrena nyanser: ibland tillhandahåller jag engelska substantiv ett ryskt suffix eller som ett rim till ett ryskt ord dyker upp ett engelskt ord. Men jag är van vid elementet delirium i min existens och betraktar inte sådana situationer som något onormalt, snarare tvärtom.

I. Brodsky valde inte det bästa sättet att "avslå" från klassiska traditioner - ironiskt, hånande, hånfullt (till exempel: "Jag reste ett annat monument för mig själv", "Att tjäna muserna tolererar inte något där", etc.). Brott mot konstens höga moraliska kriterier, som tog form under århundradena inte bara på ryska utan också i världsklassiker, visade sig vara en tragedi av ensamhet för poeten, förlusten av originalet och skapandet av bilden av en transcendental personlighet som existerar utanför tid och rum, som hans bildsymbol för en skyhög ensam och stolt hök. Det formella experimentet, som blev grunden för poetens konstnärliga ställning, gav först och främst upphov till dikter i hans verk, mer som prosa, trögflytande, "flytande" från en form till en annan, vilka inte är något annat än en ström av medvetande av författaren, klädd i ett teckensystem orden. Denna princip att skildra verkligheten togs upp av poeterna från den yngre generationen på 80- och 90-talen, som bildade en gren av ironisk, absurdistisk poesi.

Så 80-talet verkar vara mer intensivt och motsägelsefullt i sin utveckling än 60- och 70-talen. Å ena sidan skedde i dåtidens poesi en ytterligare fördjupning och utveckling av den traditionella början, förstärkning av medborgarskapet, å andra sidan skedde en skarp avgränsning av ung poesi till "innovatörer" och "traditionalister", en formella experiment etablerades som ett sätt att skapa ny poesi och som ett resultat av denna process.- Absurdistiska texter dök upp och en ännu mer pretentiös genre - versifiering.

Processen för demokratisering av litteraturen möter ett gensvar från de härskande klasserna. I hovregeringskretsarna implanteras en konstgjord normativ ceremoniell stil, delar av den ukrainska barocken.

Problemet med barock i rysk litteratur. Termen "barock" introducerades av anhängare av klassicismen på 1700-talet. att hänvisa till konsten att rå, smaklös, "barbarisk" och ursprungligen förknippades endast med arkitektur och skön konst. Denna term introducerades i litteraturkritiken 1888 av G. Wölfflin i hans verk "Renässans och barock". Han gjorde det första försöket att definiera barockens drag och reducerade dem till pittoreska, djup, formöppenhet, d.v.s. rent formella drag. Den moderna franske forskaren Jean Rousset reducerar i sitt verk "Literature of the Baroque Age in France" (1954) barocken till uttryck för två karaktäristiska motiv: inkonstans och dekorativitet. I förhållande till rysk litteratur introducerades termen "barock" av L. V. Pumpyansky.

En bred tolkning av barocken gjordes av den ungerske forskaren A. Andyal i boken "Slavisk barock". Hans synvinkel utvecklades av A. A. Morozov, som är benägen att tillskriva barocken all litteratur från andra hälften av 1600-talet och första hälften av 1700-talet, och ser i denna riktning ett uttryck för den ryska litteraturens nationella identitet . A. A. Morozovs synvinkel framkallade skarpa invändningar från P. N. Berkov, D. S. Likhachev, den tjeckiska forskaren S. Matkhauzerova.

P. N. Berkov uttalade sig med ett beslutsamt förnekande av existensen av rysk barock och tog upp frågan om behovet av att beakta rysk virschepoesi och dramaturgi från det sena 1600-talet. som födelsen av en ny klassicistisk riktning. S. Matkhauzerova kom till slutsatsen om existensen i rysk litteratur i slutet av 1600-talet. två riktningar av barocken: nationella ryska och lånade polsk-ukrainska.

D.S. Likhachev anser att vi bör tala om förekomsten av endast rysk barock, som ursprungligen lånades från polsk-ukrainsk litteratur, men som sedan fick sina egna specifika drag.

I början av 60-talet analyserade I. P. Eremin i detalj och i detalj dragen av rysk barock i Simeon Polotskys poesi. Denna forskares slutsatser och observationer är viktiga för att förstå detta problem.

Trots betydande skillnader i åsikter om barocken i rysk litteratur har forskare fastställt de viktigaste formella dragen i denna stil. Den kännetecknas av ett estetiskt uttryck av överdrivet patos, avsiktlig prakt, ceremoniellt, yttre emotionalitet, en överdriven ackumulering i ett verk av till synes oförenliga stilistiska komponenter av rörliga former, allegorisk, dekorativ handling och språk.

Det är nödvändigt att skilja mellan två olika aspekter i begreppet barocks innehåll: a) barock som konstnärlig metod och stil som uppstått och utvecklats i en viss historiska eran; b) barock som typ konstnärlig kreativitet manifesteras i olika historiska perioder.

