Atteggiamento verso il lavoro di Ostrovsky. Caratteristiche dello stile Ostrovsky ha aperto al mondo

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"Ho lavorato per tutta la vita."

Diapositiva 1 e 2.

Obiettivi della lezione: presentare agli studenti un nuovo autore; determinare l'originalità del suo lavoro, espressa nella riflessione sui problemi dell'epoca; mostrare innovazione e tradizione nel lavoro di A.N. Ostrovsky, l'originalità del suo stile.

Diapositiva 3.

Durante le lezioni

io. Lezione del docente con presentazione.

diapositiva 4.

1. Pagine della storia del teatro russo prima di A.N. Ostrovsky (informazioni). L'originalità dei temi delle opere drammatiche; caratteristiche degli eroi (proprietà); principi di caratterizzazione. I predecessori di A. Ostrovsky: D.I. Fonvizin, AS Griboedov, AS Pushkin, N.V. Gogol.

Diapositiva 5.

2. Caratteristiche delle opere di Ostrovsky. Un nuovo eroe, che la letteratura russa non conosceva prima di lui. "Ha aperto al mondo un uomo di nuova formazione: un mercante vecchio credente e un mercante capitalista, un mercante con un cappotto armeno e un mercante con una troika, che viaggiava all'estero e faceva i suoi affari. Ostrovsky ha spalancato le porte al mondo, finora rinchiuso dietro alti recinti da occhi indiscreti" - scrisse V.G. Marantsman. Il nuovo eroe di Ostrovsky determina l'originalità dei problemi e dei temi delle commedie, le caratteristiche dei personaggi dei personaggi.

Diapositive 6-13

3. Pagine della biografia del drammaturgo: famiglia, Zamoskvorechie, studio, servizio. La vita a Zamoskvorechye, il lavoro nei tribunali coscienziosi e commerciali, dove i principali "clienti" sono i mercanti, ha permesso al drammaturgo di osservare la vita della classe mercantile. Tutto ciò si riflette nelle opere teatrali di Ostrovsky, i cui personaggi sembrano presi dalla vita. L'incredibile capacità lavorativa dello scrittore ha contribuito alla nascita di 48 opere in cui agiscono 547 eroi.

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4. Inizio dell'attività letteraria.

Il percorso creativo di A. Ostrovsky.

La prima opera - l'opera teatrale "Debitore insolvente" - apparve nel 1847 sul quotidiano "Moscow city sheet". Nel 1850, la stessa opera, modificata dall'autore, fu pubblicata sulla rivista Moskvityanin. Poi è stato arrestato per 10 anni, perché in esso, secondo Dobrolyubov, "... la dignità umana, la libertà dell'individuo, la fede nell'amore e nella felicità e il santuario del lavoro onesto" sono stati ridotti in polvere e sfacciatamente calpestati da tiranni.

"Questo è quello che sto facendo ora, combinando lo sballo con il fumetto", scrisse Ostrovsky nel 1853, definendo l'emergere di un nuovo eroe, un eroe con un "cuore caldo", onesto, diretto. Uno dopo l'altro, le opere teatrali "La povertà non è un vizio", "Non sedersi sulla propria slitta", "Posto redditizio", "Foresta", "Cuore caldo", "Talenti e ammiratori", "Colpevole senza colpa" e ne compaiono altri. "E un tale spirito è diventato in me: non ho paura di niente! Sembra che mi abbia fatto a pezzi, lo metterò ancora da solo", dice l'eroina dello spettacolo "The Pupil". "Non ho paura di niente" - questa è la cosa principale nel nuovo eroe di Ostrovsky.

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The Thunderstorm (1860) è un'opera teatrale su una personalità che si risveglia e protesta che non vuole più vivere secondo le leggi che sopprimono la personalità.

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"Forest" (1870) - il gioco solleva le eterne questioni delle relazioni umane, cerca di risolvere il problema della morale e dell'immorale.

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"The Snow Maiden (1873) è uno sguardo al mondo antico, patriarcale, fiabesco, in cui dominano anche le relazioni materiali (Bobyl e Bobylikha).

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"Dowry" (1879) - lo sguardo del drammaturgo 20 anni dopo sui problemi sollevati nel dramma "Thunderstorm".

II. Spettacoli degli studenti. Compiti individuali per la lezione.

Diapositive 24-38

1. Caratteristiche dello stile di Ostrovsky (compiti individuali)

Cognomi parlanti;
Una presentazione insolita dei personaggi nel poster, che definisce il conflitto che si svilupperà nella commedia;
Osservazioni specifiche dell'autore;
Il ruolo dello scenario presentato dall'autore nel determinare lo spazio del dramma e il tempo dell'azione
L'originalità dei nomi (spesso da proverbi e detti russi);
Momenti popolari;
Considerazione parallela di eroi comparati;
Il significato della prima replica dell'eroe;
"Aspetto preparato", i personaggi principali non compaiono subito, altri ne parlano prima;
La particolarità delle caratteristiche del linguaggio dei personaggi.

Domande finali

Diapositiva 39

Possiamo parlare della modernità delle opere di Ostrovsky? Dimostra il tuo punto.
Perché i teatri moderni si rivolgono costantemente alle opere del drammaturgo?
Perché è così difficile "modernizzare" le opere di A. N. Ostrovsky?

III. Riepilogo della lezione.

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UN. Ostrovsky ha aperto una pagina sconosciuta allo spettatore, portando sul palco un nuovo eroe: un mercante. Prima di lui, la storia del teatro russo consisteva solo in pochi nomi. Il drammaturgo ha dato un enorme contributo allo sviluppo del teatro russo. Il suo lavoro, continuando le tradizioni di Fonvizin, Griboedov, Pushkin, Gogol, è innovativo nella rappresentazione degli eroi, nel linguaggio dei personaggi e nei problemi socio-morali sollevati.

Compiti a casa:

Tempesta drammatica. La storia della creazione, il sistema delle immagini, i metodi per svelare i caratteri dei personaggi. La natura del conflitto. Il significato del nome.

Gruppo 1. Storia del gioco. Messaggi degli studenti (compiti a casa con letteratura aggiuntiva).

Gruppo 2 Il significato del titolo dell'opera è "Temporale".

Gruppo 3. Il sistema dei personaggi nel gioco

Gruppo 4. Caratteristiche della divulgazione dei personaggi degli eroi.

Per il 1847 - 1886 Alexander Nikolayevich Ostrovsky (vedi il suo riassunto e la biografia sul nostro sito Web) ha scritto una quarantina di opere teatrali in prosa e altre otto in versi vuoti. Sono tutti di diverso merito, ma nel complesso rappresentano senza dubbio la più notevole collezione di opere drammatiche che sia in lingua russa. Griboedov e Gogol scrissero commedie grandiose e del tutto originali, e il loro genio superò Ostrovsky, ma era Ostrovsky che era destinato a creare una scuola di recitazione russa, un teatro russo degno di stare accanto ai teatri nazionali dell'Occidente, se non pari , quindi paragonabile a loro.

Ritratto di Alexander Nikolayevich Ostrovsky. Artista V. Perov, 1871

I limiti dell'arte di Ostrovsky sono evidenti. Le sue opere (con poche eccezioni) non sono tragedie o commedie, ma appartengono al genere drammatico medio e bastardo. Il piano drammatico della maggior parte di essi, sacrificato al metodo delle "sezioni di vita", è privo della solida consistenza dell'arte classica. Salvo poche eccezioni, non c'è poesia nei suoi drammi, e anche dove è presente, come in Temporale, questa è la poesia dell'atmosfera, non delle parole e della trama. Ostrovsky, sebbene sia un meraviglioso maestro del dialogo tipico e individualizzato, non è un maestro del linguaggio nel senso in cui lo erano Gogol e Leskov. In un certo senso, anche il suo stesso radicamento nel suolo russo è limitato, perché le sue opere sono sempre strettamente locali e non hanno un significato universale. Se non fosse per questa limitazione, se fosse tutto umano, rimanendo nazionale, il suo posto sarebbe tra i più grandi drammaturghi.

Letteratura russa del XIX secolo. Aleksandr Nikolaevich Ostrovsky. Videolezione

Tuttavia, l'ampiezza, la portata, la diversità della sua visione della vita russa è quasi illimitata. È il meno soggettivo degli scrittori russi. I suoi personaggi non sono in alcun modo un'emanazione dell'autore. Questi sono i veri riflessi degli "altri". Non è uno psicologo, ei suoi personaggi non sono quelli di Tolstoj, nel cui mondo interiore veniamo introdotti dal potente potere dell'intuizione dell'autore: sono solo persone come le altre persone le vedono. Ma questo realismo superficiale non è il realismo esteriore, pittorico di Gogol e Goncharov, è un realismo veramente drammatico, perché rappresenta le persone nei loro rapporti con le altre persone, che è il modo più semplice e antico di caratterizzazione, accettato sia nella narrazione che nel dramma - attraverso la parola e l'azione; solo qui questo metodo è arricchito da un'enorme abbondanza di dettagli sociali ed etnografici. E, nonostante questa superficialità, i personaggi di Ostrovsky hanno individualità e originalità.

Queste osservazioni generali si riferiscono principalmente alle prime e più caratteristiche opere di Ostrovsky, scritte prima del 1861 circa. Le trame di queste opere sono tratte, di regola, dalla vita dei mercanti di Mosca e provincia e dagli strati inferiori della burocrazia. Il quadro ampio e versatile della vita antiquata e non europeizzata della classe mercantile russa impressionò soprattutto i contemporanei di Ostrovsky nel suo lavoro, perché erano interessati alla realtà incarnata nell'opera letteraria e non alla sua trasformazione in arte. I critici del 1850 hanno versato molto inchiostro, chiarendo l'atteggiamento di Ostrovsky nei confronti della vecchia classe mercantile russa. Egli stesso fornì cibo abbondante per tali discussioni e per qualsiasi tipo di interpretazione, perché le sue simpatie artistiche sono distribuite in modo diverso nei diversi drammi. Qualsiasi interpretazione, dalla più entusiastica idealizzazione dell'incrollabile conservatorismo e del dispotismo patriarcale alla furiosa denuncia della classe mercantile come incorreggibile regno oscuro, potrebbe trovare sostegno nel testo delle sue opere. Il vero atteggiamento di Ostrovsky nei confronti di tutto ciò semplicemente non era sempre lo stesso, la posizione morale e sociale erano per lui circostanze essenzialmente secondarie. Il suo compito era costruire opere teatrali partendo da elementi della realtà così come la vedeva lui. Le questioni di simpatia e antipatia erano per lui una questione di pura tecnica, di drammaticità, poiché, sebbene fosse un "antiartista" e un realista, sentiva molto acutamente quelle leggi interne, secondo le quali, e non secondo il leggi della vita, doveva costruire ogni nuova commedia. Quindi, per Ostrovsky, la valutazione morale del mercante padre di famiglia, che tiranneggia i suoi cari, dipendeva dalla sua funzione drammatica in questa commedia. Ma a parte questo, è straordinariamente difficile farsi un'idea della prospettiva sociale e politica di Ostrovsky. Era lo scrittore più obiettivo e imparziale, e l'interpretazione data alle sue opere dal suo amico e propagandista Apollon Grigoriev - "ammirazione sfrenata per le forze organiche di una vita nazionale incontaminata" - è tanto estranea al vero Ostrovsky quanto l'anti -propaganda tradizionale e rivoluzionaria che ha spremuto da cui Dobrolyubov.

