Art nouveau dans l'art russe. Style Art nouveau dans l'architecture Originalité nationale de l'Art nouveau russe

Le modernisme soviétique est né à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle. et a présenté aux connaisseurs d'une telle architecture un nombre incroyable de véritables chefs-d'œuvre. L'épicentre de la direction architecturale émergente était la capitale de l'URSS. Notre revue est consacrée à 9 œuvres incroyables de l'architecture Art nouveau à Moscou, qui font partie du fonds culturel de la capitale russe.

Maison rentable Pertsova Z.A. a été érigé sur le quai Prechistinskaya en 1905-1907 selon le projet des architectes N.K. Zhukov et B.N. Schnaubert. En outre, une contribution tangible à l'image inhabituelle du bâtiment a été apportée par le célèbre artiste, auteur des poupées gigognes russes, S. V. Malyutin. Comme la plupart des édifices de style Art nouveau, cet édifice se caractérise par une unité plastique et une étonnante combinaison d'architecture et de formes d'art fin et d'art appliqué. Les auteurs du projet ont introduit une asymétrie pittoresque dans la disposition des fenêtres, des balcons et des élévations en forme de tour du toit dans une composition assez stricte des façades, ce qui apporte de la variété aux divisions monotones et répétitives d'un immeuble. En conclusion, il convient de noter que jusqu'au milieu des années 1970. La maison de Pertsova est restée résidentielle, puis est passée en possession du ministère des Affaires étrangères.

Maison rentable N.G. Tarkhova sur Podsosensky Lane a été construit en 1904. Une attention particulière dans cet objet est attirée par la façade texturée avec une variété de détails décoratifs - baies vitrées, greniers, balcons et fenêtres à cadres figurés. Les murs de la maison sont décorés d'images sculpturales de tiges de fleurs fantaisistes. Aujourd'hui cette maison est résidentielle. Sa façade a été maintes fois réparée, simplifiant et réduisant au minimum le décor.

Le premier bâtiment de la gare de Yaroslavl a été construit sur la place Komsomolskaïa en 1862. Cependant, la construction la plus spectaculaire du complexe ferroviaire a été construite selon le projet du maître exceptionnel de l'Art nouveau soviétique Fyodor Shekhtel. La gare de Yaroslavsky a subi deux reconstructions majeures à l'époque soviétique en 1946-1947. et au début des années 60. Aujourd'hui, la gare de Yaroslavsky, ainsi que la gare de Kazansky à proximité, sont considérées comme les plus populaires du pays.

4. Manoir de S. P. Ryabushinsky sur la rue Malaya Nikitskaya

Une autre œuvre remarquable et peut-être la plus célèbre de Shekhtel, un immeuble résidentiel moderne, a été construite dans la rue Malaya Nikitskaya en 1903. Le philanthrope et banquier extrêmement célèbre Stepan Ryabushinsky était le client de cette maison. Aujourd'hui, dans les murs de cette maison étonnante se trouve la maison-musée du célèbre écrivain russe Maxime Gorki.

5. Manoir de Zinaida Morozova sur Spiridonovka

Le luxueux manoir de l'épouse du plus riche industriel et philanthrope Savva Morozov a été construit selon le projet du même Fyodor Shekhtel sur Spiridonovka, 17 en 1893. Dans ce projet, l'architecte a réussi à jouer facilement avec des éléments d'architecture médiévale tels que des contreforts, des créneaux, des colonnes et des tours et à décorer les façades de diverses chimères et masques de pierre pour créer une image élégante d'un château gothique.

L'hôtel 5 étoiles Metropol a été construit sur Teatralny Proyezd (bâtiment 2) en 1905. L'initiateur de la construction était Savva Mamontov. "Metropol" est à juste titre considéré comme l'un des monuments historiques et architecturaux les plus frappants de la modernité à Moscou. L'aspect architectural de l'hôtel se distingue avant tout par la sévérité des lignes. Des éléments pseudo-gothiques (petites tourelles et pinacles) transparaissent dans les techniques caractéristiques de l'Art nouveau. Le sous-sol, tapissé de granit rouge et conçu sous la forme d'une arcade, contraste avec les étages supérieurs enduits et lisses, donnant à la structure massive un effet aérien. L'hôtel comprend des chambres chères avec une vue imprenable sur la ville, de nombreux restaurants, cafés, boutiques, ainsi que deux grandes salles de conférence.

Un manoir extrêmement inhabituel a été construit dans le centre-ville par l'architecte Viktor Mazyrin sur ordre du millionnaire Arseny Morozov en 1899. Le bâtiment, combinant divers éléments d'Art nouveau et d'éclectisme, est un exemple unique pour Moscou de stylisation lumineuse et exotique dans l'esprit néo-mauritanien.

Un petit manoir, tapissé de marbre et de tuiles jaunâtres de Tarusa, avec une loggia d'angle originale, se distingue par son décor en mosaïque - un panneau au-dessus de l'entrée principale, représentant le royaume sous-marin, et une frise de fleurs. La propre maison d'O. A. List à Glazovsky Lane a été construite selon le projet du célèbre architecte L.N. Kekushev en 1899 et est considérée comme la première œuvre architecturale de l'URSS, réalisée dans le style Art nouveau.

9. Théâtre d'art de Moscou. A.P. Tchekhov dans Kamergersky Lane

Le légendaire théâtre d'art de Moscou a commencé à travailler dans le bâtiment de Kamergersky Lane à l'automne 1902. Le théâtre du propriétaire Lianozov a été reconstruit aux frais du mécène Savva Morozov par l'architecte Fyodor Shekhtel en trois mois. Le design d'intérieur, l'éclairage, les ornements et même un croquis d'un rideau avec le célèbre emblème du Théâtre d'Art - une mouette volant au-dessus des vagues, appartiennent également à la paternité de cet architecte. Fait intéressant, Shekhtel a achevé le projet de reconstruction gratuitement, refusant de discuter de la question du paiement au stade des négociations.

Plus de cent ans se sont écoulés depuis la naissance du style moderniste, cependant, même aujourd'hui, les connaisseurs de cette tendance ne l'oublient pas et essaient de l'adapter aux réalités modernes. C'est exactement ce dont nous parlons dans notre matériel. Et pour savoir qui est exactement considéré comme l'un des fondateurs de l'architecture moderniste, consultez notre article.

L'apogée du style architectural Art nouveau en Europe et en Amérique tombe sur les années 1890-1914, la Première Guerre mondiale l'en empêcha davantage. La nouvelle direction a radicalement changé l'idée de la beauté dans le graphisme, le design, la sculpture, la musique, le ballet.

Des architectes inventifs ont créé non seulement des structures expressives avec un aspect extérieur et intérieur inhabituel, mais ont également maîtrisé de nouveaux matériaux - béton, acier, verre.

Les conceptions de maisons modernes dans la technique Art nouveau utilisent des éléments historiques de manière sélective, abandonnant un décor luxuriant et une asymétrie excessive au profit de solutions plus rationnelles.

Au lieu de l'éclectisme

La mise en scène s'est formée en opposition à l'éclectisme, qui mêlait des détails de styles différents, souvent pas trop habilement. Au cours d'une période de croissance urbaine rapide et d'industrialisation, la construction Art nouveau a annoncé un retour à l'aspect pratique des bâtiments médiévaux et de la Renaissance.

Les architectes ont répondu au besoin accru de bâtiments pour les bourses, les banques, les gares, les entreprises industrielles et les immeubles d'habitation. L'innovation de l'époque - structures en béton armé, profils en acier courbes - a permis de créer des façades curvilignes complexes.

L'impulsion pour le développement était les arts décoratifs. Le décorateur allemand Herman Obrist en 1895 a créé la toile "Blow of the Scourge" (dans une autre traduction, "Blow of the Whip"). La broderie de soie sur un panneau de laine représentait la tige, les feuilles et la fleur de cyclamen sous une forme bizarre, rappelant le coup de fouet.

La nature est devenue une source d'inspiration pour les architectes travaillant dans le style moderne classique.

Silhouettes naturelles de plantes (lys, orchidées, iris, feuilles de palmier, algues), les vagues de la mer sont utilisées partout: dans la peinture, les panneaux de mosaïque à grande échelle, les frises en stuc, dans la conception des façades, des grilles de balcon, des poignées de porte. Des vitraux fantaisie, réalisés dans le style Art nouveau, représentent des queues de paon, de beaux cols de cygne et des boucles féminines.