Barocken som stil bildades i Ryssland under andra hälften av 1600-talet och tjänade den framväxande upplysta absolutismen. På sitt sätt social enhet barockstilen var ett aristokratiskt fenomen i motsats till demokratisk litteratur. Eftersom övergången till barocken i rysk litteratur inte genomförs från renässansen, som i västerlandet, utan direkt från medeltiden, var denna stil utan mystiska och pessimistiska stämningar och hade en pedagogisk karaktär; dess bildande gick genom sekulariseringen av kulturen, d. v. s. dess befrielse från kyrkans förmynderskap.

Författarna av den ryska barocken avvisade dock inte helt religiösa åsikter, utan representerade världen på ett komplicerat sätt, ansåg att det var ett mystiskt okänt, även om de etablerade orsakssamband. yttre fenomen. Med avvikelse från den gamla medeltida religiösa symboliken tittade de noggrant på världens angelägenheter, en jordisk persons levande liv och lade fram kraven på ett "rimligt" förhållningssätt till verkligheten, trots erkännandet av idén om ödet och Guds vilja i kombination med didaktik. Fiktion, ett system av allegorier och symboler, såväl som en komplex, ibland sofistikerad struktur av verk, byggdes på detta system av synsätt.

Barockstilen i rysk litteratur från slutet av 1600- och början av 1700-talet förberedde uppkomsten av den ryska klassicismen. Han fick den mest levande gestaltningen i stil med Virche-poesi, hov- och skoldramaturgi.

Bildande och utveckling av rysk bokpoesi. En av de viktiga faktorerna i historien om rysk litteratur på XVII-talet. var uppkomsten och utvecklingen av bokpoesi. Frågan om dess ursprung, orsaker till förekomsten har sysselsatt och upptar många forskare. Även under det senaste århundradet har två motsatta synpunkter utvecklats. A. Sobolevsky trodde att syllabiska verser - verser (från latin mot - vers) uppstod under inflytande av ukrainsk och polsk poesi. L. N. Maikop hävdade att "de första experimenten med rimmade verser uppträdde så att säga av sig själva och i alla fall inte som en imitation av västeuropeiska syllabiska verser med rim".

Ett betydande bidrag till studiet av det inledande skedet av utvecklingen av rysk poesi gjordes av de sovjetiska forskarna A. V. Pozdneev, L. I. Timofeev och A. M. Panchenko.

Uppkomsten av bokpoesi går tillbaka till den första tredjedelen av 1600-talet. och är förknippad med förstärkningen av städernas roll i landets kulturliv och önskan hos de avancerade lagren i det ryska samhället att bemästra framgångarna i den europeiska kulturen, såväl som, enligt A. M. Panchenko, försvagningen av rollen av folklore. Ryska talvers förlitar sig å ena sidan på den deklamerande versen av buffoner, och å andra sidan använder den erfarenheten av ukrainsk-polsk syllabisk poesi.

Under perioden av det ryska folkets kamp med den polska interventionen, i samband med förstärkningen av det känslomässiga och journalistiska elementet i litteraturen, dyker de första försöken upp på att ge prov på poetiskt tal. I "Berättelsen" om Avraamy Palitsyn möter vi ofta den rimmade organisationen av berättande tal. Krönikaboken, tillskriven Katyrev-Rostovsky, avslutas med rimmade verser. Som L. I. Timofeev noterar, är versen i dessa verk helt och hållet baserad på talets uttrycksfullhet och hänvisar inte till några element av musikalitet. Men versens talstruktur gjorde det möjligt att förmedla en persons inre tillstånd, hans individuella upplevelser. Versen var ännu inte ordnad rytmiskt: antalet stavelser i en rad ändrades fritt, ingen uppmärksamhet ägnades åt växlingen av betoningar, rim användes huvudsakligen verbalt, maskulint, feminint, daktyliskt och hyperdaktyliskt. Dessa så kallade förstavelseverser blir allt mer populära.

Dock tillsammans med förstavelseverser redan under 1600-talets första tredjedel. stavelseverser dyker upp. De bekräftas främst i epistelns genre. Så, 1622, slutar prins S. I. Shakhovskoy "Ett meddelande till en viss vän är mycket användbart om gudomliga skrifter" med 36 rimmade rader med ojämlika stavelser.

Prästen Ivan Nasedka avslutar den polemiska avhandlingen Exposition on Luthors med syllabiska verser. "Många förebråelser", fördömanden skrivs på vers av prins I. A. Khvorostinin. I slutet av sitt liv skapar han en polemisk poetisk avhandling riktad mot kättare - "Förordet är uppställt i tvåradsöverensstämmelse, förtrollningens kant" i 1000 poetiska rader.