Le opere tecnicamente più interessanti di Ostrovsky sono le prime due: fallito(scritto nel 1847–1849 e pubblicato con il titolo La nostra gente - contiamo nel 1850) e povera sposa(pubblicato nel 1852 e messo in scena nel 1853). Il primo è stato l'inizio più sorprendente e sensazionale dell'attività di un giovane autore, che era solo nella letteratura russa. Entra sposarsi dare un esempio di un'immagine caratteristica dell'ambiente mercantile. In particolare, il tipo di sensale praticante tra i mercanti era già ampiamente utilizzato. Raffigurando solo personaggi spiacevoli, Ostrovsky ha seguito le orme di Gogol Revisore dei conti. Ma andò anche oltre e abbandonò la più venerabile e antica delle tradizioni comiche: la giustizia poetica, il vizio punitivo. Il trionfo del vizio, il trionfo del più spudorato dei personaggi della commedia, gli conferisce una nota speciale di audace originalità. Questo è ciò che ha fatto arrabbiare anche i vecchi realisti come Shchepkin, che ha trovato la commedia di Ostrovsky cinica e sporca. Il realismo di Ostrovsky, nonostante l'evidente influenza di Gogol, è essenzialmente l'opposto di lui. È estraneo all'espressività per amore dell'espressività; non cade né nella caricatura né nella farsa; si basa su una conoscenza approfondita, profonda e di prima mano della vita descritta. Il dialogo mira alla verità della vita e non alla ricchezza verbale. La capacità di usare il linguaggio realistico in modo discreto, senza cadere nel grottesco, è una caratteristica essenziale dell'arte dei realisti russi, ma con Ostrovsky ha raggiunto la perfezione. Infine, la costruzione non teatrale delle commedie non è assolutamente di Gogol e, rifiutando consapevolmente qualsiasi trucco e calcolo per l'effetto scenico, Ostrovsky raggiunge la vetta fin dall'inizio. La cosa principale nel gioco sono i personaggi e l'intrigo è completamente determinato da loro. Ma i personaggi sono presi nell'aspetto sociale. Questi non sono uomini e donne in generale, questi sono mercanti e impiegati di Mosca che non possono essere strappati via dalla loro situazione sociale.

A fallito Ostrovsky ha mostrato quasi completamente l'originalità della sua tecnica. Nella sua seconda opera si spinge oltre nella direzione della de-teatricalizzazione del teatro. povera sposa sia nel tono che nell'atmosfera non è in alcun modo simile fallito. L'ambiente qui non è mercantile, ma meschino burocratico. Il sentimento sgradevole che evoca è riscattato dall'immagine dell'eroina, una ragazza forte che non è affatto inferiore e molto più vivace delle eroine di Turgenev. La sua storia ha un finale caratteristico: dopo che il suo ideale romantico ammiratore l'ha lasciata, si sottomette al destino e sposa il fortunato cafone Benevolensky, che solo può salvare sua madre dall'inevitabile rovina. Ogni personaggio è un capolavoro e l'abilità di Ostrovsky di costruire l'azione interamente sui personaggi è al top qui. Ma l'ultimo atto è particolarmente notevole: un'audace novità tecnica. Lo spettacolo si conclude con una scena di massa: la folla discute del matrimonio di Benevolensky, e qui viene introdotta una nuova straordinaria nota con l'apparizione della sua ex amante tra la folla. La moderazione e il contenuto interiore di queste ultime scene, in cui i personaggi principali appaiono a malapena, erano davvero una parola nuova nell'arte drammatica. Il potere di Ostrovsky nel creare un'atmosfera poetica si è manifestato per la prima volta proprio nel quinto atto. povera sposa.

Ostrovsky non si è mai fermato e ha sempre continuato a cercare nuovi modi e metodi. Nelle sue ultime commedie ( Dote, 1880) ha provato un metodo più psicologico per creare i personaggi. Ma in generale, le sue ultime opere testimoniano un certo inaridimento delle forze creative. Al momento della sua morte ha dominato la scena russa per l'enorme quantità delle sue opere. Ma gli eredi che lasciò furono persone mediocri e poco creative, capaci solo di scrivere opere teatrali con "ruoli riconoscenti" per attori e attrici eccellenti, cresciute alla scuola di Shchepkin e Ostrovsky, ma incapaci di continuare la tradizione vivente del dramma letterario.

Dote drammatica di Ostrovsky psicologica

I meriti di Ostrovsky davanti alla drammaturgia russa, davanti al teatro nazionale sono enormi. Da quasi quarant'anni di attività creativa A.N. Ostrovsky ha creato il repertorio più ricco: una cinquantina di opere originali, diversi brani scritti in collaborazione. Fu anche impegnato in traduzioni e adattamenti di opere teatrali di altri autori. Un tempo, accogliendo il drammaturgo in occasione del 35° anniversario della sua carriera, I.A. Goncharov ha scritto: "Hai portato un'intera biblioteca di opere d'arte in dono alla letteratura, hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Tu solo hai completato l'edificio, sulla cui fondazione hai posto le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol. Ma solo dopo di voi, noi russi, possiamo dire con orgoglio: “Abbiamo il nostro teatro nazionale russo. Dovrebbe essere giustamente chiamato il "Teatro Ostrovsky" Zhuravlev A.I., Nekrasov V.N. Teatro A.N. Ostrovskij. - M.: Art. 1986, pag. otto..

Il talento di Ostrovsky, che ha continuato le migliori tradizioni della drammaturgia russa classica, affermando la drammaturgia dei personaggi e dei costumi sociali, una generalizzazione profonda e ampia, ha avuto un'influenza decisiva sull'intero sviluppo successivo della drammaturgia russa progressista. In misura maggiore o minore, L. Tolstoj e Cechov hanno imparato da lui e hanno proceduto da lui. È proprio con la linea della drammaturgia psicologica russa che Ostrovsky ha rappresentato così splendidamente che la drammaturgia di Gorky è collegata. L'abilità drammatica di Ostrovsky è allo studio e sarà studiata a lungo dagli autori moderni.

È giusto dire che anche prima di Ostrovsky, la drammaturgia progressista russa aveva spettacoli magnifici. Ricordiamo "Undergrowth" di Fonvizin, "Woe from Wit" di Griboyedov, "Boris Godunov" di Pushkin, "Inspector General" di Gogol e "Masquerade" di Lermontov. Ognuna di queste opere potrebbe arricchire e abbellire, come ha giustamente scritto Belinsky, la letteratura di qualsiasi paese dell'Europa occidentale.

Ma questi spettacoli erano troppo pochi. E non hanno determinato lo stato del repertorio teatrale. In senso figurato, torreggiavano al di sopra del livello della drammaturgia di massa come montagne solitarie e rare in un'infinita pianura desertica. La stragrande maggioranza delle opere teatrali che riempivano la scena teatrale di allora erano traduzioni di vaudeville vuoto e frivolo e melodrammi sentimentali intessuti di orrori e crimini. Sia il vaudeville che il melodramma, terribilmente lontani dalla vita reale, specialmente dalla vera realtà russa, non ne erano nemmeno l'ombra.

Il rapido sviluppo del realismo psicologico, che osserviamo nella seconda metà del XIX secolo, si è manifestato anche nella drammaturgia. L'interesse per la personalità umana in tutti i suoi stati ha costretto gli scrittori a cercare i mezzi per esprimerli. Nel dramma, il principale mezzo di questo tipo era l'individualizzazione stilistica del linguaggio dei personaggi, ed è stato Ostrovsky a svolgere il ruolo principale nello sviluppo di questo metodo.

Inoltre, Ostrovsky, nello psicologismo, ha tentato di andare oltre, lungo la strada per fornire ai suoi eroi la massima libertà possibile nell'ambito delle intenzioni dell'autore: il risultato di un tale esperimento è stata l'immagine di Katerina in The Thunderstorm. Alexander Nikolaevich Ostrovsky considerò l'inizio del suo percorso letterario nel 1847, quando lesse l'opera teatrale "Family Picture" con grande successo nella casa di un professore e scrittore della joint venture. Shevyreva. La sua prossima opera teatrale "La mia gente - sistemiamoci!" (nome originale "fallito") ha fatto conoscere il suo nome a tutti coloro che leggono la Russia. Dall'inizio degli anni '50. collabora attivamente alla rivista dello storico M.P. Pogodin "Moskvityanin" e presto, insieme ad A.A. Grigoriev, LA Meem e altri hanno formato il "giovane comitato editoriale" di "Moskvitianin", che ha cercato di fare del giornale un organo di una nuova tendenza nel pensiero sociale, vicino allo slavofilismo e anticipatore del pochvenismo. La rivista promuoveva l'arte realistica, l'interesse per la vita popolare e il folclore, la storia russa, in particolare la storia delle classi svantaggiate.

Ostrovsky è arrivato alla letteratura come creatore di uno stile teatrale distintivo a livello nazionale, basato sulla poetica sulla tradizione del folclore. Ciò si è rivelato possibile perché ha iniziato con l'immagine degli strati patriarcali del popolo russo, che ha preservato lo stile di vita familiare e culturale pre-petrino, quasi non europeizzato. Era ancora un ambiente “pre-personale”, per la sua rappresentazione, la poetica del folklore poteva essere utilizzata il più ampiamente possibile con la sua estrema generalizzazione, con tipi stabili, come se fosse immediatamente riconoscibile da ascoltatori e spettatori, e anche con una ricorrenza principale situazione della trama: la lotta degli amanti per la loro felicità. Su questa base, è stato creato il tipo di commedia psicologica popolare di Ostrovsky Letteratura russa del XIX-XX secolo / Comp. BS Bugrov, MM Golubkov. - M.: Aspect Press, 2000, p. 202..

È importante capire cosa ha predeterminato la presenza del dramma psicologico nell'opera di Alexander Nikolayevich Ostrovsky. Innanzitutto, a nostro avviso, dal fatto che in origine realizzava le sue opere per il teatro, per incarnazione scenica. L'opera teatrale era per Ostrovsky la forma più completa di pubblicazione di un'opera teatrale. Solo quando viene eseguita sul palcoscenico la narrativa drammatica dell'autore assume una forma completamente finita e produce esattamente quell'effetto psicologico, il cui raggiungimento l'autore si è posto come obiettivo di Kotikova P.B. La voce dello spettatore - un contemporaneo. (F.A. Koni su A.N. Ostrovsky) / / Letteratura a scuola. - 1998. - N. 3. - S. 18-22 ..