Caractéristiques de l'Art Nouveau dans l'architecture

Principe de conception	Aux XVIIIe et XIXe siècles, un mouvement de l'apparence extérieure de la maison vers l'organisation intérieure est assumé. La nouvelle approche a proclamé la disposition primaire des locaux, qui à son tour a influencé les formes extérieures. Les bâtiments reçoivent des volumes dissymétriques, les façades Art nouveau sont pleines de baies vitrées, de tours, de balcons et de loggias.
Liberté de créativité	La conception délibérément fantaisiste de la décoration extérieure et intérieure devient l'une des solutions architecturales les plus populaires. Un exemple frappant est la Casa Batlo du maître espagnol Gaudi, où l'idée de vaincre le dragon est incarnée.
silhouettes	Le rejet des lignes droites et anguleuses au profit de lignes plus naturelles conduit à des silhouettes fluides et à une décoration accentuée. Grâce à l'utilisation créative de l'acier, du verre et du béton armé dans la conception des maisons modernes, une fusion de formes naturelles et artificielles se fait clairement sentir.
Spectre de couleurs	Pastel, sans contrastes évidents, dominé par les tons olive, gris, lilas poussiéreux, tabac. L'extérieur et l'intérieur des bâtiments existent en étroite relation; les escaliers courbes, les garde-corps et les supports suivent les lignes ornementales.
Éléments caractéristiques de la modernité	Colonnes richement décorées (droites, angulaires ou courbes), ouvertures de fenêtres et de portes en forme d'arcs, vitrage complexe. Les maîtres combinent les traditions de l'architecture européenne, orientale et africaine, mais ne les copient pas aveuglément, mais les interprètent librement.

Direction Art Nouveau dans l'architecture de différents pays

La tendance de la mode a reçu plusieurs noms - elle a été désignée comme "art nouveau" en France et en Belgique, "art nouveau" en Allemagne et en Suède, "moderne" dans l'Empire russe, "sécession" en Autriche, "tiffany" aux États-Unis .

Belgique

Victor Horta a été le premier à appliquer le "coup de fouet" dans la conception des façades lors de la construction et a utilisé des structures porteuses de forme asymétrique. L'architecte s'est tourné vers les techniques de grands vitrages associés à une grande quantité de métal.

Ses bâtiments Art nouveau - les célèbres demeures de Tassel, Solvay, Eitveld, la maison-atelier (Musée Horta) - sont inscrits sur la liste des sites du patrimoine mondial de l'UNESCO.

France

Hector Guimard, l'un des principaux architectes de l'époque, a incarné des conceptions Art nouveau dans la conception d'hôtels particuliers, mais il est surtout connu pour la conception des pavillons du métro parisien.

Les objets qu'il a créés combinent librement des cadres métalliques avec des éléments en verre, des carreaux de céramique émaillée, des briques et du grès.

L'Autriche

La Sécession viennoise se caractérise par un décor plus modeste et des formes géométriques simples et régulières. Dans cette direction, l'immeuble Majolica House et le bâtiment de la poste à Vienne (conçu par Otto Wagner) ont été réalisés. Dans le style de la modernité géométrique, J. Hoffmann a travaillé en utilisant les angles droits et la technique du damier au lieu des contours lisses.

Un exemple frappant de l'architecture autrichienne est l'hôtel particulier du banquier Stoclet, construit à Bruxelles.

Espagne

L'architecte catalan Antonio Gaudi a créé les célèbres bâtiments pittoresques, mais non moins constructifs: Batlo House, Mila House, Park Güell. Ses belles maisons Art nouveau - aux façades ondulées, aux carreaux de céramique à l'échelle du dragon - attirent les touristes du monde entier, tout comme le projet inachevé de la Sagrada Familia.

Etats-Unis

Le design Art nouveau américain est associé au nom de Louis Tiffany. Il a inventé la technique d'assemblage de morceaux de verre à l'aide de feuilles de cuivre. Des vitraux, créés à l'aide de cette technologie, décorent des bâtiments dans tout le pays. Les vitraux sont l'un des principaux éléments de la modernité moderne.

Architecture Art nouveau russe

La nouvelle tendance de l'architecture a embrassé non seulement la partie européenne de l'Empire russe, mais aussi les villes de l'Oural et de la Sibérie. Les différences régionales se manifestaient dans le nombre d'étages et le choix des matériaux: dans la capitale, des bâtiments à plusieurs étages étaient construits en pierre, ailleurs - des manoirs à deux ou trois étages en bois et un socle en pierre.

Le style Art Nouveau dans l'architecture de la Russie avait un caractère original et se manifestait dans deux directions principales : Pétersbourg et Moscou.

Nord moderne (Pétersbourg)

Développé sous l'influence des œuvres des maîtres scandinaves F. Lindval, A. Shulman, E. Saarinen. Le chalet du Grand Duc B.V., réalisé dans le style Art Nouveau. Romanov près de Tsarskoïe Selo est devenu l'un des premiers bâtiments.

Parmi les exemples de la nouvelle tendance architecturale, citons la boutique des frères Eliseev, la maison de F.G. Bazhanov, hôtel "Astoria", immeubles d'habitation à Gatchina, Vyborg, Sortval. Parmi les architectes russes, N. Vasiliev, G. Baranovsky, P. Aleshin ont travaillé dans ce style.

Les principales caractéristiques du nord moderne:

• Décoration de façade avec des matériaux naturels et artificiels.
• Parement en blocs de granit (brut ou à texture lisse).
• Refus du petit ornement au profit d'éléments simples en stuc.
• Préservation de la symétrie, utilisation de tours rectangulaires.
• La palette de couleurs des façades est associée aux falaises nord imprenables et aux châteaux médiévaux.

Un exemple caractéristique de l'architecture moderniste de Saint-Pétersbourg est le projet de P. Syuzor sur Nevsky Prospekt: ​​​​la maison de la société Singer (aujourd'hui la Maison du Livre se trouve ici).

Pour la première fois, une charpente métallique a été utilisée dans les travaux, ce qui a réduit la charge sur les murs et a permis de monter des vitrines.

Le toit avec vitrage sur les cours intérieures est également devenu une nouvelle technique, le système de ventilation a été équipé techniquement de manière plus compétente. La façade principale est couronnée d'un dôme transparent avec la figure d'un aigle - l'un des symboles les plus reconnaissables de la ville.

Moscou moderne

La plupart des bâtiments privés ont été notés ici (c'est la différence avec la direction de Saint-Pétersbourg). L'idéologie a été étayée et développée dans le cercle Abramtsevo - une association d'artistes et de décorateurs, dirigée par le mécène Savva Mamontov.

Les bâtiments Art nouveau érigés à Moscou présentent des caractéristiques:

• Dispositions asymétriques et compositions de façade.
• Divers matériaux de parement.
• Baies vitrées comme accents architecturaux dominants.
• Une combinaison de décors floraux et géométriques à l'intérieur et à l'extérieur.

Un exemple classique de maison de style Art nouveau à Moscou est le manoir du collectionneur S.P. Ryabushinsky conçu par Fiodor Shekhtel.

Les façades de couleur jaune clair sont décorées de mosaïque lilas avec des iris. Les ouvertures des fenêtres sont de formes différentes, elles sont complétées par des barres d'acier avec des ornements floraux. Shekhtel a également conçu la décoration intérieure de la maison.

L'idée d'une vague marine se lit dans les contours des escaliers, des moulures au plafond et des mosaïques au sol.

Maisons modernes de style Art nouveau

Les manoirs majestueux et gracieux de Moscou et de Saint-Pétersbourg de la fin du XIXe et du début du XXe siècle servent aujourd'hui de prototype aux maisons privées modernes.

La direction architecturale est universelle: elle convient aux résidences et aux petites maisons de campagne de Moscou et de la région de Moscou. Les bâtiments sont construits à partir de brique, de pierre, de béton, de bois, une solution populaire est les structures en acier et en verre.

Signes de l'Art Nouveau en tant que style moderne :

• Asymétrie des solutions compositionnelles-volumétriques.
• Décoration de la façade avec garde-corps, corniches, plateaux de formes bizarres.
• Ouvertures de fenêtres de configuration non standard: ovales, rondes, trapézoïdales, étroites (échappatoires), vitrines avec vitraux.
• Tourelles, flèches et girouettes sur le toit.
• Couleurs naturelles : lavande, terre cuite, tons beiges.

L'espace domestique est organisé rationnellement. Souvent, les projets de chalets au concept moderne associent une partie habitation, un garage et des dépendances. La même finition extérieure remplit une fonction contraignante.