Under första hälften av XVII-talet. det finns samlingar av epistlar skrivna på stavelsevers. En av dessa samlingar innehåller dikter av tryckeriets "referenser" med ett ganska skiftande tema. Syllabiska sånger skapades i början av 50-talet av 1600-talet. poeter från Nikon-skolan. Bland dessa poeter utmärker sig Herman, efter att ha visat särskild virtuositet i att utveckla en akrostik, som kan läsas från höger till vänster och vice versa, från botten till toppen och uppifrån och ner. Syllabiska verser börjar användas i beskrivningar av vapensköldar, i "Tsarens titelbok" från 1672, i inskriptioner på ikoner, populära tryck.

En viktig roll i utvecklingen av syllabisk poesi spelades av Simeon Polotskys arbete och hans elever Sylvester Medvedev och Karion Istomin.

Simeon Polotsky(1629-1680). Simeon Polotsky, en vitryssare av nationalitet, fick en bred utbildning vid Kiev-Mohyla Academy. Efter att ha accepterat klosterväsendet 1656 blev han lärare i "broderskolan" i hemlandet Polotsk. År 1661 ockuperades staden tillfälligt av polska trupper. Polotsky flyttade till Moskva 1664. Här undervisade han tjänstemän i ordningen för hemliga ärenden latin, för vilken en specialskola skapades vid Spassky-klostret. År 1667 anförtrodde tsar Alexei Mikhailovich Simeon från Polotsk uppfostran av sina barn - först Alexei och sedan Fedor.

Polotsk deltar aktivt i kampen mot de gamla troende. På kyrkomötet 1666 talar han med den teologiska avhandlingen "Regeringens stav", där han argumenterar med "petitionen" prästen Nikita och prästen Lazar. På personlig begäran av kungen reser han tre gånger för att förmana Habakkuk.

Simeon av Polotsk ägnade sin verksamhet åt kampen för spridningen av upplysning. Han deltar aktivt i tvister mellan anhängare av grekisk och latinsk utbildning, och ställer sig på den senares sida, eftersom försvararna av det grekiska utbildningssystemet försökte underordna utvecklingen av utbildning till kyrkans kontroll. Polotsky trodde att huvudrollen i utvecklingen av utbildning tillhör skolan, och vände sig till kungen och uppmanade honom att bygga skolor och "tillägna sig" lärare. Han utvecklar ett projekt för att skapa den första högre utbildningsinstitutionen i Ryssland - akademin. Strax före sin död skrev han ett utkast till stadga för den framtida akademin. I den sörjde Simeon av Polotsk för en mycket bred studie av vetenskaperna - både civila och andliga.

Polotsky lade stor vikt vid utvecklingen av tryckning: "Ingenting utvidgar sådan härlighet, som en säl," han skrev. På hans initiativ och personliga framställning till tsar Fjodor Alekseevich öppnades 1678 tryckeriet "Övre" i Kreml.

En av Simeon Polotskys favoritaktiviteter var "rim", d. v. s. poetisk litterär verksamhet, som uppmärksammats av många litteraturhistoriker.

Start litterär verksamhet Simeon från Polotsk hänvisar till tiden för sin vistelse vid Kiev-Mohyla-akademin. I Polotsk skriver han poesi på polska, vitryska, ukrainska, och avslöjar en extraordinär poetisk talang: han skapar elegier, en satirisk dikt riktad mot den svenske kungen Gustavus Adolf, epigram (i deras uråldriga betydelse). När Polotsky anlände till Moskva skriver han poesi endast på ryska. Här når hans poetiska kreativitet sin högsta blomning. Som noterat av hans student - Sylvester Medvedev, Polotsk "för varje dag att ha en garanti för att skriva i ett halvdussin och ett halvt anteckningsböcker, och hans skrivande är väldigt litet och uppriktigt."

Den syllabiska versen av Polotsky bildades under direkt inflytande av ukrainska och polska vers. Men möjligheten att använda elva- och trettonstavelsers stavelsevers med ett obligatoriskt par i rysk versifikation kvinnligt rim förbereddes av en lång historisk utveckling av uttrycksfulla medel som är organiskt inneboende i det ryska bokspråket. Syllabiska versen av Simeon av Polotsk var nära förknippad med den raffinerade boken "slovenska" som de medvetet motsatte sig det talade språket.

Polotsky lade stor pedagogisk och pedagogisk betydelse åt sina poetiska verk. Polotsky såg poetens höga kall i förmågan att attrahera "rykten och hjärtan" Av människor. Poesiens kraftfulla vapen, ansåg han, borde användas för att sprida upplysning, sekulär kultur och korrigera moraliska uppfattningar. Dessutom ska versen tjäna som förebild för alla som skriver in "Slovenska bokspråk".

Simeon från Polotsk fungerar som den första hovpoeten, skaparen av panegyriska högtidliga verser, som var prototypen på en lovordande ode.

I mitten av den panegyriska versen står bilden av en idealisk upplyst autokrat. Han är personifieringen och symbolen för den ryska staten, den levande förkroppsligandet av dess politiska makt och ära. Han måste ägna sitt liv åt statens bästa, sina undersåtars bästa, för att ta hand om deras "civilt bruk" och deras upplysning, han är sträng och barmhärtig och samtidigt en exakt verkställare av befintliga lagar.