Inoltre, nell'era di Ostrovsky, il pubblico teatrale era più democratico, più "variegato" in termini di livello sociale ed educativo rispetto ai lettori. Secondo Ostrovsky, per la percezione della narrativa sono necessari un certo livello di istruzione e l'abitudine di una lettura seria. Lo spettatore può andare a teatro semplicemente per divertimento, e spetta al teatro e al drammaturgo fare dello spettacolo sia un piacere che una lezione morale. In altre parole, l'azione teatrale dovrebbe avere il massimo impatto psicologico sullo spettatore.

L'orientamento all'esistenza scenica del dramma determina anche la particolare attenzione dell'autore alle caratteristiche psicologiche di ogni personaggio: sia il personaggio principale che quello secondario.

Lo psicologismo della descrizione della natura predeterminava lo scenario futuro della scena.

UN. Ostrovsky ha assegnato un ruolo significativo al titolo di ciascuna delle sue opere, concentrandosi anche sull'ulteriore produzione teatrale, che in generale non era tipica della letteratura russa dell'era del realismo. Il fatto è che lo spettatore percepisce lo spettacolo immediatamente, non può, come il lettore, fermarsi e pensare, tornare all'inizio. Pertanto, deve essere immediatamente sintonizzato psicologicamente dall'autore all'uno o all'altro tipo di spettacolo che sta per vedere. Il testo della performance, come sapete, inizia con una locandina, ovvero il titolo, la definizione del genere e l'elenco dei molteplici personaggi caratterizzati. Già il poster, quindi, raccontava allo spettatore il contenuto e il "come finisce", e spesso anche la posizione dell'autore: con chi simpatizza l'autore, come valuta l'esito dell'azione drammatica. I generi tradizionali in questo senso erano i più definiti e chiari. Commedia significa che per i personaggi con cui l'autore e lo spettatore simpatizzano, tutto finirà felicemente (il significato di questo benessere può, ovviamente, essere molto diverso, a volte in contrasto con l'idea pubblica) Zhuravleva A.I. Recita di A.N. Ostrovsky sul palcoscenico teatrale//Letteratura a scuola. - 1998. - N. 5. - S. 12-16 ..

Ma con la complicazione della vita rappresentata nella commedia, è diventato sempre più difficile dare una chiara definizione di genere. E spesso rifiutando il nome "commedia", Ostrovsky chiama il genere "scena" o "immagine". "Scene" - un genere del genere è apparso con Ostrovsky in gioventù. Poi è stato associato alla poetica della "scuola naturale" ed era una sorta di saggio drammatizzato, disegnando tipi caratteristici nella trama, che è un episodio separato, un'immagine della vita dei personaggi. Nelle "scene" e nei "quadri" degli anni Sessanta e Settanta dell'Ottocento, vediamo qualcos'altro. Qui abbiamo una trama completamente sviluppata, uno sviluppo coerente dell'azione drammatica che porta a un epilogo che esaurisce completamente il conflitto drammatico. Il confine tra "scene" e commedia non è sempre facile da definire in questo periodo. Forse ci sono due ragioni per il rifiuto di Ostrovsky della definizione di genere tradizionale. In alcuni casi, al drammaturgo sembra che l'incidente divertente a cui si fa riferimento nell'opera teatrale non sia abbastanza tipico e "su larga scala" per una generalizzazione profonda e importanti conclusioni morali - vale a dire, Ostrovsky ha compreso l'essenza della commedia in questo modo (per esempio, "Non tutto è Maslenitsa per un gatto"). In altri casi, nella vita degli eroi c'era troppo triste e difficile, anche se il finale si è rivelato prospero ("Abyss", "Late Love") Zhuravleva A.I. Recita di A.N. Ostrovsky sul palcoscenico teatrale//Letteratura a scuola. - 1998. - N. 5. - S. 12-16 ..

Nelle opere teatrali degli anni '60 e '70 dell'Ottocento si verifica un graduale accumulo di drammi e si forma un eroe, necessario per il genere del dramma nel senso stretto della parola. Questo eroe, prima di tutto, deve avere una coscienza personale sviluppata. Finché non si sente interiormente, spiritualmente opposto all'ambiente, non se ne separa affatto, può suscitare simpatia, ma non può ancora diventare l'eroe di un dramma che richiede una lotta attiva ed efficace dell'eroe con le circostanze. La formazione della dignità morale personale e il valore extra-classe di una persona nelle menti dei lavoratori poveri, le masse urbane attirano il vivo interesse di Ostrovsky. L'aumento del sentimento di personalità causato dalla riforma, che ha catturato una parte piuttosto ampia della popolazione russa, fornisce materiale e costituisce la base per il dramma. Nel mondo artistico di Ostrovsky, con il suo brillante dono comico, un conflitto di natura drammatica continua spesso a risolversi in una struttura drammatica. “La verità è buona, ma la felicità è migliore” si rivela semplicemente una commedia, letteralmente sulla soglia del dramma: il prossimo “grande spettacolo”, a cui si fa riferimento nella lettera citata sopra, è “Dote”. Inizialmente concepito per "scene", a cui non attribuiva molta importanza, Ostrovsky nel corso del lavoro ha sentito l'importanza dei personaggi e del conflitto. E sembra che il punto qui sia principalmente nell'eroe: Platon Zybkin.

Un amico della giovinezza di Ostrovsky, uno straordinario poeta e critico A.A. Grigoriev ha visto "una delle alte ispirazioni" di Ostrovsky in Chatsky. Chiamò anche Chatsky "l'unica persona eroica nella nostra letteratura" (1862). A prima vista, l'osservazione del critico potrebbe sorprenderti: Griboedov e Ostrovsky hanno ritratto mondi molto diversi. Tuttavia, a un livello più profondo, si rivela la correttezza incondizionata del giudizio di Grigoriev.

Griboyedov ha creato nel dramma russo il tipo di "alto eroe", cioè un eroe, attraverso una parola diretta e liricamente vicina all'autore, rivelando la verità, valutando gli eventi che si svolgono nella commedia e influenzandone il corso. Era un eroe personale che aveva indipendenza e resisteva alle circostanze. A questo proposito, la scoperta di Griboedov influenzò l'intero corso successivo della letteratura russa del XIX secolo e, naturalmente, Ostrovsky.

L'attenzione su un vasto pubblico, diretto nelle loro percezioni e impressioni, ha determinato la spiccata originalità della drammaturgia di Ostrovsky. Era convinto che il pubblico del popolo nei drammi e nelle tragedie avesse bisogno di "un profondo sospiro, per tutto il teatro, hanno bisogno di lacrime calde non finte, discorsi ardenti che scorressero dritti nell'anima".

Alla luce di queste esigenze, il drammaturgo ha scritto commedie di grande intensità ideologica ed emotiva, comiche o drammatiche, che "catturano l'anima, fanno dimenticare il tempo e il luogo". Creando opere teatrali, Ostrovsky procedeva principalmente dalle tradizioni del dramma popolare, dalle esigenze del dramma forte e della grande commedia. "Gli autori russi vogliono cimentarsi", ha detto, "di fronte a un pubblico fresco, i cui nervi non sono molto malleabili, il che richiede un dramma forte, una grande commedia, provocando risate schiette e rumorose, sentimenti caldi e sinceri, vivaci e forti caratteri."

Il famoso critico teatrale F.A. Koni, famoso per la sua apertura mentale e il suo coraggio, apprezzò immediatamente l'alta qualità delle opere di Ostrovsky. Koni considerava la semplicità del contenuto uno dei meriti di un'opera drammatica e vedeva questa semplicità, elevata ad arte, nelle commedie di Ostrovsky nella delineazione dei volti. Koni ha scritto, in particolare, della commedia “I moscoviti”: “Il drammaturgo mi ha fatto innamorare dei personaggi da lui creati. mi ha fatto innamorare di Rusakov, Borodkin e Dunya, nonostante la loro intrinseca goffaggine, perché è riuscito a rivelare il loro lato umano interiore, che non poteva che influenzare l'umanità del pubblico ”Koni A.F. Sulla commedia "Moskvitians" // Repertorio e pantheon del palcoscenico russo. - 1853. - N. 4. - S. 34//Vedi. Kotikova PB La voce dello spettatore - un contemporaneo. (F.A. Koni su A.N. Ostrovsky) / / Letteratura a scuola. - 1998. - N. 3. - S. 18-22 ..

Anche A.F. Koni ha notato il fatto che prima di Ostrovsky "anche i contrasti (psicologici) non sono ammessi nella commedia russa: tutte le facce sono sullo stesso blocco - senza eccezioni, tutti i mascalzoni e gli sciocchi" Koni A.F. Qual è la nazionalità russa? // Repertorio e pantheon del palcoscenico russo. - 1853. - N. 4. - S. 3//Vedi. Kotikova PB La voce dello spettatore - un contemporaneo. (F.A. Koni su A.N. Ostrovsky) / / Letteratura a scuola. - 1998. - N. 3. - S. 18-22 ..

Pertanto, possiamo dire che già al tempo di Ostrovsky, i critici hanno notato la presenza nelle sue opere drammatiche di un sottile psicologismo, che potrebbe influenzare la percezione da parte del pubblico degli eroi delle opere teatrali.

Va notato che nelle sue commedie e drammi, Ostrovsky non si limitava al ruolo di un accusatore satirico. Ha dipinto in modo vivido e comprensivo le vittime del dispotismo socio-politico e domestico, i lavoratori, i ricercatori della verità, gli illuministi, i protestanti cordiali contro l'arbitrarietà e la violenza. Questi suoi eroi erano nel regno oscuro dell'autocrazia "raggi luminosi" annunciando l'inevitabile vittoria della giustizia Lakshin V.Ya. Teatro Ostrovsky. - M.: Art. 1985, pag. 28..

Punindo con una formidabile corte coloro che erano al potere, "oppressori", piccoli tiranni, simpatizzando con gli svantaggiati, attirando eroi degni di imitazione, Ostrovsky trasformò la drammaturgia e il teatro in una scuola di morale sociale.

Il drammaturgo non solo ha reso le persone del lavoro e del progresso, portatrici della verità e della saggezza popolare, gli eroi positivi delle sue opere, ma ha anche scritto in nome del popolo e per il popolo. Ostrovsky ha interpretato nelle sue opere la prosa della vita, la gente comune nelle circostanze quotidiane. Ma ha inquadrato questa prosa di vita nella cornice di tipi artistici di massima generalizzazione.

introduzione 3-8

Capitolo 1. Caratteristiche generali dell'A.N. Ostrovskij.

Pietre miliari nella vita di un drammaturgo. 9-28

capitolo 2 La storia della creazione dell'opera teatrale "Abyss". 29-63

§ 1. Analisi delle discrepanze più importanti nell'originale

e le versioni manoscritte finali. 34-59

§ 2. L'opera di A.N. Ostrovsky sulle osservazioni. 60-63

Conclusione 63-72

Bibliografia 73-76

In qualunque modo guardiamo

attività del signor Ostrovsky, dobbiamo

la riconosceremo come la più brillante,

attività più invidiabile nel moderno

a noi letteratura russa.