Baies vitrées, nombreux balcons, terrasses vitrées, combles aménageables conviennent. L'extérieur est caractérisé par des détails métalliques ajourés : garde-corps, barreaux de fenêtre. La pierre sauvage, son imitation ou brique de parement convient bien pour la finition du sous-sol.

Les projets de maisons modernes de style Art nouveau sont très démocratiques en termes de matériaux. Le métal, le verre, la brique, la céramique, le béton armé sont utilisés. Le polyuréthane est utilisé pour fabriquer des décors de façade originaux, y compris des copies de la conception d'objets historiques célèbres.

Vidéo d'une maison moderne de style Art Nouveau des architectes TopDom

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La Russie, comme la plupart des pays, se distinguait par sa diversité stylistique. Parmi un large éventail de ses sources, en plus des sources nationales, il convient de distinguer l'architecture de l'Allemagne, de l'Autriche-Hongrie et de la Finlande.

La version russe du style Art nouveau, qui devient une sorte de prologue à la « nouvelle architecture », prend forme au tournant des XIXe et XXe siècles. Tout au long de 1898-1917. Le russe moderne, en évolution rapide, traverse trois étapes dans son développement et, à toutes les étapes, deux courants coexistent en son sein - un courant rétrospectif-romantique et un courant qui exclut complètement l'imitation des styles historiques. A l'approche de 1917, ces courants se polarisent.

La première va jusqu'à recréer directement les styles du passé ; la seconde successivement, étape par étape, se rapproche du rationalisme. Ils sont reliés les uns aux autres par une échelle de transitions très développée. Mais la différence entre eux ne réside pas dans l'utilisation ou l'absence de formes du passé, mais dans la nature de la composition, émanant dans un cas de la structure constructive-spatiale du bâtiment, dans l'autre - du système décoratif d'un des styles des époques passées.

L'Art nouveau ne fait pas que raviver l'unité stylistique de l'aspect extérieur et de la décoration intérieure des bâtiments. L'importance de "l'architecture interne" augmente fortement. Elle s'exprime dans la volonté de concevoir des structures comme de l'intérieur, en portant une attention particulière aux problèmes intérieurs. Les pièces deviennent plus spacieuses, leurs compositions perdent leur isolement, elles semblent couler les unes dans les autres. Dans les hôtels particuliers, le plan libre est en cours d'élaboration. Grâce à l'utilisation de structures à ossature, les intérieurs des immeubles de bureaux et commerciaux sont libérés des murs principaux, les étages de beaucoup d'entre eux se fondent dans un hall colossal. Des fenêtres agrandies relient l'espace intérieur à l'environnement.

Les chambres "cosy" sont remplacées par des chambres "confortables". Le concept de "confort" comprend non seulement la commodité, mais également les avantages nés de l'utilisation des dernières réalisations techniques et des données de la science hygiénique. Malgré toute l'émotivité des intérieurs modernes, ils révèlent une base sous-jacente rationaliste.

Le problème de la synthèse des arts plastiques devient urgent. Les vestibules des immeubles locatifs, des hôtels, des manoirs sont décorés de vitraux, les intérieurs sont pittoresques et les façades sont décorées de panneaux de majolique ou de mosaïque. Ainsi, dans l'œuvre architecturale de la première modernité, la rationalité du principe initial se conjugue avec le caractère formellement esthétique de son interprétation.

La Russie est allée à la nouvelle architecture à sa manière. La recherche de modernité domestique est vaste et variée. Ils sont liés aux quatre routes de la recherche européenne.

La première direction de l'Art nouveau en Russie, associée au nom de Shekhtel et consorts et à leurs édifices « gothiques » des années 1890, est restée un phénomène local. Il a produit plusieurs chefs-d'œuvre, dont le manoir de Z. G. Morozova sur Spiridonovka à Moscou (1893), qui a acquis une renommée européenne. Cependant, dépourvu de sol national, le romantisme "abstrait" de ces constructions fut, à l'évidence, la raison pour laquelle Shekhtel lui-même, maîtrisant les nouveaux principes de transformation de l'utile en beau, construisant du volume "de l'intérieur vers l'extérieur", construisant une dynamique composition d'image conçue pour de multiples points de vue et perception de la durée dans le temps, disparue à la fin des années 1890. de "English Gothic" et n'y est jamais revenu.

La deuxième direction, nationale-romantique, de la modernité, qui trouve son origine dans le cercle de Mamontov, a eu une large continuation, aboutissant au style dit néo-russe. Sa viabilité était favorisée par l'urgence persistante du problème national : le problème du « choix d'une voie ».

Manifestations éparses du style néo-russe à la fin des années 1890. fusionner dans un large mouvement artistique, uni par la recherche d'un style national monumental sous l'impulsion et sous l'hégémonie manifeste de l'architecture.

Les jalons notables de cette voie ont été le pavillon des arts appliqués russes à l'Exposition universelle de Paris (1900, l'artiste K. A. Korovine et l'architecte I. E. Bondarenko), les pavillons du département russe à l'Exposition internationale de Glasgow (1901) et la gare Yaroslavsky à Moscou ( architecte F. O. Shekhtel, 1904), la maison rentable de Pertsov dans Soimonovsky Lane à Moscou (1907) et des bâtiments à Talashkino ("Teremok", théâtre, propre maison, 1902, architecte S. V. Malyutin), une maison pour les veuves et les orphelins d'artistes dans la ruelle Lavrushinsky (architecte N. S. Kurdyukov) et les églises Old Believer à Moscou (seconde moitié des années 1900-1910, architecte I. E. Bondarenko).

Avec l'entrée de la « modernité » dans sa deuxième étape (« modernité graphique », entre 1905 et 1910), les traits de rationalité et d'austérité s'intensifient dans son architecture, et de nouveaux critères de beauté commencent à se former. L'innovation de la deuxième étape est la plus évidente dans l'architecture des bâtiments bancaires, de bureaux et commerciaux, où le rôle façonnant des structures à ossature métallique et en béton armé est particulièrement visible (le bâtiment de la Banque Azov-Don à Saint-Pétersbourg, l'architecte F. I. Lidval). Pour souligner la légèreté de la structure du cadre, des formes décoratives du classicisme et d'autres styles sont utilisées, pour révéler les contrastes entre les grands plans vitrés et la pierre traitée de différentes manières (maçonnerie rustique et lisse) - détails de la Renaissance italienne.

Au troisième stade du développement de la modernité (entre 1910 et 1917), les tendances de la modernité elle-même et du romantisme rétrospectif atteignent la limite du contraste. Dans nombre d'édifices, le principe de composition rationaliste l'emporte, presque ou totalement dépourvu de réminiscences historiques. Un trait distinctif de ces structures est leur simplification presque constructiviste, le géométrisme accentué des volumes. La fragilité disparaît, les façades semblent compactées et alourdies. Les détails fonctionnels, acquérant une forme simple et géométriquement correcte, deviennent des moyens de composition d'une importance primordiale. Les volumes des bâtiments, réduits à des formes géométriques élémentaires, leurs déplacements brusques verticalement et horizontalement, un motif clair de la grille du cadre, d'immenses ouvertures de fenêtres remplissent l'image architecturale d'une expressivité jusque-là inconnue.

L'Art nouveau tardif est représenté principalement par les œuvres de l'école de Moscou. Son ancêtre, architecte,

Maison de S. P. Ryabushinsky à Moscou.

1900-1903 Architecte FO Shekhtel

F. O. Shekhtel devrait à juste titre être considéré comme ayant déterminé son originalité (Fig. 34.1). Directement ou indirectement, tous les représentants du modernisme tardif lui sont redevables, soit formés dans son atelier, soit absorbés par les leçons de son travail. Ce sont principalement les architectes de la génération qui suit Shekhtel - I. S. Kuznetsov, A. U. Zelenko, G. I. Kondratenko, V. K. Oltarzhevsky, A. A. Ostrogradsky, V. V. Shervud, les frères Vesnin, A. V. Kuznetsov et d'autres.

Les caractéristiques figuratives des structures du modernisme tardif changent également. Malgré le goût clairement palpable de l'admiration et un certain culte délibéré du rationnel, une certaine dose de laconisme et de beauté a été trouvée dans les bâtiments modernes tardifs, correspondant au mode de vie pratique de ces années.