De panegyriska verserna av S. Polotsky bär "karaktären av en komplex verbal och arkitektonisk struktur - ett verbalt skådespel." Sådana är till exempel den panegyriska versen "Rysk örn". Mot stjärnhimlens bakgrund lyser solen starkt med sina fyrtioåtta strålar, som rör sig genom zodiaken; tsar Alexeis dygder är inskrivna i var och en av dess strålar. Mot bakgrund av solen - en krönt dubbelhövdad örn med en spira och en klot i klorna. Själva panegyrikens text är skriven i form av en pelare - en kolumn som vilar på basen av prosatexten.

Som I. P. Eremin noterar, samlade poeten för sina verser mest sällsynta saker, "kuriosa", men såg i dem bara ett "tecken", "hieroglyf" sanning. Han översätter ständigt specifika bilder till språket för abstrakta begrepp, logiska abstraktioner. S. Polotskys metaforer, pretentiösa allegorier, chimära liknelser bygger på ett sådant omtänkande.

S. Polotsky introducerar namnen på forntida gudar och hjältar i sina panegyriska verser: Foajén(Phoebus) gyllene", "gyllenhårig Kinfey", "Dievos barm"(Zeus), "Diva fågel"(Örn). De samexisterar direkt med bilderna av den kristna mytologin och spelar rollen som ren poetisk konvention, som ett sätt att skapa överdrift. S. Polotsky odlar lockiga dikter i form av ett hjärta, en stjärna, en labyrint.

Funktioner i stilen av S. Polotsky - en typisk manifestation av den litterära barocken 2 . Alla panegyriska verser (800 dikter), dikter för olika tillfällen i hovlivet slogs samman av S. Polotsky till en samling, som han kallade "Rhymologion" (1679-1680).

Tillsammans med panegyriska dikter skrev S. Polotsky verser om en mängd olika ämnen. Han förenade 2957 verser av olika genrer ("liknelser", "bilder", "ordspråk", "tolkningar", "grafskrift", "signeringsbilder", "sagor", "uppmaningar", "fördömanden") i samlingen " Vertograd (trädgård) flerfärgad "(1677-1678). Poeten gav karaktären av en encyklopedisk poetisk referensbok till denna samling: verserna är ordnade efter ämne i alfabetisk ordning efter titlar. Alla verk av både sekulära och religiösa ämnen är moraliserande till sin natur. Poeten betraktar sig själv som bärare och väktare av de högsta religiösa och moraliska värderingarna och försöker imponera på dem på läsaren.

I verser ställer S. Polotsky moraliska frågor och försöker ge generaliserade bilder "jungfrur"("Jungfrun"), "änkor"("Änkaskapet"), överväger frågor om äktenskap, värdighet, ära etc. Så, i dikten "Medborgarskap" talar S. Polotsky om behovet för varje person, inklusive härskaren, att strikt följa de etablerade lagarna. Poeten anser att arbete är samhällets grund, och en persons första plikt är att arbeta för samhällets bästa. För första gången har poeten skisserat ett tema som kommer att ta en framträdande plats i den ryska klassiska litteraturen - temat om att motsätta sig den idealiska härskaren, en tyranns upplysta monark, grym, egensinnig, obarmhärtig och orättvis.

Den filosofiska frågan om meningen med livet ställs av S. Polotsky i dikten "Värdighet". Poeten ser sann lycka inte i jakten på heder, rang, adel, utan i en persons förmåga att göra det han älskar.

En viktig del av S. Polotskys poesi är satir - "fördömelse". De flesta av hans satiriska verk är av generaliserad moralistisk, abstrakt karaktär. Sådana är till exempel fördömandena "Okunniga" riktade mot de okunniga i allmänhet; "Trolldom", avslöjande "brudar", "viskare".

De bästa satirverken av S. Polotsky är hans dikter "Köpman" och "Munk".

I satiren "Köpman" listar poeten åtta dödliga "synder till handelsmannens rang." Dessa "synder" - bedrägeri, lögner, falska eder, stöld, girighet - speglar köpmännas verkliga sociala praxis. Det finns dock ingen specifik satirisk bild i dikten. Poeten inskränker sig till ett enkelt uttalande om synder för att avsluta med en moralisk uppmaning. "mörkrets söner hårda för att skjuta upp mörkrets angelägenheter", för att undvika framtida helvetesplågor.

Satiren "Munken" bygger på motsättningen mellan ideal och verklighet: i början talar poeten om vad en riktig munk ska vara, och går sedan vidare till fördömande.

Men tyvärr, upprördhet! Bra rang förgås.

Monasticism till utsvävningar i många förändras.

Satiriska skisser av munkarnas fylleri, frosseri, moraliska fridfullhet ges ganska levande:

Inte bara lekmännen arbetar i livmodern,

Eliko sedan munkar ge vatten, mätta.