/A.Druzhinin/

introduzione .

Il lavoro di Alexander Nikolayevich Ostrovsky è un fenomeno eccezionale nella storia della letteratura e del teatro russi. In termini di ampiezza di copertura dei fenomeni della vita e varietà di mezzi artistici, AN Ostrovsky non conosce eguali nella drammaturgia russa. Ha scritto circa 50 opere teatrali. Un contemporaneo del drammaturgo I.A. Goncharov credeva che AN Ostrovsky avesse creato il suo mondo speciale, creato il teatro nazionale russo.

Il ruolo di Alexander Nikolaevich Ostrovsky nella storia dello sviluppo del dramma russo non può essere sopravvalutato. Il suo contributo alla cultura russa è paragonato a nomi noti come Shakespeare (Inghilterra), Lope de Vega (Spagna), Molière (Francia), Goldoni (Italia), Schiller (Germania).

Tra le opere teatrali della prima metà del XIX secolo, capolavori della drammaturgia realistica come Guai da Wit di Griboedov, Boris Godunov e Le "piccole tragedie" di Pushkin, L'ispettore governativo e il matrimonio di Gogol furono particolarmente importanti. Queste straordinarie commedie realistiche delineavano chiaramente le tendenze innovative nella drammaturgia russa.

La stragrande maggioranza delle opere che hanno riempito il palcoscenico teatrale erano traduzioni e adattamenti di opere teatrali dell'Europa occidentale. Ora nessuno conosce i nomi di M.V. Kryukovsky ("Pozharsky", 1807), S.I. Viskovaty ("Xenia e Temir", 1810?)

Dopo la sconfitta dei Decabristi (A.N. Ostrovsky, il futuro famoso drammaturgo, aveva solo due anni), nel repertorio teatrale apparvero opere cucite frettolosamente, in cui il posto principale era occupato da flirt, scene farsesche, aneddoti, errori, casualità, sorpresa, confusione, travestirsi, nascondersi. Sotto l'influenza della lotta sociale, il vaudeville ha cambiato il suo contenuto. Allo stesso tempo, insieme al vaudeville, il melodramma era molto popolare.

Il melodramma di V. Ducange e M. Duno "Trent'anni, o la vita di un musicista", tradotto dal francese, fu messo in scena per la prima volta in Russia nel 1828. Questo melodramma, riscuotendo successo, veniva spesso messo in scena sia nei teatri metropolitani che di provincia. La sua eccezionale popolarità è stata testimoniata anche da Ostrovsky nel dramma "Abyss". I guardiani della purezza morale del "Northern Bee" e altri organi della stampa reazionaria erano indignati dal fatto che le solite norme morali fossero state infrante nel melodramma: il crimine era giustificato, la simpatia era suscitata per personaggi apparentemente negativi. Ma non poteva essere bandito. Rafforzò ulteriormente l'ordine autocratico-feudale.

Nel 19 ° secolo, traduzioni delle opere di drammaturghi progressisti del romanticismo dell'Europa occidentale, come Schiller (Deceit and Love, 1827, Carlos, 1830, William Tell, 1830, The Robbers, 1828, 1833, 1834) e V .Hugo ( "Angelo, Tiranno di Padova", 1835-1836, lo spettacolo è stato messo in scena nella traduzione di M.V. Samoilova con il titolo "Attrice veneziana"). Durante questi anni, Belinsky e Lermontov hanno creato le proprie opere teatrali, ma nella prima metà del XIX secolo non sono andati a teatro.

NV Gogol ha contribuito alla creazione di un'identità realistica e nazionale nel teatro e AN Ostrovsky nel campo della drammaturgia. Il drammaturgo non solo ha reso gli eroi positivi delle sue opere il popolo del lavoro, i portatori della verità e della saggezza del popolo, ma ha anche scritto in nome del popolo e per il popolo.

Accogliendo il drammaturgo in occasione del 35° anniversario della sua carriera, Goncharov ha scritto che AN Ostrovsky ha donato un'intera biblioteca di opere d'arte alla letteratura e ha creato il suo mondo speciale per il palcoscenico. Lo scrittore ha anche apprezzato il ruolo significativo del drammaturgo nella creazione del teatro nazionale russo.

AN Ostrovsky ha avuto un impatto non solo sullo sviluppo del teatro e del teatro domestico, ma sui suoi ruoli i grandi talenti di A.E. Martynov, L.P. Kositskaya-Nikulina, KN Rybakov, M.N. Ermolova e molti altri.

N.S. Vasilyeva ha ricordato: "Ostrovsky ha dato a ogni volto dell'opera uno schema tale che è stato facile per l'attore riprodurre l'intenzione dell'autore. La caratterizzazione era chiara. E come in senso figurato, con quale entusiasmo e varietà di intonazione leggeva scene popolari! Gli artisti lo ascoltavano con riverenza!”

Per quasi mezzo secolo, AN Ostrovsky è stato un cronista della vita russa, ha rapidamente risposto ai nuovi fenomeni sociali emergenti, portato sul palco, solo personaggi emergenti.

Leggendo le sue opere, c'è un interesse per la storia della loro creazione. Come sapete, L.N. Tolstoj ha riscritto le sue opere molte volte, anche FM Dostoevskij non ha costruito immediatamente le trame dei suoi romanzi. E come ha funzionato AN Ostrovsky?

Nella Biblioteca statale russa, nel Dipartimento dei manoscritti, sono conservati i manoscritti di molte opere teatrali di A.N. Ostrovsky, come "Temporale", "La nostra gente - ci sistemeremo", "Dote", "Lupi e pecore" e altri, tra cui il manoscritto del dramma "Abyss", il più significativo tra i drammi di A.N. Ostrovsky sulla modernità dopo "Thunderstorm".

Lo scopo di questo lavoro è, nel processo di analisi del manoscritto dell'opera teatrale "Abissi", in primo luogo, mostrare il percorso che il drammaturgo ha compiuto, apportando modifiche e integrazioni al testo originale dell'opera teatrale, e determinarne la posto nella drammaturgia di A.N. Ostrovskij.

Prima di procedere alla caratterizzazione del manoscritto, è opportuno dire alcune parole sul lavoro di A.N. Ostrovsky sulle opere teatrali. Il lavoro di un drammaturgo è condizionalmente suddiviso in tre fasi. Nella prima fase, AN Ostrovsky ha osservato le persone circostanti e le loro relazioni. Non ho fatto schizzi, ho tenuto tutto nella mia testa. Quasi tutti i personaggi principali di molte opere teatrali di A.N. Ostrovsky hanno almeno due prototipi e lui stesso li ha indicati. Questo sottolinea ancora una volta il fatto che il drammaturgo non ha inventato i suoi personaggi e le sue situazioni, ma si è concentrato sui conflitti della vita. Ad esempio, l'attore N.Kh. Rybnikov è stato il prototipo di Neschastlivtsev nella commedia "Forest". Anche gli attori provinciali, in cui AN Ostrovsky ha visto il talento, erano dei prototipi.

Dopo l'accumulo di informazioni sufficienti, AN Ostrovsky ha proceduto a comprendere tutto ciò che vedeva, credendo che lo scrittore dovesse essere al livello dei requisiti avanzati dell'epoca. Va notato che in questa fase del suo lavoro, anche il drammaturgo non ha realizzato schizzi di opere teatrali.

Solo dopo aver ordinato le impressioni AN Ostrovsky ha proceduto alla compilazione della sceneggiatura. Quasi sempre c'era solo una bozza, ma nel processo di lavoro apparivano sempre nuovi pensieri. Pertanto, durante la revisione della bozza, sono comparsi degli inserti, alcuni punti sono stati cancellati e un'opera già completamente progettata e deliberata è stata stampata.

Per quanto riguarda i lavori letterari e di ricerca sull'opera di AN Ostrovsky di autori come L.R. Kogan, V.Ya. Lakshin, G.P. Pirogov, AI, informazioni complete sul dramma "Abyss", per non parlare del fatto che il suo manoscritto è stato lasciato senza attenzione e non è descritto dal punto di vista della ricerca in nessun lavoro.

Di grande interesse è il lavoro di N.P. Kashin "Etudes about AN not a vice" e molti altri. Ma anche da questo autore, l'opera teatrale "Abyss" è stata lasciata senza attenzione, sebbene in termini di drammaticità e caratteristiche psicologiche delle immagini, nonché nella sua idea, non sia in alcun modo inferiore alle opere teatrali di A.N. Ostrovsky, che sono già diventati libri di testo. Non è un caso che nel 1973, in occasione del 150° anniversario di A.N. Ostrovsky, il teatro che porta il suo nome mise in scena lo spettacolo “Abisso”, come una delle opere più significative e non meritatamente dimenticate del grande drammaturgo. Lo spettacolo è stato un enorme successo e ha funzionato per diverse stagioni al Maly Theatre.

L'autore di questo lavoro si è assunto il compito di "andare insieme ad A.N. Ostrovsky" il percorso creativo di creare l'opera teatrale "Abyss" dal concepimento alla versione finale e determinarne il posto nel lavoro del drammaturgo. Così, passo dopo passo, pagina dopo pagina, è stato aperto un laboratorio creativo per la creazione di uno spettacolo teatrale.

Il metodo di ricerca testuale descritto nelle opere di D.S. Likhachev, E.N. Lebedeva e altri è stato utilizzato nel lavoro sul manoscritto. Questo metodo consente di identificare le discrepanze, di comprendere il movimento del pensiero dell'autore dall'idea alla sua attuazione, ovvero di tracciare la graduale formazione del testo.

Gli scopi dello studio testuale sono due:

1.Preparazione del testo per la pubblicazione.

2. Analisi letteraria del testo.

Lo scopo dello studio in questo lavoro è un'analisi letteraria del testo dell'opera teatrale "Abysses", associata al chiarimento della sua storia di creazione per una comprensione più profonda dell'intenzione dell'autore, del contenuto e della forma dell'opera, della tecnica di lavoro del drammaturgo sul manoscritto dell'opera.

L'analisi testuale prevede i seguenti passaggi:

1. Lo studio della storia creativa della creazione dell'opera.

2. Confronto di tutte le varianti di bozze.

3. Conoscenza delle risposte, nel caso in cui l'opera sia stata letta prima della pubblicazione.

4. Confronto tra piante, schizzi, bozze e manoscritti bianchi.

In questo lavoro è stata utilizzata solo la prima fase dell'analisi testuale, poiché esiste un'unica bozza dell'opera teatrale "Abyss" di A.N. Ostrovsky, che è diventata oggetto di studio.

Il risultato di questo lavoro scrupoloso, ma molto interessante, è stato il presente lavoro, che è un tentativo di primo (forse l'unico) studio del manoscritto dell'opera teatrale "Abyss" di A.N. Ostrovsky.

Capitolo 1 Caratteristiche generali del lavoro di A.N. Ostrovsky.

Pietre miliari nella vita di un drammaturgo.