La fragilité, l'élégance, les lignes graphiques et la planéité des façades caractéristiques des maisons d'habitation et des hôtels particuliers de la fin de la modernité sont le résultat d'une compréhension artistique des structures à ossature - l'antipode d'une structure murale massive (cessant d'être un type idéal de structure, elle a cessé être la personnification de qualités qui étaient auparavant considérées comme la norme de beauté). Désormais, le beau s'identifie à d'autres propriétés - légèreté, transparence, espace. Mais ces qualités se conjuguent avec une nouvelle compréhension de la plasticité comme une forme qui contient l'espace en elle-même, « vivante » et animée par les forces agissant en son sein, qui est en interaction active, voire en confrontation avec l'espace externe et interne. L'expérience artistique de l'espace, typique de la première modernité, non pas comme un vide, mais comme un anticorps, anti-forme, envahissant, affluant, repoussant une forme qui a une masse réelle, est préservée, bien que dans certains cas pas de cette manière. une interprétation ouvertement dramatique, dans les bâtiments de la seconde moitié des années 1900 - début des années 1910 Je voudrais définir la plasticité de la première modernité comme la plasticité du volume et de la masse (masse du mur). Pour l'Art nouveau tardif (bien que très conditionnellement, les chevauchements ne sont pas rares), une autre caractéristique est plus adaptée : la plasticité de la surface du mur.

Dans la modernité tardive, l'importance de la texture et de la couleur des matériaux comme moyen d'expression artistique augmente. Les plus populaires à l'heure actuelle sont le plâtre de béton à haute résistance, les briques mates et vernissées. En raison du revêtement de la surface extérieure avec des peintures à haute résistance - glaçures et émaux - la brique émaillée combine l'immunité aux caprices du temps avec la beauté et la sonorité de la couleur et l'expressivité de la texture. La texture de la brique vernissée était également à bien des égards en phase avec les nouveaux idéaux esthétiques. Sa surface froide et brillante, comme si elle excluait la possibilité de l'existence d'un mur de pierre massif derrière elle, créant un contraste exquis avec la même surface de verre froide, fragile et brillante, donne l'impression d'apesanteur, d'immatérialité, qui distingue le résidentiel moderne tardif. et les bâtiments publics.

La brique de parement n'est pas seulement utilisée comme un outil utilitaire - en même temps, c'est aussi un moyen de la décorer. L'absence d'un système de décor particulier et la réduction du nombre de détails décoratifs propres à la modernité ("les bâtiments de style nouveau ont un avantage significatif car il y a peu de décorations") transforment non seulement les éléments purement fonctionnels, tels que les revêtements, mais même les niveau de finition en porteur de qualités esthétiques. Les avantages de la maçonnerie elle-même, le motif des coutures, la minutie du jointoiement du mortier, le contraste de la texture du mortier et de la brique, et surtout, l'expressivité du mur revêtu de cette brique acquièrent une importance primordiale dans le système général des techniques artistiques. Une nouvelle compréhension de la beauté est née - la beauté de la rigueur, de l'opportunité, qui marque le lent processus de libération de l'idée de la beauté comme quelque chose d'extérieur à un objet ou à un bâtiment, attaché à celui-ci sous forme de décor, ou plutôt, sous la forme d'un certain système de décor.

L'antagonisme artistique séculaire entre les deux capitales - Moscou et Saint-Pétersbourg - a atteint son apogée au milieu des années 1900. C'est à cette époque, lorsque Moscou est devenue le centre du développement de la modernité expéditive, qu'un tournant brutal vers le rétrospectivisme a commencé à Saint-Pétersbourg.

En Russie, la recherche de nouvelles voies dans l'art s'est concentrée à Saint-Pétersbourg et à Moscou, les deux principaux centres de la nouvelle architecture. Les bâtiments de Saint-Pétersbourg et de Moscou sont particuliers et loin d'être identiques. Les différences de longue date dans l'architecture de ces villes ont été transférées au nouveau style.

Le principe de régularité et de rigueur classique, posé dans les ensembles de Saint-Pétersbourg, s'avère un début plus autoritaire que l'innovation de la modernité elle-même. Par conséquent, dans l'architecture de l'Art nouveau de Saint-Pétersbourg, l'influence restrictive de la tradition classique a eu un effet plus important. Une galaxie de grands artisans qualifiés a travaillé ici, liant leur créativité au nouveau style. Parmi eux figurent F. I. Lidval, N. N. Vasiliev, A. I. Gauguin, A. Ol, I. Fomin, M. Lyalevich, M. Peretyatkovich, A. Belogrud, P. Yu. Syuzor.

Le Saint-Pétersbourg moderne est plus strict, constructif et rationaliste que Moscou.

Dans l'architecture de Saint-Pétersbourg, l'Art Nouveau s'est le plus clairement exprimé dans la construction d'hôtels particuliers, de bâtiments commerciaux et d'immeubles. Les solutions plastiques pittoresques sont caractéristiques des premiers bâtiments de style Art nouveau.

Mertens Trading House sur Nevsky Prospekt, Saint-Pétersbourg

façades, contours inhabituels d'ouvertures (en forme d'ellipses, de fers à cheval, de polygones, etc.), motifs ornementaux fantaisistes et raffinés (manoir de Kshesinskaya).

A partir du milieu de 1900, l'Art nouveau entre dans une phase tardive, qui se caractérise par des solutions de composition plus rigoureuses, l'utilisation d'éléments d'architecture d'ordre. Par exemple, la Azov-Don Commercial Bank et la Mertens Trading House (Fig. 34.2). En 1910, l'Art nouveau est progressivement chassé de l'architecture de Saint-Pétersbourg par divers courants rétrospectifs, et principalement par le néoclassicisme.

L'Art Nouveau du Nord est devenu une variante spécifique du style à Saint-Pétersbourg.

nord moderne- c'est une tendance de l'architecture moderniste de la fin du XIX - début du XX siècle. dans les pays scandinaves et à Saint-Pétersbourg. Parfois, il est défini comme un romantisme national. Il se caractérise par des bâtiments d'un style strict et sévère avec des éléments du système d'ordre classique et des motifs de décoration nationale finlandaise proches de l'architecture médiévale de style normand, une silhouette expressive et l'utilisation de la texture de matériaux courants dans le nord - grande cadres de granit brut, bois, constituant une unité harmonieuse avec la nature.

Le développement du style moderne du nord à Saint-Pétersbourg a été influencé par l'architecture néo-romantique suédoise et finlandaise. Fedor (Friedrich) Lidval, un représentant de la diaspora suédoise à Saint-Pétersbourg, est devenu le chef d'orchestre des idées de la première source. Les bâtiments construits selon ses plans dans la période de 1901 à 1907, et en particulier le complexe résidentiel sur Kamennoostrovsky Prospekt qui appartenait à la famille Lidval, sont devenus une alternative qualitative à la diffusion des versions allemandes et autrichiennes de l'Art nouveau à Saint-Pétersbourg. L'influence de représentants éminents du néo-romantisme en Suède tels que F. Boberg et G. Klasson sur la formation de la manière créative de Lidval est notée. Une autre contribution importante à la formation du style à un stade précoce a été la construction de manoirs sur l'île de Kamenny selon les plans de Robert Meltzer. Un peu plus tard, l'influence de l'architecture finlandaise plus extravagante est devenue la principale. Dans des bâtiments aussi emblématiques que la maison de Putilova sur Bolshoy Prospekt du côté de Petrograd (architecte I. Pretro) et le bâtiment de la compagnie d'assurance Rossiya sur la rue Bolshaya Morskaya (architecte G. Gimpel) (tous deux construits en 1907), les architectes ont eu recours à des citation d'œuvres de leurs collègues finlandais, qui ne sous-estime cependant pas les hautes qualités artistiques de ces œuvres. Dans la seconde moitié de la décennie, l'Art nouveau du Nord est devenu la principale tendance de l'architecture de Saint-Pétersbourg, attirant les forces de jeunes architectes. C'est à cette époque que les principales réalisations de Nikolai Vasiliev, un adepte constant du thème romantique avec une vision individuelle du style, sont liées. Il s'agit de la façade de la maison d'A. Bubyr dans la rue Stremyannaya et du projet final de la mosquée-cathédrale, dans l'aspect sévère de laquelle le thème "nordique" l'emporte sur les motifs orientaux.

Moscou moderne a révélé le plus systématiquement les caractéristiques du nouveau style. Mais la version de Saint-Pétersbourg était également très intéressante. Il possédait des qualités particulières liées au fait que Saint-Pétersbourg avait le visage établi d'une ville classique. Si dans la branche moscovite de la modernité le nouveau style s'attachait aux formes du style néo-russe, à Saint-Pétersbourg la modernité faisait de même par rapport au classicisme. Dans la plupart des cas, les éléments classiques ont agi à titre subordonné.

Si à Moscou le rôle principal appartenait à Shekhtel, alors à Saint-Pétersbourg - Lidval, qui a approuvé la version originale de Saint-Pétersbourg du "classicisme moderne".