Fastan väljer att leva ett liv.

Jag strävar efter det, för att äta, dricka ...

Mnozi från vinbojar svär illa,

De skäller, förtalar, skam och ärliga djärvt ...

Det finns rovvaxer i fårkläder,

Livmodern fungerar, anden förgår.

S. Polotsky skyndar sig att betona det i sin satir vi pratar inte om alla munkar, utan bara om "föraktlig" som han fördömer "med gråt." Syftet med hans satir är moraliserande och didaktiskt - att bidra till korrigering av moral, och avslutningsvis vänder sig poeten till "hänsynslös" munkar med en uppmaning att sluta "gör det här ont."

Denna moralistiska didaktik, viljan att rätta till samhällets laster och därigenom stärka dess grundvalar, skiljer S. Polotskys ädla och pedagogiska satir från den demokratiska satiriska berättelsen, där fördömandet är socialt akut, mer specifik.

Av S. Polotskys poetiska verk bör det noteras det rimmade arrangemanget av Psaltaren 1678, publicerat 1680. Tonsatt av den sjungande diakonen Vasily Titov (han lade grunden till kammarvokalmusiken), var den rimmade Psaltern. mycket populär. Genom denna bok blev M. V. Lomonosov bekant med rysk syllabisk poesi.

Sålunda utvecklades S. Polotskys verk i linje med barockens panegyriska och didaktiska poesi med dess generalisering och tvetydighet av symbolik, allegorier, kontraster och hyperbolism, didaktisk moralisering. Språket i S. Polotskys poesi är rent bokaktigt, vilket betonar skillnaden mellan poesi och prosa.

S. Polotsky använder retoriska frågor, utrop, omvända vändningar. Nära kopplat till det arkaiska bokspråkets traditioner banar Semeon Polotsky vägen för utvecklingen av framtida klassisk poesi.

Sylvester Medvedev(1641-1691). Poeterna Sylvester Medvedev och Karion Istomin var elever och anhängare av Simeon av Polotsk. "En man med stor intelligens och vetenskaplig skärpa", som hans samtida karaktäriserade, "referensofficer" (redaktör) för tryckeriet, Sylvester Medvedev dök upp som poet först efter sin lärares död. Hans penna tillhör "Epitafion" av Simeon av Polotsk och panegyriska dikter tillägnade tsar Fjodor Alekseevich ("Bröllopshälsning" och "Klagan och tröst" vid Fjodors död) och prinsessan Sophia ("Signatur till porträttet av prinsessan Sophia") , som poeten aktivt stödde, för vilken han avrättades på order av Peter.

I "Epitafion" glorifierar Sylvester Medvedev fördelarna med " läraren är härlig» , som bryr sig om sin nästas fördel. Medvedev listar Simeon Polotskys verk.

Till försvar för kyrkan är boken som Rod skapade,

Till hennes fördel utfärdas kronan och middagen.

Nattvarden, Psaltaren, verser med rim,

Vertograd mångfärgad med konversation.

Alla dessa böcker är kloka, han skapade en man,

I undervisningen av den ryska rasen är det uppenbart.

Som poet är Medvedev inte särskilt originell. Han lånade mycket från sin lärares panegyriska dikter, men till skillnad från Simeon från Polotsk undvek han att använda allegoriska och mytologiska bilder i sina verser.

Karion Istomin (? - 1717). En mer begåvad och produktiv elev till Simeon från Polotsk var Karion Istomin. Poetisk kreativitet han började 1681 med att välkomna panegyriska verser till prinsessan Sophia. Glorifiera i " Jag kommer att hedra den godmodiga jungfrun, poeten talar om vikten av visdom (Sophia på grekiska betyder "visdom") i regeringen och i människors liv.

Precis som S. Polotsky använder K. Istomin poesi som ett medel för kamp för upplysning. 1682 vände han sig till prinsessan Sophia med en diktsamling (16 dikter), där han bad att få etablera henne i Moskva läroanstalt för undervisning i liberala vetenskaper: pedagogisk, historisk och didaktisk.

Med ett antal instruktioner till 11-årige Peter talar poeten i boken "Intelligens" (1683). Det är sant att dessa instruktioner kommer från Guds namn:

Studera nu, studera flitigt,

I din ungdom är kungen vis, upplys,

Sjung inför mig, din Gud, frimodigt

Yavl domstol och sanning, ett civilmål.

Boken "Polis" skrevs på vers och gav en beskrivning av de tolv vetenskaperna. K. Istomin skapar ofta akrostiker (dikter där hela ord eller fraser bildas från de första bokstäverna i rader), och använder även verser i pedagogiska syften: 1694 sammanställde han "Small Primer" för att lära Tsarevich Alexei Petrovich, och 1696 "Big primer", där varje bokstav är försedd med en liten didaktisk dikt.