Alexander Nikolayevich Ostrovsky nacque a Mosca il 31 marzo (12 aprile) 1823, nella famiglia di un funzionario Nikolai Fedorovich Ostrovsky. Era il maggiore della famiglia. Il padre di Alexander Nikolaevich era un uomo istruito, si laureò all'accademia teologica, avanzò rapidamente nella sua carriera e si impegnò con successo in uno studio privato: era un avvocato, gestiva gli affari dei mercanti. Questo gli diede l'opportunità di costruire la propria casa a Zamoskvorechye, dove poteva invitare insegnanti familiari e in visita per i suoi figli.

Nel 1825 divenne dapprima segretario del personale del 1° dipartimento della Camera di Mosca del tribunale civile, poi fu promosso consigliere titolare e, di conseguenza, ricevette il grado di assessore collegiale. Questo gli diede il diritto alla nobiltà ereditaria.

Nikolai Fedorovich, che ha scritto poesie in gioventù, ha seguito le ultime novità in letteratura, si è abbonato a tutte le principali riviste: Moscow Telegraph, Domestic Notes, Library for Reading, Sovremennik. Aveva una solida biblioteca, che fu poi utilizzata da Alexander Nikolayevich. Un evento importante nella vita del giovane drammaturgo fu l'apparizione in casa della sua matrigna, la baronessa Emilia Andreevna von Tessin. Insieme a lei, nuovi gusti e abitudini sono entrati nella casa degli Ostrovsky, un'attenzione speciale è stata dedicata all'insegnamento della musica, delle lingue e dell'educazione dei costumi ai bambini ai bambini.

Nel 1835, Alexander Nikolaevich entrò nella terza elementare della prima palestra di Mosca e nel 1840 si diplomò con lode. Quindi, nello stesso anno, su insistenza di suo padre, fece domanda per l'ammissione alla facoltà di giurisprudenza dell'Università di Mosca.

Il futuro drammaturgo ha frequentato e superato con successo le discipline della formazione generale insegnate da brillanti professori: D.L. Kryukov (storia antica), PG Redkin (storia della giurisprudenza russa), TN Granovsky (storia media e moderna) e molti altri.

Nel secondo anno venivano già insegnate materie altamente specializzate, che non interessavano Ostrovsky. Dopo aver ricevuto un punteggio negativo durante il passaggio al terzo anno, il giovane drammaturgo abbandonò gli studi all'università.

Il padre, sconvolto, nominò suo figlio funzionario del tribunale di commercio.

Il servizio non ha affascinato Alexander Nikolaevich, ma gli ha dato un ricco materiale per la creatività.

Negli anni '40, AN Ostrovsky iniziò a esibirsi con i suoi primi lavori. Fu in questo decennio che il realismo finalmente prese forma e vinse come la principale tendenza letteraria.

“Formandosi negli anni '40 sotto l'influenza di Belinsky e Herzen, che difendevano l'idea di negare l'allora regime feudale-servo dominante, Ostrovsky vide la massima espressione del popolo in una direzione satirica accusatoria, nelle opere di Kantemir, Fonvizin , Kapnist, Griboedov e Gogol. Scrive: “Più l'opera è elegante, più è popolare, più questo elemento di denuncia in essa contenuto... Il pubblico si aspetta dall'arte di vestire in una forma viva ed elegante il suo giudizio sulla vita, si aspetta di combinarsi in immagini complete i vizi e le mancanze moderne notate nel secolo”.

Le prime opere drammatiche di A.N. Ostrovsky - "Family Picture" (1847) e "Own People - Let's Settle!" (1850) sono principalmente dedicate a tipi negativi e critiche all'arbitrarietà dispotica nelle relazioni familiari e domestiche.

Dobrolyubov ha scritto che AN Ostrovsky "ha trovato l'essenza dei (requisiti) generali della vita anche in un momento in cui erano nascosti ed espressi in modo molto debole".

Le idee del socialismo utopico, dell'ateismo e della rivoluzione hanno avuto un particolare successo tra i giovani in questi anni. Questa era una manifestazione del movimento di liberazione associato alla lotta contro la servitù della gleba.

Come i suoi amici più cari, AN Ostrovsky nella seconda metà degli anni '40 fu influenzato dalle opinioni del suo tempo.

A quel tempo, il pericolo pubblico era il fallimento, la lotta per il denaro, trascurando sia i legami familiari che le regole morali. Tutto ciò si rifletteva nelle trame di opere come "La propria gente - conteremo!", "La povertà non è un vizio", "Abisso", "Lupi e pecore", "Pane del lavoro", "Posto redditizio".

Una vivida espressione della profonda ammirazione di AN Ostrovsky per le persone è il suo amore per la poesia orale, causata durante l'infanzia dalle fiabe e dalle canzoni dell'infermiera. In futuro, si rafforzò e si sviluppò sotto l'influenza delle aspirazioni generali del drammaturgo, il suo interesse per i contadini. AN Ostrovsky in seguito ha condiviso alcune delle sue registrazioni di canzoni popolari con PI Yakushkin, PV Shein e altri collezionisti di folklore.

Dando primaria attenzione alla letteratura russa, il drammaturgo si interessò anche ai migliori esempi di letteratura straniera: in palestra lesse Sofocle, e nel 1850-1851 tradusse l'Asinaria di Plauto e l'Ippolito di Seneca. Inoltre, AN Ostrovsky ha seguito da vicino l'attuale letteratura dell'Europa occidentale. Alla fine degli anni '40, lesse i romanzi The Misdemeanor of Mr. Antoine di George Sand, Martin the Foundling di E. Xu e Dombey and Son di C. Dickens.

In gioventù, A.N. Ostrovsky ha conosciuto non solo la letteratura russa e straniera, ma anche opere dedicate alla storia della cultura e dell'estetica. Soprattutto per lo sviluppo dei gusti letterari ed estetici gli furono dati dagli articoli di Belinsky e Herzen. Dopo Belinsky, Ostrovsky considerava obbligatorio per lo scrittore uno studio serio della storia della cultura e delle ultime teorie estetiche.

Alla fine degli anni '40, AN Ostrovsky collaborò al Moskvityanin, dove scrisse articoli critici sulle storie di E. Tur e AF Pisemsky, in cui difendeva i principi del realismo. Il realismo non è stato concepito dal drammaturgo al di fuori della nazionalità, e quindi il principio che definisce l'estetica di AN Ostrovsky era la nazionalità nella sua comprensione democratica. Basandosi sulle tradizioni realistiche della letteratura progressista, esigendo dagli scrittori moderni una riproduzione fedele della vita, difese nei suoi giudizi il principio dello storicismo.

AN Ostrovsky considerava la prima condizione per l'arte di un'opera il suo contenuto. Con la totalità dei suoi principi ideologici ed estetici, il drammaturgo ha affermato la visione della letteratura come una meravigliosa "scuola di morale", come una potente forza di trasformazione morale.

A.N. Ostrovsky è entrato immediatamente nella letteratura come uno scrittore affermato: la commedia "La nostra gente - sistemiamoci!" gli ha portato la fama tutta russa, originariamente chiamata "Fallimentato" e pubblicata nel 1850 sulla rivista "Moskvityanin".

Negli anni '50 dell'Ottocento, AN Ostrovsky iniziò ad organizzare serate letterarie nella sua casa, dove leggeva le sue stesse opere teatrali. All'inizio, tali serate si svolgevano in una stretta cerchia amichevole, ma poi il numero degli ospiti aumentò. Di norma, si riunivano il sabato, quando non c'erano spettacoli nei teatri. Queste letture iniziarono già nel 1846 con scene della commedia "La nostra gente - sistemiamoci!", ma la cerchia degli ascoltatori si espanse solo negli anni '50.

NF Ostrovsky era spesso insoddisfatto di suo figlio, ma ancora più dispiacere era causato dal fatto che Alexander Nikolayevich, innamorato di una ragazza semplice di ambiente borghese, la portò a casa sua come moglie. Un padre arrabbiato ha privato suo figlio di qualsiasi assistenza materiale. Da quel momento iniziò per il drammaturgo una vita difficile, in termini materiali.

La difficile situazione della famiglia (a quel tempo AN Ostrovsky aveva già avuto quattro figli) era il contenuto principale della vita del drammaturgo negli anni '50 dell'Ottocento. Grazie ad Agafya Ivanovna, “con risorse materiali limitate, nella semplicità della vita c'era l'appagamento della vita. Tutto ciò che c'era nel forno veniva messo sul tavolo con saluti giocosi, frasi affettuose", osserva lo scrittore S.V. Maksimov. Lei, secondo Maksimov, capiva bene “e la vita mercantile di Mosca nei suoi particolari, che senza dubbio ha servito il suo prescelto in molti modi. Lui stesso non solo non ha evitato le sue opinioni e opinioni, ma è andato volentieri ad incontrarle, ha ascoltato i consigli e ha corretto molto dopo aver letto ciò che era scritto in sua presenza e quando lei stessa ha avuto il tempo di ascoltare le opinioni contraddittorie di vari intenditori. Una grande quota di partecipazione e influenza le è attribuita da probabili voci durante la creazione della commedia "La nostra gente - andiamo d'accordo!", Almeno per quanto riguarda la trama e il suo ambiente esterno.

A metà degli anni '60, AN Ostrovsky fu catturato dal tema del "potere e delle persone". Ha dedicato le sue opere storiche a questo argomento: la cronaca "Kozma Zakharyich Minin - Sukhoruk", "Dmitry the Pretender e Vasily Shuisky" e "Tushino". Nelle sue lettere, il drammaturgo ha notato di aver creato queste opere sotto l'influenza di "Boris Godunov" di Pushkin.

Entro la fine degli anni '60, le produzioni di ventidue opere teatrali di A.N. Ostrovsky ebbero un enorme successo in tutti i teatri della Russia. Le commedie non sono state messe in scena nella loro interezza, poiché i censori hanno ritagliato pezzi di testo dalle opere, "tagliandoli al vivo", come osserva LA Rozanova.

Il drammaturgo subì un colpo terribile: tutti i bambini nati da questo matrimonio morirono. Nel 1867 morì l'amata moglie del drammaturgo, Agafya Ivanovna, e nel 1869 sposò un'attrice del Teatro Maly di Mosca, Maria Vasilievna Vasilyeva.

Nel 1867, il drammaturgo, insieme a suo fratello Mikhail, acquistò la tenuta di Shchelykovo dalla sua matrigna. “Una menzione speciale va fatta a Shchelykov nel destino di Ostrovsky. Così come è impossibile immaginare la vita e l'opera di AS Pushkin senza Mikhailovsky, LN Tolstoj senza Yasnaya Polyana, IS Turgenev senza Spassky-Lutovinov, così la vita di AN Kineshma".

Per la prima volta il drammaturgo fu colpito dalla bellezza di questa terra già nel 1848 e ogni anno veniva a trovare il padre e la matrigna. Ha parlato della casa così: “La casa è sorprendentemente buona sia dall'esterno con l'originalità dell'architettura che con la comodità interna dei locali ... La casa sorge su un'alta montagna, che è bucherellata a destra e a sinistra con burroni così deliziosi ricoperti di pini ricci e tigli che non puoi immaginare niente del genere. Ogni anno, dalla primavera al tardo autunno, A.N. Ostrovsky, insieme alla sua famiglia e ai suoi amici, viveva a Shchelykovo. Qui poteva permettersi di andare in giro con un costume russo: in pantaloni harem, una camicia ampia e stivali lunghi.