Dans la conscience de masse, il y a une idée ferme que le vrai XXe siècle dans la culture russe commence dans les années 1910. De l'avant-garde, qui apporte l'art russe au monde européen, et cette avant-garde est notre contribution, notre marque et, en général, notre tout. Et très rarement, ils se souviennent de ceux qui ont préparé cette sortie triomphale vers l'international. Eh bien, à l'exception de Dyagi Lev et de ses saisons russes, qui depuis 1907 se déroulent en Occident avec triomphe. Mais l'esthétique que les Européens admiraient dans les ballets itinérants de Diaghilev a été formée par un cercle d'artistes qui faisaient partie de l'association World of Art. Ils ont su reconfigurer l'optique de la perception de l'art, y opérer une révolution silencieuse mais significative. Et c'était un trampoline pour ceux qui sont venus plus tard et, bien sûr, ont traité leurs prédécesseurs avec dédain.

Boris Koustodiev. Portrait de groupe des artistes de la société "World of Art". 1916-1920 Musée d'État russe

Le cercle était très étroit. Seules quelques personnes forment le noyau de l'association World of Art qui, en 1898, commence à publier une revue du même nom. Il s'agissait des artistes Alexander Benois, Konstantin Somov, Lev Bakst, Evgeny Lansere, Mstislav Dobuzhinsky, Anna Ostroumova-Lebedeva. Et, bien sûr, Sergei Diaghilev, entrepreneur, impresario, moteur et ressort de toutes les initiatives du Monde de l'Art. En outre, il y avait des écrivains - le département de la critique, dirigé par Dmitry Filosofov. Merezhkovsky, Gippius, Rozanov, Sologub, Bryusov, Balmont, Bely y ont été publiés - mais ensuite les écrivains se sont disputés avec les artistes et sont partis pour le magazine New Way. Dans ce cercle étroit, la majorité est toujours liée soit par la parenté, soit par l'amitié du gymnase. Et en fait, le "Monde de l'Art" est né d'un cercle complètement de chambre, nommé d'après le roman de Dickens "Les papiers posthumes du Pickwick Club" - "Neva Pickwickians". Dans ce cercle, des amis se parlaient d'histoire de l'art. M. Pickwick y était probablement Alexandre Benois, qui convenait très bien à ce rôle même extérieurement : rond, bien bâti.

Portrait photo dans le groupe d'artistes "World of Art". 1914 Sur la photo ci-dessus, des chiffres sont écrits à l'encre - de 1 à 18, au dos il y a une explication: "Rencontre annuelle de l'île des artistes" World of Art ". Présents : 1. M. V. Dobuzhinsky. 2. A.F. Gaush. 3. O.E. Braz. 4. N.K. Roerich. 5. I. Ya. Biblibin. 6. B.M. Kustodiev. 7. VV Kouznetsov. 8. P. V. Kuznetsov. 9. E. E. Lansère. 10. N. E. Lansère. 12. N. D. Milioti. 13. A.P. Ostroumova-Lebedeva. 14. KS Petrov-Vodkin. 15. A.I. Tamanov. 16. Réservez. A. K. Shervashidze. 17. S.P. Yaremich. 18. M. I. Rabinovich. Bibliothèque d'État de Russie

Dans ses années de déclin, Benois, qui avait déjà émigré en France, a écrit deux volumes de mémoires. Il a rappelé l'enfance et les loisirs de l'enfance : collections de jouets, maquettes en carton de villes, amour pour les jouets optiques comme une lanterne magique. Et il disait que c'était tout cela qui déterminait son attitude envers l'art comme envers la magie : l'art ne doit pas être comme la vie. Parce que la vie ne plaît pas, elle est monotone, elle est désagréable à l'œil.

Et les gens du Monde de l'Art, d'un côté, veulent s'éloigner de la vie dans des mondes abstraits. Où sont ces mondes ? Dans le passé. Comment connaissons-nous le passé ? Nous le voyons dans les images d'art, et elles nous inspirent. Les Miriskusniks étaient beaucoup plus intéressés par l'art que par la vie. L'art du passé, qui est capable d'engendrer un autre art, nouveau. Ils ne s'intéressaient pas à l'histoire telle qu'elle est, mais à ses images - composées, volatiles, aléatoires. « Rêves rétrospectifs », « festivités galantes », « chasses royales », pas de grandes idées, mais simplement une vive expérience de l'atmosphère d'un temps révolu. Échapper à la réalité, une sorte d'évasion.

Mais, d'un autre côté, ce monde moderne peu attrayant et routinier peut, après tout, être modifié, reformaté, rendu différent pour l'œil, pour la perception visuelle. Économiser avec beauté : c'est-à-dire changer d'intérieurs, de livres, de bâtiments, de vêtements. Pour que non seulement l'art, mais aussi la vie quotidienne deviennent différentes. C'est une combinaison paradoxale d'évasion avec la réforme et le design. Et il faut dire que cette tâche ardue - rien de moins que de changer le goût de toute une époque - ces quelques personnes ont réussi à bien des égards. Littéralement 10 ans plus tard, le public russe, auparavant formé aux peintures narratives à l'intrigue claire - itinérante ou académique - était prêt à accepter l'avant-garde russe.

Parlons maintenant des domaines dans lesquels le Monde des Arts a particulièrement réussi. Ils ont, par exemple, complètement changé le visage du théâtre, notamment musical. Avant eux, l'artiste du théâtre russe n'avait tout simplement rien à faire: tous les décors étaient tirés, comme on dit, "de la sélection", c'est-à-dire parmi des décors standard pré-préparés: c'est pour toute représentation de la vie médiévale , et c'est pour n'importe lequel des Égyptiens . Le Monde des Arts a travaillé avec chaque performance individuellement, avec une précision de restauration. Grâce à eux, l'artiste au théâtre est devenu une figure égale au metteur en scène - Benois a même écrit lui-même le livret.

Costumes et décors de Léon Bakst pour le ballet "Schéhérazade". 1910 Bibliothèque du Congrès

Décors et costumes pour le ballet "Petrouchka". Début du 20ème siècle Bibliothèque du Congrès

Costumes pour "Danses polovtsiennes" de l'opéra "Prince Igor". 1900 Bibliothèque du Congrès

Et ils ont complètement changé le look du livre illustré. Auparavant, dans ces livres, les illustrations étaient commandées à différents artistes et argumentaient stylistiquement les unes avec les autres à l'intérieur du bloc de livre. Miriskusniki a proposé et mis en œuvre l'idée d'un livre dans son ensemble: l'image doit être liée au texte, toutes les vignettes et économiseurs d'écran doivent fonctionner pour un style commun, l'artiste agit en tant que réalisateur et décorateur d'un spectacle holistique. Pour la première fois, cette idée de synthèse a été mise en œuvre dans le magazine "World of Art" publié par eux, dont il sera question ci-dessous.

Couverture de "ABC en images" d'Alexandre Benois. 1904 benua-memory.ru

Ivan Bilibine. Couverture du programme de l'opéra "Boris Godunov". 1908 Bibliothèque du Congrès

Couverture de "L'ABC du monde de l'art" de Mstislav Dobuzhinsky. 1911 moscowbooks.ru

Il est impossible d'énumérer tout ce qui a été fait par le Monde des Arts : il y a eu de nombreuses « micro-révolutions ». Mais il est intéressant de rappeler encore une chose : après tout, ce sont eux qui ont déterminé notre perception actuelle de Saint-Pétersbourg ; en 1903, son bicentenaire a été célébré et le style de la fête a été en grande partie préparé par les efforts de l'art mondial pour changer l'image de la capitale. Avant eux, Pétersbourg n'était pas du tout considérée comme une belle ville. Il avait deux images publiques - l'une plus désagréable que l'autre. D'une part, c'était l'image d'une ville bureaucratique appartenant à l'État - par opposition à un Moscou vivant, opposé, plus diversifié et libre. D'autre part, c'était la ville de Dostoïevski : la ville des puits et du crépuscule éternel. Tout cela a changé grâce aux efforts du Monde des Arts - en partie par Mstislav Dobuzhinsky et principalement par Anna Ostroumova-Lebedeva. Il y a une phrase si commune que Savrasov, puis Lévitan, ont inventé la nature russe : avant eux, elle n'existait pas comme objet de vision. On peut donc dire que Pétersbourg a été inventé par Ostroumov-Lebedev.