Tack vare S. Polotskys och hans närmaste elevers verksamhet börjar stavelseverser att användas flitigt i litteraturen. En ny poetisk genre uppstår - texter, vars utseende är ett tydligt bevis på början av personlighetsdifferentiering. Principerna för stavelseversifiering, utvecklade under andra hälften av 1600-talet, utvecklades ytterligare i arbetet av stavelsepoeterna från den första tredjedelen av 1700-talet: Pyotr Buslaev, Feofan Prokopovich.

Den syllabiska versen ersatte dock inte helt den förstavelse, som till och med överlevde den och förankrade sig i den senare paradisversen, medan det syllabic-toniska systemet för rysk versifiering, utvecklat av V.K. Trediakovsky och M.V. Lomonosov, ersatte stavelsen.

10. Trender och genrer i poesins utveckling på 30-talet

Ett utmärkande drag för 30-talets poesi var den snabba utvecklingen sånggenre nära besläktad med folklore. Under dessa år berömda "Katyusha" (M.Isakovsky), "Bredt är mitt hemland..." (V.Lebedev-Kumach), "Kakhovka" (M.Svetlov) och många andra.

1930-talets poesi fortsatte aktivt heroisk-romantisk linje föregående decennium. Henne lyrisk hjälte- en revolutionär, en rebell, en drömmare, berusad av epokens omfattning, strävar mot morgondagen, medtagen av idén och arbetet. Romantiken i denna poesi innefattar så att säga en uttalad anknytning till faktum. "Mayakovsky Begins" (1939) N. Aseeva, "Dikter om Kakheti" (1935) N. Tikhonov, "To the Bolsheviks of the Desert and Spring" (1930-1933) och "Life" (1934) V. Lugovsky, " The Death of a Pioneer” (1933) av E. Bagritsky, “Your Poem” (1938) av S. Kirsanov – prover av sovjetisk poesi från dessa år, inte lika i individuell intonation, men förenade av revolutionärt patos.

Det låter och bondtema bär sina egna rytmer och stämningar. Pavel Vasilievs verk, med sin "tiofaldiga" livsuppfattning, extraordinära rikedom och plasticitet, målar en bild av en hård kamp på landsbygden.

A. Tvardovskys dikt "Landsmyra" (1936), som återspeglar mångmiljonbondemassornas övergång till kollektivjordbruk, berättar episkt om Nikita Morgunka, som utan framgång letar efter ett lyckligt land Muravia och finner lyckan i kollektivt jordbruksarbete. Tvardovskys poetiska form och poetiska principer blev en milstolpe i den sovjetiska diktens historia. Nära folket markerade Tvardovskys vers en delvis återgång till den klassiska ryska traditionen och gjorde samtidigt ett betydande bidrag till den. A. Tvardovsky kombinerar folkstilen med fri komposition, handlingen är sammanflätad med meditation, en direkt vädjan till läsaren. Denna utåt sett enkla form visade sig vara mycket rymlig i termer av betydelse.

Hon skrev djupt uppriktiga lyriska dikter M. Tsvetaeva, som insåg omöjligheten att leva och skapa i ett främmande land och återvände till sitt hemland i slutet av 30-talet. I slutet av perioden intog moraliska frågor en framträdande plats i sovjetisk poesi ( St.Schipachev).

1930-talets poesi skapade inte sina egna speciella system, men den speglade mycket rymligt och känsligt det psykologiska tillståndet i samhället och förkroppsligade både ett kraftfullt andligt uppsving och folkets kreativa inspiration.

Detaljerna för rysk versifiering

(Huvudstadierna i utvecklingen av versifiering i rysk poesi)

Kärnan i poetiskt tal ligger först och främst en viss rytmisk princip. Därför består kännetecknet för en viss versifikation först och främst i att bestämma principerna för dess rytmiska organisation, det vill säga att fastställa de principer som bygger poetisk rytm. Ur denna synvinkel är system för versifiering indelade i två huvudgrupper: kvantitativa (kvantitativ) versifiering och kvalitet (kvalitativ) versifiering.

Talets rytm i sig skapar inte vers, precis som versen inte reduceras till egentlig rytm. Om å ena sidan en viss rytm generellt sett är inneboende i talet på grund av fysiologiska skäl (inandningar och utandningar, brytning av talet i mer eller mindre enhetliga segment) så uppstår å andra sidan en tydlig rytmisk organisation av talet, t.ex. . i arbetsprocessen, i arbetslåtar som fixerar och förstärker arbetets rytm.

Folkversifiering är ett av de minst utvecklade områdena inom rysk versifiering. När det gäller själva principerna för dess design under XIX-talet. de mest skilda, ömsesidigt uteslutande antaganden och gissningar uttrycktes. En av de första forskarna av rysk folkversion - A.Kh. Vostokov och noterade i den "den oberoende existensen av två olika åtgärder, det vill säga sång och läsning”, analyserade i den bara det "andra måttet", det vill säga fenomenen med talrytm. Samtidigt kom Vostokov till slutsatsen att i folklig versifiering "räknas inte fötter, inte stavelser, utan prosodiska perioder, det vill säga påfrestningar."