Questi luoghi memorabili per il drammaturgo si riflettevano nelle sue opere. Ad esempio, ne La fanciulla di neve, è stato descritto il villaggio di Subbotino e il prato ad esso adiacente. Alcune delle opere più significative sono state scritte a Shchelykovo: "Ogni saggio è abbastanza semplice", "Non c'era un centesimo, ma improvvisamente Altyn", "Cuore caldo", "Foresta", "Dote", "Talenti e ammiratori", “Senza Colpevole Colpevole” e molti altri.

"Ostrovsky ha chiamato il suo appuntamento felicità, poiché ha ricevuto un'opportunità pratica per realizzare trasformazioni nella vita. Tale vigorosa attività in meno di un anno minò la forza di Ostrovsky.

"Nei suoi anni in declino, Alexander Nikolayevich Ostrovsky ha lasciato nell'album di M.I. Semevsky, l'editore della rivista Russkaya Starina, una registrazione dei fatti e degli eventi più significativi da lui vissuti. “Il giorno più memorabile per me della mia vita: 14 febbraio 1847”, scrisse. “Da quel giorno ho cominciato a considerarmi uno scrittore russo, e ho creduto nella mia vocazione senza dubbio o esitazione”. In questo giorno, AN Ostrovsky ha terminato la commedia "Pictures of Family Happiness", la sua prima opera completa e completa.

Quindi sono stati creati: "La propria gente - sistemiamoci", "Povera sposa", "Posto redditizio", "Temporale" e molti, molti altri spettacoli.

Il 31 maggio 1886, il malato terminale AN Ostrovsky si mise al lavoro sulla traduzione di Antonio e Cleopatra di Shakespeare.

La sepoltura è avvenuta nel cimitero Nikolo-Berezhki. Sopra l'aperto

Kropachev pronunciò un eccitato discorso di addio alla tomba e le sue ultime parole furono: La tua premonizione si è avverata: "l'ultimo atto del dramma della tua vita è finito"!”... Sulla tomba fu posta una croce con la scritta: “Alexander Nikolaevich Ostrovsky”.

viaggiatori, non descritti…” – così scriveva il grande drammaturgo nei suoi Appunti di un residente di Zamoskvoretsky.

“... Questo paese, secondo i rapporti ufficiali, si trova direttamente di fronte al Cremlino... Finora si conosceva solo la posizione e il nome di questo paese; quanto agli abitanti di essa, cioè il loro modo di vivere, la lingua, i costumi, i costumi, il grado di istruzione, tutto questo era coperto dall'oscurità dell'ignoto.

AN Ostrovsky ha trascorso la sua infanzia, adolescenza e giovinezza a Zamoskvorechye. Conosceva bene i suoi abitanti e da bambino poteva osservare i costumi, i costumi e i caratteri degli eroi delle sue future opere teatrali. Durante la creazione di immagini del "regno oscuro", A.N. Ostrovsky ha usato le sue impressioni d'infanzia a lungo ricordate.

E chi, se non A.N. Ostrovsky, era destinato a rimuovere il velo di incertezza da questa parte di Mosca - Zamoskvorechye.

L'iniziazione di AN Ostrovsky alla parola artistica iniziò principalmente con la sua letteratura nativa. La prima commedia che lesse e che gli fece un'impressione indelebile fu la commedia di N.R. Tra i drammaturghi russi del 18° secolo, A.N. Ostrovsky apprezzò particolarmente Ablesimov, il creatore dell'opera comica Il mugnaio, lo stregone, l'ingannatore e il sensale.

In che modo il drammaturgo ha covato le idee delle sue opere?

Per diversi anni, A.N. Ostrovsky ha scritto solo le parole caratteristiche dell'ambiente filisteo-mercante con cui ha dovuto affrontare: "se stesso" (padrone, capofamiglia), "amante", "rusak" e altri. Il drammaturgo si interessò quindi a registrare i proverbi, scoprendone il significato più profondo. Ciò si rifletteva nei titoli delle sue opere: "Non entrare nella tua slitta", "Non tutto è Carnevale per un gatto".

La prima delle famose opere di A.N. Ostrovsky in prosa è "La leggenda di come il guardiano ha iniziato a ballare, o dal grande al ridicolo, c'è solo un passo". Le tendenze di Gogol si fanno sentire in esso, soprattutto nelle immagini della vita di tutti i giorni.

Nel 1864 - 1874, AN Ostrovsky mostra come personaggi principali persone che non sono in grado di combattere i "ben nutriti", ma che hanno un senso della dignità umana. Tra questi: l'impiegato Obroshenov ("Jokers"), l'onesto funzionario Kiselnikov ("Abyss") e il laborioso insegnante Korpelov ("Labor Bread"). Il drammaturgo ha messo in netto contrasto i personaggi principali con l'ambiente in cui vivono per far riflettere il lettore e lo spettatore e trarre conclusioni sugli ordini esistenti.

Nelle sue opere, AN Ostrovsky descrive la realtà del tempo in cui visse lui stesso. Il drammaturgo credeva che la realtà fosse la base dell'arte, la fonte della creatività dello scrittore.

Vivendo a Zamoskvorechye, AN Ostrovsky non solo è riuscito a studiare a sufficienza i personaggi di mercanti, mercanti e le loro famiglie, ma li ha anche mostrati sinceramente nelle sue opere.

In totale, AN Ostrovsky ha creato 47 opere teatrali originali, ne ha scritte 7 insieme ad altri scrittori, tradotto più di 20 opere drammatiche da altre lingue. Nel 1882, I.A. Goncharov gli scrisse: “Tu solo hai completato l'edificio, alla base del quale furono poste le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol ... Ti saluto come l'immortale creatore del sistema infinito di creazioni poetiche . .. dove vediamo con i nostri occhi e ascoltiamo la primordiale, vera vita russa...”1

Il primo periodo di creatività di A.N. Ostrovsky (1847 - 1860).

L'attività letteraria di A.N. Ostrovsky iniziò nel 1847 con la pubblicazione di racconti e saggi dal titolo generale "Note di un residente di Zamoskvoretsky" nell'elenco delle città di Mosca, un estratto drammatico "Quadri della vita di Mosca" ("Debitore insolvente" e "Foto di famiglia felicità). Tuttavia, la prima esperienza letteraria di AN Ostrovsky risale al 1843: questa è "Il racconto di come il guardiano di quartiere iniziò a ballare, o c'è solo un passo dal grande al ridicolo". Le prime pubblicazioni letterarie furono prosaiche: la storia incompiuta "Non andavano d'accordo" (1846), saggi e storie "Biografia di Yasha", "Zamoskvorechye in vacanza" e "Kuzma Samsonych" (1846-1847). "Note di Zamoskvoretsko

1 Goncharov I.A. Sobr. operazione. in 8 voll., v. 8., M.: 1980, p. 475

"La familiarità con il Teatro Maly, il suo repertorio, l'amicizia personale con molti attori hanno contribuito al fatto che Ostrovsky lasciò i corsi di prosa e iniziò a scrivere opere teatrali".

AN Ostrovsky prestò servizio nel tribunale commerciale quando iniziò a pensare a un nuovo lavoro. Il frutto di un lungo lavoro interno è stato lo spettacolo teatrale "Bankrupt", che in seguito ha ricevuto il titolo "La nostra gente - ci sistemeremo!" Il motore è il conflitto di padri e figli sulla base dell'"illuminazione", dell'"educazione". È sorprendente che lo spettacolo non sia stato ancora pubblicato e le voci su di esso si siano diffuse in tutta Mosca. Fu letto nei salotti letterari e nei circoli domestici di Mosca e la prima lettura dell'autore ebbe luogo nella seconda metà del 1849 nell'appartamento di M.N. Katkov, in Merzlyakovsky Lane. (A quel tempo, M.N. Katkov era un collaboratore del Dipartimento di Filosofia dell'Università di Mosca). Il giovane drammaturgo stava appena iniziando il suo percorso e non riusciva ancora ad abituarsi alle lodi che lo eccitavano piacevolmente. Tra gli ascoltatori della nuova commedia di A.N.Ostrovsky c'erano S.P.Shevyrev, A.S.Khomyakov, T.N.Granovsky, SMSoloviev, F.I.Buslaev e molti altri. Le recensioni sono state tutte unanimemente entusiaste.

Nel 1849, AN Ostrovsky fu invitato a leggere una nuova commedia a MP Pogodin, editore ed editore di The Moskvityanin. A M.P. Pogodin piacque così tanto la nuova commedia di A.N. Ostrovsky che presto (1850) la pubblicò nel suo diario, nella sezione "Letteratura russa". Da quel momento iniziò la collaborazione del drammaturgo con questa rivista.

Subito dopo aver letto la sua commedia a M.P. Pogodin, AN Ostrovsky ha deciso di presentargli i suoi amici. E nell'ambiente letterario di Mosca e San Pietroburgo iniziarono a parlare della "edizione giovane" di "Moskvityanin", che allora aveva già dieci anni. Tra gli autori c'erano i nomi di A.N. Ostrovsky, A.A. Grigoriev, T.I. Filippov e altri, insieme a N.V. Gogol, V.A. molti altri.

Comunicazione con M.P. Pogodin e i suoi amici - Gli slavofili non sono passati senza lasciare traccia per A.N. Ostrovsky, ha avuto un impatto sul lavoro del drammaturgo (le opere teatrali "Non entrare nella tua slitta", "La povertà non è un vizio", " Non vivere così, come ti piace"). Ma c'erano anche delle contraddizioni tra l'editore ei "giovani editori", che volevano avere una maggiore autonomia. Il deputato Pogodin non credeva che i giovani potessero tenere in un diario le leggende di Karamzin e Pushkin. All'inizio degli anni '50, commedie come The Poor Bride (1852), Don't Get into Your Sleigh (1853) e Don't Live as You Want (1855) erano già state stampate nel Moskvityanin. Una preziosa acquisizione del "Moskvityanin" è stata la collaborazione di PI Melnikov e Pisemsky.

Presto MP Pogodin iniziò a sottolineare i punti deboli della rivista. Uno dei suoi amici consigliò in modo amichevole: “Hai sempre molti errori di battitura. Anche altre riviste hanno cominciato a imitarti in questo. Aspetto Moscovita non graziosi, i caratteri sono banali e brutti: per niente

sarebbe brutto per te imitare in questo caso Contemporaneo, la rivista russa più stupida.

Nell'ottobre 1857 Apollon Grigoriev fu approvato come editore di Moskvityanin, ma a quel tempo era già in Italia e Moskvityanin dovette essere chiuso.