Anna Ostroumova-Lebedeva. Vue sur la Neva à travers les colonnes de la Bourse. 1907Photo de RIA Novosti

Mstislav Doboujinski. Grimaces de la ville. 1908Photo de Mikhaïl Filimonov / RIA Novosti

Anna Ostroumova-Lebedeva. Peterhof. Fontaine "Samson". 1922Photo par Alexey Bushkin / RIA Novosti

Et c'est caractéristique qu'elle l'ait fait dans les gravures. Miriskusniki a également relancé le graphisme en tant qu'art indépendant. En Russie, les graphiques étaient auxiliaires: ils étaient réduits à des croquis et des croquis de peintures et ne prétendaient presque pas être indépendants dans les expositions. Et les graphismes imprimés dans les magazines n'étaient souvent pas faits exprès, mais étaient réduits à des reproductions de peintures pittoresques. Et le monde de l'art a relancé non seulement des graphismes uniques, le dessin de l'auteur, mais aussi des graphismes de circulation, en particulier, Ostroumova-Lebedeva était engagé dans des gravures sur bois en couleur et était basé sur des estampes japonaises, que peu de gens connaissaient en Russie.

Le noyau du "Monde de l'Art" était, bien sûr, différents artistes. Mais il y avait néanmoins une poétique commune qui les unissait. La quintessence de cette poésie se trouve dans l'œuvre d'Alexander Benois et de Konstantin Somov.

Les époques préférées de Benoit sont principalement la France du XVIIe siècle, le règne de Louis XIV et la Russie de l'époque Catherine et Paul. La série Versailles et le cycle de Benoit Les Dernières Promenades de Louis XIV sont un monde fantoche fictif et fragile. Il est important qu'il ne s'agisse pas d'une peinture à l'huile, mais d'une gouache sur papier : il n'y a pas de densité picturale, d'obligation inconditionnelle, naturelle. Ce ne sont pas des images historiques, mais des images historiques. Qu'est-ce qu'un tableau historique, par exemple, dans l'esprit de Sourikov ? C'est une idée du sens de l'histoire, comprimée dans un événement particulier. Et si l'artiste du "Monde de l'Art" écrivait "Matin de l'exécution de Streltsy", il ne regarderait très probablement pas les archers ou Peter, mais la pie qui vole. Les genres historiques à Benois sont toujours un fragment arraché au hasard dans lequel il n'y a pas d'événement principal, mais seulement l'air de l'histoire. La même netteté et le même hasard des angles se retrouvent dans les « Chasses royales » de Valentin Serov et dans sa gouache « Pierre Ier ». Ici, les figures grotesques de l'énorme Pierre et des courtisans accroupis sur fond de "vagues désertiques" conventionnelles allient ironie et sens de l'échelle historique. Ce n'est pas un hasard si Serov était membre du conseil d'administration du World of Art - le seul Moscovite: ils se comprenaient bien.

Alexandre Benois. Marche du Roi. 1906

Valentin Sérov. Départ de Catherine II pour la fauconnerie. 1902

Valentin Sérov. Pierre I. 1907

Contrairement à Benois, qui s'est inspiré d'une histoire précise, Somov a reproduit dans ses stylisations un certain siècle galant au conditionnel - le XVIIe ou le XVIIIe, peu importe. Marquises avec cavaliers, arlequins et autres héros de la commedia dell'arte italienne, mascarades, dormant ou rêvant "dames du passé". Il y a plus de ridicule ici que d'émotion ou de tristesse pour ce qui a été perdu. Mais il y a aussi la tristesse - seulement cette tristesse n'est pas pour les perdus, mais pour l'inatteignable : pour ce qui n'appartient pas à la vie, mais à l'art. Et son thème constant est le thème de ce qui va s'embraser et disparaître aussitôt : un arc-en-ciel, un feu d'artifice, un feu de joie. La fin de vacances, toujours brèves comme un éclair.

Constantin Somov. Arlequin et la mort. 1907 Galerie nationale Tretiakov

Les contemporains considéraient le tableau principal de Somov "Lady in Blue" - un portrait de l'artiste Elizaveta Martynova, peint peu de temps avant sa mort par consommation. Une fille triste vêtue d'une robe moirée à la mode des années quarante du XIXe siècle se tient avec un livre, derrière elle à une grande distance se trouve une vision de livre : un monsieur et une dame flirtent sur un banc, et un flâneur avec une canne passe, semblable à l'artiste lui-même. Une image sur la futilité des pulsions romantiques dans le monde prosaïque : c'est ainsi que les premiers spectateurs l'ont perçue.

Constantin Somov. Dame en bleu. Portrait d'Elisabeth Martynova. 1897-1900 ans Wikimedia Commons / Galerie nationale Tretiakov

Dans le monde de l'art, il y avait des nostalgies complètement étrangères. Par exemple, Leon Bakst - il s'est principalement réalisé en tant qu'artiste des saisons russes de Diaghilev. De ses costumes pour les spectacles de ballet, puis, les couturiers de toutes les maisons de couture de Paris - Paquin, Poiret, Worth, puis partout repoussés. Ou Dobuzhinsky - lui, contrairement à ses camarades, ne travaillera pas dans la comédie musicale, mais dans le théâtre dramatique, au Théâtre d'art de Moscou avec Stanislavsky. Et il y fera plusieurs performances dont deux particulièrement remarquables. L'un, "Un mois à la campagne" selon Tourgueniev, est une performance du monde de l'art, antiquaire. L'autre, Nikolaï Stavroguine d'après Dostoïevski, est un spectacle sombre et complètement symboliste. En général, Dobuzhinsky n'est pas étranger au goût symboliste, et parmi ses œuvres ultérieures, il y a même des abstractions.

Léon Bakst. Salomé. 1908 Wikimédia Commons

Léon Bakst. Oiseau de feu. années 1910 Wikimédia Commons

Léon Bakst. Aladdin. 1919 Wikimédia Commons

Léon Bakst. Papillon. 1913 Wikimédia Commons

Les gouaches de Dobuzhinsky et les gravures sur bois d'Ostroumova avec des vues de Saint-Pétersbourg ont été distribuées dans des cartes postales émises par la Communauté de Sainte-Eugénie. La question des cartes postales est une autre partie importante du programme World Art. Les cartes postales sont un art souvenir de masse, à grand tirage. Et le monde de l'art n'a pas fondamentalement établi une distance entre l'art de masse et le grand art.

En général, un tout nouveau type d'artistes pour la Russie a été réalisé dans le monde de l'art. Ce sont d'abord des dilettantes. Quelqu'un n'a pas terminé ses études à l'Académie des Arts, quelqu'un était un peu comme un bénévole dans des ateliers privés parisiens. Mais pratiquement tout le monde s'est enfui de partout, car ils s'ennuyaient du dessin normatif et de l'éducation normative.

Deuxièmement, ce sont tous des intellectuels - ce qui était également tout à fait inhabituel pour les artistes russes de masse à cette époque. Ce sont des gens qui lisent, ils connaissent les langues, ils sont cosmopolites dans leurs aspirations, ils sont mélomanes et organisent des soirées de musiques actuelles au magazine World of Art.

Troisièmement, ils sont tous bourgeois. En général, traditionnellement, le mode de vie bourgeois s'oppose à l'image de l'artiste - l'image romantique - et les artistes du monde y insistent. Malgré le fait qu'ils sont tous d'origines différentes : Benois est issu d'une famille noble aux racines françaises, Somov est le fils du conservateur en chef de l'Ermitage, c'est-à-dire d'une famille de professeurs intelligents. Et, disons, Bakst est un Juif de Grodno, et cela ne dérange personne du tout : ils parlent tous la même langue, et ils ont un comportement commun.

Et dans cette manière de se comporter, il y a une nuance très importante. Toute la seconde moitié du XIXe siècle dans l'art russe, la moitié conventionnellement itinérante, est fondée sur le pathétique du devoir. L'artiste s'avère toujours obligé: envers le peuple, la société, la culture - envers n'importe qui et n'importe quoi. Les Miriskusniks sont les premières personnes de l'art russe à affirmer que l'artiste ne doit rien à personne. Leitmotiv de leur vie, leur travail est une ode au caprice et à la fantaisie, au geste artistique libre. On n'est pas loin d'ici à un geste libre à l'avant-garde, mais le début est là.