En av de mest karakteristiska arter Rysk folkvers - episk vers - består av tre "prosodiska perioder", det vill säga den bär på tre dominerande fraspåfrestningar, varav den första oftast faller på den tredje stavelsen i versen, och resten är åtskilda av stavelseintervall som sträcker sig från en till tre stavelser. Permanent tecken episk vers är den speciella strukturen av satsen - daktylisk med en valfri halvstress på sista stavelsen. Denna klausul är yttre skillnad vers egentligen epos från den senare sk. "historiska sånger" byggda på kvinnliga slut.

Baserat på samma principer, olika former folktexter, som faller in i ett antal varianter, som skiljer sig åt i antalet frasala betoningar i versen och i typen av dess slut (bland vilka det maskulina är ovanligt). Det gäller främst den s.k. "utdragna" sånger, eftersom danssånger, på grund av ordningen i inbördes betonade stavelseutrymmen, ofta kommer nära formerna av "litterära", syllabotoniska verser.

Accent (tal) system för versifiering är indelade i tre huvudgrupper: syllabic, syllabo-tonic och tonic. Alla grupper är baserade på upprepning av rytmiska enheter (linjer), vars jämförbarhet bestäms av det givna arrangemanget av betonade och obetonade stavelser inom raderna, oavsett deras kvantitativa förhållanden, och vars uttrycksförmåga beror på den innationellt-syntaktiska (och inte musikalisk) struktur av versen.

I kursplansgruppen ingår t.ex. Franska, polska, italienska, spanska och andra system. (Denna grupp omfattade de ryska och ukrainska systemen på 1500-1700-talen.) Den syllabo-toniska gruppen omfattar de engelska, tyska, ryska, ukrainska och andra system (som samtidigt till stor del tillhör toniska gruppen). Grundläggande skillnad mellan dessa grupper är inte; i alla tre grupperna talar vi om rytmens accentgrund, som ger en eller annan, ofta övergående i varandra, variationer. Därför är ovanstående traditionella uppdelning till stor del villkorad.

Den enklaste formen av accentsystem är den toniska versen, i vilken linjers (rytmiska enheter) kommensurabilitet bygger på ett mer eller mindre konstant bevarande i varje rad speciellt nummer betonar med ett varierande antal obetonade stavelser (både i raden som helhet och mellan betonade stavelser). Samma antal påfrestningar i varje rad kanske inte observeras i praktiken, men detta ändrar inte det rytmiska mönstret.

Syllabisk vers är en tonisk vers där antalet stavelser i en rad och platsen för vissa betoningar (i slutet och i mitten av en rad) är fixerade. De återstående betoningarna (i början av varje halvrad) är inte fixerade och kan falla på olika stavelser.

Om det i tonisk versifiering är fullständig frihet i antalet och arrangemanget av obetonade stavelser; i stavelse - ett fast antal stavelser med relativ frihet för deras arrangemang, sedan i stavelse-tonisk vers finns både ett fast antal stavelser och deras plats i raden. Detta ger de poetiska enheterna den mest distinkta jämförbarheten.

Betoningar i syllabo-toniska verser finns antingen genom en obetonad stavelse(storlekar med två stavelser), eller genom två (storlekar med tre stavelser). Överföra terminologin för forntida versifiering till syllabo-tonisk vers, tvåstaviga meter där betoning på udda stavelser kallas koreisk, och disyllabiska meter, där betoningen faller på jämna stavelser, - jambisk.(Att likställa en betonad stavelse med en lång, och en obetonad med en kort, har naturligtvis inga egentliga skäl och kan endast accepteras som en terminologisk konvention.) Följaktligen trestaviga meter med betoning på 1/ 4/7 osv. stavelse kallas daktylisk, med accenter på 2/5/8, etc. stavelse - amfibraki och med accenter på 3/6/9, etc. stavelse - anapestisk.

Beroende på antalet spänningar i en linje betecknas storlekarna som två-, tre-, fyra- osv. fotjambs, daktyler, amfibraker, anapester, etc. Denna terminologi (med tanke på dess konventionalitet) är fast förankrad i användningen och är ganska bekväm.

I praktiken, i syllabo-toniska meter, hålls betonade stavelser inte alltid i en fast "syllabo-tonisk" ordning. Som ett omvänt fenomen, både i toniska och syllabiska verser, kan arrangemanget av betoning anta det reglerade jambiska, koreiska, etc. karaktär. Sålunda kan man i franska och polska verser hitta exempel på trochaic; den italienska tiostaviga versen ligger nära syllabo-toniken. Det där. det finns ingen strikt linje mellan grupper av accentvers; det finns ett antal mellankonstruktioner, och själva åtskillnaden mellan grupper sker i större utsträckning statistiskt, efter frekvensen av metriska fenomen.