Il 14 gennaio 1853 ebbe luogo la commedia Non entrare nella tua slitta, la prima commedia che fu rappresentata a teatro. Lyubov Pavlovna Kositskaya, già nota a quel tempo, accettò di interpretare il ruolo principale. Vivace, ricco di colori quotidiani, il discorso ha colpito il pubblico. M.P. Lobanov ne scrive così: “Ma quello che seguì fu quello che era già l'apice dello spettacolo, quello che rimase per sempre, per tutta la vita, nella memoria di coloro che ebbero la fortuna di vedere Sergei Vasiliev. In una conversazione con Rusakov, che chiede perché lui, Ivanushka, è triste, Borodkin risponde: "Qualcosa è diventato un po' triste". Lo disse come per caso, ma con un sentimento inesprimibile ", come notarono in seguito i critici, senza trovare parole per esprimere il desiderio che si sentiva nella voce di Borodkin. Osservazioni modeste, apparentemente ordinarie, improvvisamente si sono illuminate con un tale significato e profondità di sentimento che è stata un'intera rivelazione per il pubblico, che lo ha colpito e ha suscitato un'impressione sbalorditiva.

“Gli attori sono entrati nei loro ruoli con tale entusiasmo, con tale dimenticanza di sé, che si è creata l'impressione della completa vitalità di ciò che si stava facendo sul palco. C'era qualcosa che lo stesso Ostrovsky in seguito avrebbe chiamato "una scuola naturale e espressivo Giochi".

Ivan Aksakov ha scritto a Turgenev che l'impressione prodotta dall'opera teatrale

AN Ostrovsky sul palco, "difficilmente può essere paragonato a qualsiasi impressione precedentemente sperimentata".

Khomyakov ha scritto: "Il successo è enorme e ben meritato".

Questo successo del drammaturgo ha aperto le porte all'emergente Teatro Ostrovsky.

Con l'avvento di AN Ostrovsky al Teatro Maly, il teatro stesso è cambiato. La gente comune è apparsa sul palco in canottiera, stivali oliati, vestiti di cotone. Gli attori della vecchia generazione hanno parlato negativamente del drammaturgo. Dalle opere di A.N. Ostrovsky, nel teatro russo si affermano i principi della drammaturgia nazionale-originale realistica. "Davanti allo spettatore non dovrebbe esserci un'opera teatrale, "ma la vita, in modo che ci sia un'illusione completa, in modo che dimentichi di essere a teatro" - questa è la regola seguita dal drammaturgo. L'alto e il basso, il comico e il drammatico, il quotidiano e l'insolito erano tutti combinati realisticamente nelle sue opere".

Una nuova fase nel lavoro del drammaturgo è stata la collaborazione con la rivista Sovremennik. I frequenti viaggi di AN Ostrovsky da Mosca a San Pietroburgo lo portarono nel salone letterario di I.I. Panaev. Fu qui che incontrò L.N.. Per molto tempo, AN Ostrovsky ha collaborato con Sovremennik, in cui le opere teatrali "A Festive Dream Before Dinner" (1857), "The Characters Didn't Agree" (1858), "An Old Friend is Better than Two New Ones" (1860), "Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk" (1862), "Giorni duri" (1863), "Jokers" (1864), "Voevoda" (1865), "In un luogo affollato" (1865). Dopo la chiusura del diario nel 1866, il drammaturgo pubblicò quasi tutte le sue opere teatrali sulla rivista Otechestvennye Zapiski, che divenne il suo successore, a cura di N.A. Nekrasov, e poi di M.E. Saltykov-Shchedrin, G. Eliseev e N. Mikhailovsky.

Nel 1856, AN Ostrovsky prese parte alla spedizione etnografica del ministero della Marina e andò a studiare lo stile di vita, le condizioni di vita, la cultura, la pesca nelle città del Volga dall'alto Volga a Nizhny Novgorod. Il viaggio lungo il Volga ha fornito un materiale così ricco che A.N. Ostrovsky ha deciso di scrivere un ciclo di opere teatrali dal titolo generale "Nights on the Volga". L'idea principale del ciclo doveva essere l'idea di continuità nella vita e nella cultura del popolo russo, ma questi piani sono rimasti irrealizzati. Allo stesso tempo, AN Ostrovsky iniziò a lavorare sul Dizionario del Volga, che in seguito si sviluppò nel Dizionario della lingua popolare russa. Dopo la morte del drammaturgo, la sua ricerca sul vocabolario fu trasferita all'Accademia delle scienze e parzialmente utilizzata nel dizionario accademico della lingua russa, pubblicato dal 1891 sotto la direzione di Ya.K. Grot.

Il secondo periodo di creatività di A.N. Ostrovsky (1860 - 1875).

Se nella prima fase della sua carriera A.N. Ostrovsky dipingeva per lo più immagini negative ("La povertà non è un vizio", "Non vivere come vuoi", "La tua gente - ci accontenteremo!" e altri), allora sul 2° - il principale in modo positivo (cadendo nella stucchevole idealizzazione della classe mercantile, del patriarcato, della religione; al 3° stadio, a partire dal 1855, arriva finalmente alla necessità di una fusione organica nei suoi giochi di negazione e affermazione) - queste sono le persone del lavoro.

Il secondo periodo di 60-75 anni include opere teatrali come "Un vecchio amico è meglio di due nuovi", "Giorni duri", "Jolly", "Non tutto è un carnevale per un gatto", "Late love", " Pane del lavoro", "In un luogo vivace", "Non c'era un centesimo, ma all'improvviso un altyn", "La trilogia su Balzaminov", "Cani litigano" e "Abisso".

I temi delle opere di AN Ostrovsky si espansero; diventa un rappresentante di tutte le classi principali della sua epoca.

“La Mosca colta negli anni '40 aveva due figli prediletti di cui era orgogliosa, con cui univa le sue principali speranze e simpatie: l'università e il teatro. Il teatro Bolshoi ha regnato sovrano: nella tragedia - Mochalov, nella commedia - il grande Shchepkin. AN Ostrovsky era anche bruciato dal vortice di entusiasmo per Mochalov. Più tardi, ha espresso l'idea che il bisogno di tragedia tra il "pubblico giovane" è maggiore del bisogno di commedia o dramma familiare: "Ha bisogno di un profondo sospiro sul palco, per tutto il teatro, ha bisogno di lacrime sincere, calde, discorsi che scorrerebbero dritti nell'anima». 20 anni dopo, nel dramma "Abysses", AN Ostrovsky rappresenterà una passeggiata nel Giardino Neskuchny, a lui familiare in prima persona, e metterà in bocca a mercanti e studenti che passeggiano una burrascosa approvazione della performance di Mochalov nel melodramma di Ducange "Trent'anni, o la vita di un giocatore":

"Mercante. Ehi, sì Mochalov! Rispettata.

Moglie. Solo queste esibizioni da guardare sono molto

pietosamente; quindi è anche troppo.

Mercante. Ebbene sì, capisci molto!”

“Negli abissi, la diabolica tentazione di una tangente sarà descritta in modo particolarmente forte e in qualche modo personale: la vita mette sottobraccio l'impiegato giudiziario e non gli lascia alcun indizio per mantenere l'onestà. Ecco una chiara evidenza che "tutti prendono", e i lamenti della madre che la famiglia sta scomparendo per fame, e il ragionamento del mercante suocero nello spirito che chi ha bisogno di andare a corte, prepara ancora soldi : “Non prenderai così un altro prenderà da lui. Tutto questo, come ci si potrebbe aspettare, finisce con l'eroe che fa un po' di pulizia nel caso e prende un grosso jackpot dal cliente, per poi impazzire dal rimorso".

"Nell'anno della liberazione dei contadini (1861), A.N. Ostrovsky terminò due commedie: una piccola commedia "Quello che cerchi, lo troverai", dove, infine, sposò il suo eroe, Misha Balzaminov, e completò così il trilogia su di lui; e il frutto di 6 anni di lavoro: il dramma storico in versi "Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk". Due cose sono polari per genere, stile e obiettivi. Sembrerebbe, cosa hanno a che fare con ciò che la società vive e respira? Alcuni eroi agiscono, mentre altri ragionano e, in un modo molto russo, tutti sognano che la felicità stessa cadrà sulle loro teste.

A proposito delle persone, del carattere nazionale, di come si è sviluppato e si è manifestato nella storia, AN Ostrovsky riflette anche sulle pagine del manoscritto Minin. Il drammaturgo ha voluto, rifacendosi alla storia e all'istinto poetico, mostrare un uomo di coscienza e di dovere interiore, capace di risvegliare il popolo all'impresa in un momento difficile. All'epoca era un argomento nuovo.

Dopo Minin, AN Ostrovsky scrisse un dramma in versi dalla vita del Voevoda del XVII secolo, o un sogno sul Volga (1865). Conteneva pagine di sorprendente successo e, dopo averlo letto, I.S. Turgenev esclamò: “Quale poesia in alcuni luoghi, come il nostro boschetto russo d'estate, è poesia! Oh, padrone, quest'uomo con la barba!»

Questo è stato seguito dalle cronache "Dmitry the Pretender e Vasily Shuisky" (1866) e "Tushino" (1867).

“Non ho mai saputo inchinarmi e correre, per adulare le autorità; dicono che con l'età, sotto il giogo delle circostanze, la coscienza della propria dignità scompare, che la necessità insegnerà a kalachi a mangiare - con me, grazie a Dio, questo non è accaduto ", ha scritto A.N. Ostrovsky in una lettera a Gedeonov. Il drammaturgo era consapevole che dietro di lui c'era il teatro russo, la letteratura russa.

Non importa quanto sia maturato l'autunno, è stata scritta una nuova commedia, rappresentata a teatro, le seguenti date sono state contrassegnate da questo:

1871 - "Non c'era un centesimo, ma all'improvviso Altyn";

1872 - "Coniglio del XVII secolo";

1873 - "La fanciulla di neve", "Late Love";

1874 - "Pane da lavoro";

1875 - "Lupi e pecore", "Spose ricche" e così via...

Il terzo periodo di creatività di A.N. Ostrovsky (1875 - 1886).

Va notato che le opere teatrali del drammaturgo del terzo periodo sono dedicate al tragico destino di una donna nelle difficili condizioni della Russia negli anni '70 e '80. Questo tema include opere teatrali come The Last Victim (1877), The Dowry (1878), The Heart Is Not a Stone (1879), Slaves (1880), Guilty Without Guilt (1883) e altri. Le eroine delle opere teatrali di A.N. Ostrovsky del terzo periodo sono l'immagine degli schiavi. Le eroine attraversano i tormenti delle speranze non realizzate, dell'amore non corrisposto... Solo poche di queste donne riescono a elevarsi al di sopra dell'ambiente. Un vivido esempio di una personalità così forte è l'eroina dell'opera teatrale "Guilty Without Guilt" - Kruchinina.