Couverture d'un des numéros du Monde de l'Art. 1904 Wikimédia Commons

Page d'un des numéros de la revue "World of Art". 1903 Wikimédia Commons

Page d'un des numéros de la revue "World of Art". 1900 Wikimédia Commons

Page d'un des numéros de la revue "World of Art". 1902 Wikimédia Commons

Le mot préféré du Monde des Arts est « enfumé ». Ils aiment tout ce qui est enfumé dans l'art et collectionnent les choses enfumées. Ce que c'est? Ce sont des choses qui n'ont pas la qualité de signification, de fondamentalité. C'est quelque chose de drôle, de solitaire, de vulnérable, ça pourrait être un jouet, ça pourrait être une sorte de tapis petit-bourgeois. Ce culte de l'optionalité est aussi une nuance importante dans leur programme collectif.

L'artiste Igor Grabar a écrit à Alexander Benois : « Vous êtes trop amoureux du passé pour apprécier quoi que ce soit de moderne » - et c'est tout à fait juste. Le passé dont ils sont amoureux est un passé fictif, c'est un rêve, c'est une certaine image de la beauté que l'on peut regarder, comme d'un auditorium à travers des jumelles inversées. Et en cela il y a de l'admiration, de l'ironie, de l'amertume et de la pitié.

Et ces gens - avec ce système de valeurs, des gens d'un entrepôt tout à fait chambre - veulent rediriger la culture russe vers l'Occident et changer les goûts établis du public. Pour ce faire, ils éditent un magazine, qui s'inspire des magazines européens qui promeuvent le style Art nouveau. Car l'esthétique du "Monde de l'Art" est justement une variante de la modernité.

Dans chacun des pays, ce style s'appelait à sa manière: Art Nouveau, Sécession, Liberté, Art Nouveau, Jugendstil. En d'autres termes, "nouveau style". Le mot "style" est important en lui-même - il signifie une préoccupation pour la forme. Dans chaque pays, la modernité existe sous ses formes propres, mais il y a quelque chose en commun : les formes sont puisées dans tout le stock culturel de l'humanité, dans la mémoire commune. Ce général sert de support à l'individu, le passé engendre le présent. Dans l'art russe, et pas seulement en russe, avant le monde de l'art, il n'y avait pas de souci de forme, seulement de contenu, et il n'y avait pas de style.

Le moderne est un style inventé, il ne grandit pas tout seul. Pour le dire crûment, il est généré par la révolution industrielle. La production mécanique des mêmes choses et des mêmes modes de vie provoque un rejet psychologique et esthétique. Et la première idée de la modernité est l'idée du travail manuel. Tout d'abord, le soi-disant mouvement Arts and Crafts est né en Angleterre sous la direction de l'écrivain, éditeur et artiste William Morris. Et puis ses succursales sont apparues dans différents pays. Ils ont eu une double idée. D'abord, faire des choses belles, des choses individuelles, pas des chaînes de montage. Et deuxièmement, d'unir les artisans dans la production de ces choses. Le début de la modernité en général est très lié aux idées socialistes.

Ainsi, la première modernité européenne était bidirectionnelle. D'un côté, il y a un vecteur archaïque, de restauration : des usines géantes se construisent autour, et on reviendra à l'artisanat, aux ateliers médiévaux. Et en même temps, c'est aussi un vecteur futuriste, car tout cela se fait au nom d'un futur utopique. À l'avenir, le monde entier devrait être sauvé par la beauté et se transformer en une solide ville-soleil.

Mais revenons au monde de l'art. Les sponsors sont nécessaires pour publier un magazine. Qui leur donne de l'argent ? Un détail inattendu: Nicolas II a donné une somme importante - car il a été sollicité par Valentin Serov, qui a peint un portrait de l'empereur. Mais il y avait aussi deux sponsors permanents. Le premier est l'entrepreneur et philanthrope Savva Mamontov, qui a cependant fait faillite en 1899. La seconde est la princesse Maria Tenisheva, elle subventionnera la publication jusqu'à la finale. Mamontov et Tenisheva ont été les initiateurs d'un programme russe similaire au mouvement Arts and Crafts. Dans leurs domaines - l'un à Abramtsevo, le second à Talash-kino - ils ont créé des ateliers d'art. On sait que Vroubel a peint des balalaïkas et des cheminées chez Mamontov, mais ce n'était pas un manque de respect pour l'artiste, bien au contraire. Et il n'est pas étonnant que ces deux personnes soutiennent Benois et Diaghilev.

Mikhaïl Vroubel. Portrait de Savva Mamontov. 1897Wikimedia Commons / Galerie nationale Tretiakov

Mikhaïl Vroubel. Valkyrie (Portrait de la princesse Maria Tenisheva). 1899Wikimedia Commons / Musée d'art d'Odessa

Le magazine a été publié pendant six ans, de 1898 à 1904. Parmi ses filiales figuraient le salon d'Art Contemporain, où l'on vendait des meubles, de la porcelaine, etc., et le cercle des Soirées de Musique Contemporaine, et une autre revue, Trésors Artistiques de Russie, avec le même Benois comme éditeur de la Torah. Des expositions d'art russe et étranger ont été organisées - il y en avait cinq, et Diaghilev en a organisé trois autres avant la publication du magazine. En général, Diaghilev était le moteur de toutes les initiatives - un homme d'une énergie irrépressible et de talents d'organisation exceptionnels. Parmi ses projets les plus en vue figure une exposition historique de portraits russes, où il révèle pratiquement au public l'art russe du XVIIIe à la première moitié du XIXe siècle. Diaghilev lui-même a collectionné des œuvres pour cette exposition, faisant le tour des domaines et séduisant littéralement les propriétaires. En 1907, il organise une série de concerts de musique russe au Grand Opéra de Paris, et c'est de là que commence l'histoire des plus de vingt ans d'entreprise - les fameuses Saisons russes.

Léon Bakst. Portrait de Sergueï Diaghilev avec sa nounou. 1906 Wikimedia Commons / Musée d'État russe

Diaghilev part à l'étranger, et les activités pratiques de l'association restent avec Alexandre Benois, et c'est un idéologue, mais pas un organisateur. Et dans le "Monde de l'Art", les temps difficiles arrivent. Mais paradoxalement, la probabilité d'un déclin rapide était intégrée au programme communautaire lui-même. Parce que ces gens, qui valorisaient l'amitié dans leur cercle restreint, professaient la plus grande largeur et la plus grande tolérance dans leur politique artistique. Ils étaient prêts à coopérer avec tout le monde et à impliquer tout le monde dans leurs projets. Tous ceux en qui au moins quelque chose de vivant est visible - même si ce vivant est à peine visible et étranger au Monde de l'Art lui-même. Dans le premier numéro du magazine, il y avait de nombreuses reproductions des peintures de Vasnetsov, bien qu'il n'y ait pas eu de fans parmi les éditeurs et qu'en général le monde de l'art se soit opposé au mouvement. Ils étaient sûrs que Repin était dépassé, mais ont publié des reproductions de ses peintures, reconnaissant leur importance. Mais l'ère des guerres manifestes commence déjà, où il est de coutume de se désengager, de se battre pour sa vision du monde et son originalité créatrice. Dans ces conditions, l'idée d'unification générale au nom de l'utopie esthétique devient très vulnérable.

Après la représentation du ballet "Petrouchka" à l'Opéra de Paris. années 1920 De gauche à droite : Nikolai Kremnev, Alexander Benois, Boris Grigoriev, Tamara Karsavina, Sergei Diaghilev, Vatslav Nijinsky et Serge Lifar. ullstein bild / Getty Images

Mais en 1904, au nom de cette idée d'unification, le Monde de l'Art fait un geste fort : ils abandonnent leur propre marque et rejoignent l'Union des Artistes Russes de Moscou. Les peintres paysagistes de la lignée Savrasov-Levitanian y sont en solo, l'impressionnisme y est en vogue, étranger aux artistes de Saint-Pétersbourg - et, bien sûr, aucune unification n'est possible. En 1910, le "Monde de l'Art" redonne son nom. Mais le monde de l'art n'abandonne pas l'idée de la coopération la plus large, et maintenant, lors de leurs expositions, on peut rencontrer à la fois les symbolistes de la Rose bleue et les Frondeurs du valet de carreau, et en général n'importe qui - jusqu'à Malevitch.

Benois évite le pouvoir, c'est pourquoi en 1910 Nicholas Roerich prend la tête du Monde de l'Art, un homme et un artiste d'un tout autre entrepôt, presque hostile au vrai Monde de l'Art. Et en 1921, l'association sera entièrement dirigée par Ilya Mashkov, le plus effronté des "Jacks of Diamonds" - il usurpe simplement la marque. Mais ce ne sera qu'une existence posthume, même si formellement le "Monde de l'Art" ne sera dissout qu'en 1924. A cette époque, aucun de ses fondateurs ne serait resté en Russie, à l'exception de Benoit (il émigrera aussi bientôt), Lansere et Ostroumova-Lebedeva.