Viktiga ögonblick i historien om rysk versifiering

Fram till slutet av XVI-talet. i Ryssland, såväl som i Ukraina, dominerar folksångssystemet för versifiering. Komplikation public relations från slutet av 1500-talet, förtrogenhet med västerländsk kultur, utvecklingen av skrivandet ledde till det faktum att i bok poesi av 1600-talet. folkvers ersätts med tal. Denna stavelsevers utvecklas under inflytande av den huvudsakliga polska stavelseversen, som används för att skriva. S. Polotsky, D. Rostovsky, F. Prokopovich, A. Kantemir, tidig Trediakovsky. Syllabisk versifiering dominerade fram till 30-talet. 1700-talet i Ryssland, och i Ukraina ännu senare, fram till 70-talet.

30-tal 1700-talet i rysk litteratur kännetecknas av utvidgningen av det kreativa utbudet, skapandet av nya litterära bilder och genrer, utvecklingen litterärt språk. Ett sökande pågår efter ett mer individualiserat och uttrycksfullt poetiskt system. Dessa sökningar utförs både inom gränserna för stavelsevers (Kantemir, Trediakovsky) och under inflytande av västeuropeiska toniska och tonic-stavelseverser (Trediakovsky, Gluck och Chaus, Lomonosov), och i samband med vidare studier av folkmusik versifiering (Trediakovsky).

Sökandet slutade både i praktiken och i teorin med framföranden av Trediakovsky och Lomonosov (Trediakovskys New and Brief Way of Composing Poetry, 1735, och Lomonosovs Ode om tillfångatagandet av Khotin, 1738). Dessa verk lade grunden till moderna syllabic-tonic vers, som fann sitt mest kompletta och perfekta uttryck i Pushkins verk.

Trots den dominerande betydelsen av syllabo-tonisk vers, redan på 1700-talet, i huvudsak redan i Lomonosov, med otvivelaktig distinkt i Sumarokov, senare i Vostokov, i Pushkin (sagor, sånger från västslaverna), utvecklingen av tonic versen beskrevs också. Detta orsakades å ena sidan av det växande intresset för folkliga verser med tonisk struktur, och å andra sidan av försök att imitera uråldriga komplexa meter, som förvandlades till toniska konstruktioner i rysk tolkning.

Ett enormt bidrag till utvecklingen av rysk klassisk poesi gjordes av Zhukovsky, Lermontov och, naturligtvis, Pushkin. Med som. Pushkin, många forskare associerar bildandet av det litterära språket som det presenteras nu. Även om författaren själv experimenterade med språket väldigt intensivt. Berömd är hans Onegin-strofe från romanen i vers "Eugene Onegin", som var baserad på en sonett - en 14-radig dikt med ett specifikt rimschema.

Med tidens tillkomst silveråldern versifiering håller på att demokratiseras. Ständiga experiment med poesi av avantgarderörelser (futurism, dadaism, akmeism) leder till en förändring i konstruktionens struktur. Dikter skrivna enligt detta system kallas pulserande linjer (eller impulsarism). Impulsarismens stil är dock representerad i modern poesi mer brett än bland silverålderns poeter. Dikter kännetecknas av en mängd olika konstnärliga tekniker: uppdelning av rader genom rytmisk uppdelning (till exempel arrangemang av rader i en "stege", växling av långa och korta rader), upprepningar, omskrivningar, ljudskrivning, privat vokabulär , och så vidare. Poesiens nuvarande tillstånd är ganska motsägelsefullt och mångfacetterat, eftersom det kombinerar många strömningar och principer som har ackumulerats genom versifieringens historia. Användningen av arkaismer, dialekter, högljudande ord, praktiskt taget reducerad till ett minimum, ledde till att dikterna blev svårlästa, men lätta att förstå. Detta ledde till att poesin blev mer tematiskt inriktad och kringgick hög konst mot den pragmatiska postmodernismens väg.

1. Skripov, G.S. Om rysk version / manual för studenter. M .: Utbildning, 1979. - 64.

2. Vostokov A. Erfarenhet av rysk versifiering, red. 2:a. - St Petersburg, 1817.

3. Sokalsky P.P., Rysk folkmusik, Storryska och Lilla Ryska, i dess melodiska och rytmiska struktur. - Kharkov, 1888.

4. Korsh F., On Russian folk versification, i boken: Collection of the Department of the Russian Language and Literature Acad. Sciences, vol. LXVII, nr 8. - St Petersburg, 1901.

5. Maslov A. L., Epos, deras ursprung, rytmiska och melodiska lager, i boken: Proceedings of the Musical and Ethnographic Commission, bestående av den etnografiska. Institutionen för Society of Lovers of Natural Science, Anthropology and Ethnography, vol. XI, M., 1911.

6. Rysk litteratur från XX-talet / ed. V.V. Agenosov, i två delar. M.: Drofa, 2002.

7. Om litteraturens nuvarande tillstånd. Åtkomstläge - http://impulsarizm.narod2.ru/