Nicholas Roerich en costume tibétain. années 1920 La Bibliothèque du Congrès

Il faut dire que les idéologues et créateurs du Monde de l'Art étaient en partie conscients du caractère éphémère de leur entreprise. Ils ont ressenti le début d'une autre vie et l'apparition d'autres personnes qui les pousseraient hors du champ culturel. Ce sentiment est clairement exprimé dans le discours de Diaghilev prononcé dès 1905. Et ce discours tout à fait prophétique mérite d'être cité :

« N'avez-vous pas l'impression que la longue galerie de portraits de grands et de petits personnages, dont j'ai essayé de peupler les magnifiques salles du Palais de Tauride, n'est qu'un résultat grandiose et convaincant, résumé par un brillant, mais, hélas, et période morte de notre histoire ?<…>J'ai mérité le droit de le dire haut et fort, puisqu'avec le dernier souffle du vent d'été j'ai terminé mes longs détours le long et à travers la vaste Russie. Et c'est après ces errances gourmandes que j'ai surtout acquis la conviction que l'heure des résultats était venue. Je l'ai observé non seulement dans les brillantes images d'ancêtres, si évidemment éloignés de nous, mais surtout dans les descendants vivant leur vie. La fin de vie est là. Des majorats sourds barricadés, terribles avec leurs palais de splendeur morte, étrangement habités par les beaux gens moyens d'aujourd'hui qui ne supportent plus le fardeau des parades d'autrefois. Ce ne sont pas les gens qui survivent ici, mais la vie qui survit. Et c'est à ce moment-là que j'ai été complètement convaincu que nous vivons une terrible période de changement ; nous sommes condamnés à mourir pour donner naissance à une nouvelle culture qui nous enlèvera ce qui reste de notre sagesse fatiguée. L'histoire le dit, l'esthétique le confirme. Et maintenant, ayant plongé dans les profondeurs de l'histoire des images artistiques et devenant ainsi invulnérable aux reproches de radicalisme artistique extrême, je peux dire avec audace et confiance que celui qui est sûr que nous sommes témoins du plus grand moment historique de l'histoire ne se trompe pas. débouche et se termine au nom d'une nouvelle culture inconnue qui surgit par nous, mais aussi nous emporte. Et donc, sans peur ni incrédulité, je lève mon verre aux murs en ruine de beaux palais, ainsi qu'aux nouveaux testaments d'une nouvelle esthétique.

MODERNE RUSSE (voir Art nouveau, "style moderne") - un terme conditionnel qui reflète le développement de l'art en Russie au tournant des XIXe et XXe siècles. Le terme « moderne » a du mal à désigner un certain style, puisque dans la période 1880-1910. divers mouvements artistiques et écoles se sont développés de manière intensive. De manière générale, l'art de cette période se caractérise par des aspirations anti-éclectiques et la recherche d'un "grand style" réunissant différents types d'art. En Russie, il faut ajouter à cela la tradition de l'objectivité, la matérialité des formes artistiques. Ces formes ne sont pas devenues éphémères, destructrices et atectoniques, comme cela s'est produit dans l'art de l'Art nouveau français ou de l'Art nouveau allemand (cf. "Ateliers viennois").

Architecture moderne de Moscou. Les stylisations sur le thème gothique et les stylisations néo-russes dans l'œuvre de Shekhtel ont une caractéristique commune - le grotesque, basé sur une combinaison de rendu exagéré de détails historiques et d'une solution plastique à l'espace intérieur. Dans le style néo-russe, il réalise les projets du pavillon du Département russe de l'Exposition internationale à Glasgow en 1901 et de la gare Yaroslavsky à Moscou en 1902, et V.M. Vasnetsov. L'image architecturale de ces bâtiments reproduisait l'esprit épique de l'Antiquité à l'aide d'une synthèse de techniques et de moyens de composition traditionnels et innovants. Parmi les bâtiments de Shekhtel de la branche décorative internationale de l'Art nouveau russe, qui avait des racines franco-belges et viennoises, le plus fondamental et le plus important en termes de développement est la construction du manoir Ryabushinsky à Moscou. Le thème de la vague, des lignes et des formes plastiques traverse divers éléments de décoration et d'équipement des intérieurs du manoir, conçus par l'architecte lui-même.

L'Art nouveau de Saint-Pétersbourg est souvent considéré comme une variante de l'Art nouveau du Nord de la Finlande et de la Lettonie. Sa caractéristique est une combinaison de rigueur classique et de clarté rationaliste des façades et des intérieurs (Lidval, Meltzer, A.I. Gauguin, N.V. Vasiliev, Baranovsky, Brzhozovsky).

À Saint-Pétersbourg, à l'usine Meltzer, des meubles légers et confortables sont fabriqués à partir de bois clairs, y compris des inserts en verre coloré qui étaient à la mode à l'époque. Parmi les intérieurs de Meltzer, on peut noter la Grande étude gothique de Nicolas II au Palais d'Hiver, les intérieurs d'un cottage à Peterhof, les intérieurs du manoir Ryabushinsky à Moscou.

Au début du 20ème siècle Deux expositions ont eu lieu, dont la tâche était de montrer au large public les possibilités d'un nouveau style dans la création d'un intérieur. Le premier - "Architecture et métiers d'art d'un nouveau style" - à Moscou en décembre 1902. Le second est "l'Art Moderne" en janvier 1903 à Saint-Pétersbourg.

La diffusion du nouveau mouvement artistique a été facilitée par les magazines de Saint-Pétersbourg "World of Art" et "Art and Artistic Industry". Le premier numéro de Le monde de l'art a été publié en novembre 1898, qui a ensuite pris une place de choix parmi les publications littéraires et artistiques en Russie de l'époque. Le cœur du magazine était Sergei Diaghilev. Par son apparence, le magazine contraste fortement avec les périodiques de l'époque. L'orientation artistique du "Monde de l'Art" était associée à l'Art Nouveau et au Symbolisme. Contrairement aux idées des Wanderers, les artistes du Monde de l'Art ont proclamé la priorité du principe esthétique dans l'art. Avec la création du Monde de l'Art, Lev Bakst en est devenu un participant actif. Il n'y a presque pas d'ornements floraux sur les couvertures et les vignettes réalisées par Bakst pour le magazine. Bakst a également travaillé avec succès dans le genre du portrait.

Un exemple frappant de l'Art nouveau russe est l'œuvre de l'artiste exceptionnel Mikhail Alexandrovich Vroubel (1856-1910). Le culte de la beauté fragile, du mystère et de la tendresse douloureuse, qui caractérise l'idéal esthétique de la période moderne, n'était pas non plus étranger à Vroubel. Cependant, même dans les intrigues les plus fantastiques inhérentes à la tradition de l'Europe occidentale, par exemple dans une série d'esquisses pour le panneau Faust, la structure artistique-figurative et même le style conventionnel de Vroubel sont beaucoup plus profonds et plus traditionnels que ceux de l'Europe. Symbolistes. En tant qu'artiste de la période Art nouveau, Vrubel est plus savant et plus large, son talent dépasse les frontières d'une certaine époque, méthode et style. Dans le tableau "Seated Demon" (1890), entouré de fantastiques "fleurs de pierre", Vroubel dépeint une figure terne et naturaliste, semblable à un modèle académique, conçue pour personnifier un démon - "l'esprit de déni, l'esprit de doute ." Dans l'Art nouveau russe, des tendances de stylisation décorative proches de l'Art nouveau franco-belge (Fig. 309) coexistent avec des aspirations orientales (voir les saisons des ballets russes à Paris). Des tendances similaires caractérisent l'architecture de cette époque. Artiste hors pair, l'architecte Fiodor Ossipovitch Shekhtel (1859-1926) oscille entre le style de l'Art nouveau viennois, l'Art nouveau français, le néogothique et le néoclassicisme. Un monument caractéristique du Saint-Pétersbourg moderne est le bâtiment de la gare de Vitebsk (conçu par S. A. Brzhozovsky et S. I. Minash, 1902-1904). Sa façade principale est asymétrique, ce qui est typique de l'architecture Art nouveau, les intérieurs sont dominés par des motifs floraux Art nouveau et le coin nord-est, spectaculairement arrondi, du bâtiment est décoré d'une colonnade dorique dans une combinaison inhabituelle avec une ornementation "moderne". Des allusions similaires, la combinaison de classiques avec de nouveaux éléments sont également caractéristiques d'autres tendances stylistiques de l'architecture du Saint-Pétersbourg moderne.