Una volta qualcuno ha fatto notare ad AN Ostrovsky che idealizza una donna nelle sue opere teatrali. A questo il drammaturgo rispose: "Come si può non amare una donna, essa ci ha partorito Dio". Anche nelle opere teatrali del terzo periodo appare al lettore l'immagine di un predatore-predatore dietro le donne. AN Ostrovsky rivela il vuoto spirituale, il freddo calcolo e l'egoismo dietro l'aspetto nobile di un tale predatore. Nelle commedie dell'ultimo periodo, molti volti episodici sembrano aiutare a trasmettere l'atmosfera, ad esempio, di una fiera rumorosa.

Nell'ultima commedia del drammaturgo "Non di questo mondo", come nelle precedenti, vengono sollevate importanti questioni morali e psicologiche: l'amore, i rapporti tra marito e moglie, il dovere morale e altri.

Alla fine degli anni '70, AN Ostrovsky creò una serie di opere teatrali in collaborazione con giovani drammaturghi: con N.Ya "Splende, ma non scalda" (1880); con PM Nevezhin - "Whim" (1880), "The Old in a New Way" (1882).

Negli anni '70, AN Ostrovsky si rivolse volentieri alle trame della cronaca criminale. Proprio in quel momento fu eletto giudice di pace onorario nel distretto di Kineshma e nel 1877 a Mosca prestò servizio come giurato presso il tribunale distrettuale. Le azioni legali per le trame hanno dato molto. Si presume che la trama di "Dote" sia stata suggerita al drammaturgo dal caso di omicidio per gelosia, che è stato ascoltato alla corte del magistrato di Kineshma.

Nel 1870, grazie agli sforzi di AN Ostrovsky, fu istituito un incontro di scrittori drammatici russi, di cui era il presidente. Per comprendere le posizioni estetiche del drammaturgo, è importante notare che A.N. Ostrovsky ha cercato di fermare il declino dell'arte teatrale in Russia. Molte persone hanno ricordato con ammirazione il fatto che AN Ostrovsky abbia letto le sue opere teatrali, il suo lavoro con gli attori nel ruolo. A.Ya. Panaeva, PM Nevezhin, M.I. Pisarev e altri hanno scritto delle relazioni con gli attori di Mosca, del loro caloroso sentimento per il drammaturgo

Capitolo 2. La storia della creazione dell'opera teatrale "Abyss".

Grazie al duro lavoro, AN Ostrovsky creava una nuova commedia ogni anno, tuttavia, già nel 1857, i critici assicuravano ai lettori che non c'era più niente da aspettarsi da AN Ostrovsky, che il suo talento era svanito. L'incoerenza di tali affermazioni è stata confutata dalla comparsa di nuove opere teatrali di talento, in particolare l'opera teatrale "Abyss".

Nel maggio 1865, AN Ostrovsky fece un viaggio lungo il Volga. Di ritorno da un viaggio, sta finendo una nuova commedia "In a Busy Place", continua a tradurre da W. Shakespeare, e sta lavorando a un'opera storica "Dmitry the Pretender e Vasily Shuisky". Nella seconda metà di dicembre, termina la commedia "Abyss", riassumendo con essa un risultato peculiare del tema di Zamoskvorechye negli anni '60.

Da quanto sopra si può vedere che durante questo periodo l'attività letteraria di A.N. Ostrovsky fu versatile ed estremamente intensa.

Per la prima volta l'opera teatrale "Abyss" fu pubblicata sul quotidiano "St. Petersburg Vedomosti" nel gennaio 1866 (n. 1, 4, 5, 6, 8). Per alcune delle sue stampe è stata richiesta la censura preliminare. Nel gennaio dello stesso anno, AN Ostrovsky lesse l'opera teatrale nel Circolo artistico ea marzo L'abisso era già stato approvato dalla censura del teatro. Ad aprile, il pubblico ha visto una nuova commedia di AN Ostrovsky sul palco del "Teatro Maly", ea maggio la commedia "Abyss" è stata presentata per la prima volta al Teatro Alexandrinsky nello spettacolo di beneficenza di Vasiliev 1st.

Il pubblico ha accolto lo spettacolo con rumorosa approvazione. Va notato che durante questo periodo i rapporti di AN Ostrovsky con la direzione dei teatri imperiali erano più tesi. Questo è anche notato da F. Burdin in una delle sue lettere ad A.N. Ostrovsky: “In generale, devi spiegare con grande dispiacere che le sfere superiori non favoriscono le tue opere. Sono disgustati dal loro pathos accusatorio, dallo spirito ideologico... è arrivato al punto che l'"Abisso" ha suscitato un enorme dispiacere nelle autorità e hanno paura di indossarlo.

Ciò è confermato dalla tabella delle produzioni di opere teatrali di A.N. Ostrovsky dal 1887 al 1917. È interessante notare che il primo posto in questa tabella è occupato dallo spettacolo "Forest" - 160 spettacoli all'anno. La commedia "Abyss" - meno di 15 spettacoli all'anno. Le opere teatrali "Non c'era un centesimo, ma improvvisamente un altyn", "Un cuore caldo", "Abbastanza semplicità per ogni uomo saggio" sono state soggette alla stessa "discriminazione".

Nella sua opera, AN Ostrovsky, seguendo N.V. Gogol, ha continuato il tema del "piccolo uomo". Ciò è confermato anche dal personaggio principale dell'opera teatrale "Abyss" - Kiselnikov. Non è in grado di combattere e segue il flusso della vita. Alla fine, l'abisso della vita lo risucchia. Attraverso questa immagine, AN Ostrovsky mostra che nell'esistente

in realtà non si può rimanere un osservatore passivo che bisogna combattere, altrimenti l'abisso lo inghiottirà e sarà impossibile uscirne. Le opere teatrali di AN Ostrovsky educano e fanno riflettere lo spettatore sulla realtà circostante. Come nota AI Revyakin nel suo lavoro, il drammaturgo credeva che qualsiasi tipo di arte dovesse necessariamente educare ed essere un'arma nella lotta pubblica.

AN Ostrovsky non solo disegna i tipi di abitanti di Zamoskvorechie, ma rivela al massimo a lettori e spettatori il sistema sociale che ha determinato il comportamento di queste persone. come

ha osservato A.V. Lunacharsky: “... i suoi occhi creativi penetrarono rapidamente nelle anime di creature paralizzate, a volte orgogliose, a volte umiliate, piene di profonda grazia femminile o agitando tristemente le loro ali spezzate di alto idealismo. ... Dal profondo dei loro seni possenti irrompe a volte quasi comico nella sua eccentricità formale, ma un grido così infinitamente umano sulla vita raddrizzata...”

Il drammaturgo non considerava un suo merito un riflesso così audace e veritiero della realtà. Per A.N. Ostrovsky, la verità della vita non è una dignità, ma una condizione indispensabile per un'opera d'arte. Questo è il principio più importante dell'art.

Nella commedia "Deeps" AN Ostrovsky non si è discostato dal tema principale delle sue opere e ha mostrato il "fondo" della vita post-riforma. Allo stesso tempo, la commedia si è rivelata insolita per l'autore in termini di genere: non un dramma - un episodio, ma un dramma - il destino, una sorta di romanticismo nei volti. Molti ricercatori di AN Ostrovsky hanno parlato dell'influenza della letteratura dell'Europa occidentale su di lui, in particolare dei suoi prestiti di trama da fonti straniere. AI Revyakin attira l'attenzione sull'influenza di Schiller ("Robbers" - e "Voevoda", "Dmitry the Pretender" - e "Dmitry the Pretender"), RB Sheridan ("School of Scandal" - e "On Every the sage of quiet semplicità"), Shakespeare ("Sogno di una notte di mezza estate" - e "La fanciulla di neve"), V. Dukanzha e Dino ("Trent'anni, o la vita di un giocatore" - e "Abisso")".

L'eroe della commedia, Kiselnikov, passa da uno studente idealista negli anni '30 a un piccolo funzionario giudiziario negli anni '40. Ogni azione dello spettacolo si svolge in 5 - 7 anni e descrive il percorso di un giovane che si è laureato all'università, entrando nella vita con speranze e speranze per un futuro più luminoso. Qual'è il risultato? Sposando una ragazza Zamoskvoretskaya, cade nella vita di tutti i giorni, come in un abisso. La purezza dei pensieri si conclude con un crimine: una grande tangente, che l'eroe vede come l'unico modo per sfuggire alla povertà.

Quasi tutte le opere di A.N. Ostrovsky erano soggette a un divieto di censura teatrale, poiché il drammaturgo sollevava più e più volte interrogativi sui problemi urgenti del nostro tempo. Ma nulla poteva costringere il drammaturgo a cambiare argomento delle sue opere.

È necessario fornire una descrizione generale del manoscritto dell'opera teatrale "Abyss".

Il manoscritto dell'opera, conservato presso il Dipartimento dei manoscritti della Biblioteca di Stato russa, contiene 54 fogli. Il testo è scritto a matita. Alcuni luoghi sono difficili da leggere, poiché il tempo ha lasciato un'impronta sul testo del manoscritto (il risultato di una conservazione a lungo termine e di ripetuti riferimenti al testo). Il manoscritto non ha margini. Tutte le note sono fatte da AN Ostrovsky in luoghi liberi. Durante la visualizzazione del manoscritto, si trova un gran numero di inserti e aggiunte, il più delle volte sono realizzati direttamente nel testo. Gli inserti di grandi dimensioni vengono portati in posti liberi o riportati di seguito con il segno "F". Ci sono pochi punti barrati nel manoscritto; la versione originale è spesso barrata con una linea in grassetto. Ci sono anche parti di testo barrate. Ci sono fogli in cui non ci sono correzioni.

Si può presumere che questi frammenti siano stati trovati immediatamente da AN Ostrovsky. Tuttavia, è possibile che dopo un gran numero di modifiche ed emendamenti, questi fogli possano essere riscritti. È impossibile fare un'affermazione categorica a favore della prima o della seconda ipotesi.

L'intero manoscritto è scritto con una grafia uniforme e piccola. Per quanto riguarda gli inserti, spesso possono essere smontati solo con l'aiuto di una lente d'ingrandimento, poiché non c'era un posto speciale per loro e Ostrovsky è stato costretto a metterli in pochi posti liberi.

Si richiama l'attenzione sui numeri apposti sopra le parole, che hanno permesso all'autore di raggiungere una grande espressività del testo.

Per esempio:

Glafira

Ora non avrò paura di te, perché entrerai nella nostra casa.

Di particolare interesse nel caratterizzare il manoscritto è la prima foglia.

Dopo le prime tre righe:

"Abisso"

"Scene della vita di Mosca".

Scena I."

Immediatamente ci sono colonne di testo scritte con una calligrafia piccola e illeggibile, "per me". Con uno studio attento, è stato possibile leggere alcune parole di questi documenti. In queste note, AN Ostrovsky ha organizzato in scene gli eventi principali dello spettacolo. Durante l'elaborazione finale, tutte queste voci sono state cancellate, poiché in seguito sono diventate inutili. In generale, ci sono molte note e schizzi dell'autore sul primo foglio. Tutti loro sono anche barrati. Questa è una breve descrizione generale dell'aspetto del manoscritto dell'opera teatrale "Abyss" di A.N. Ostrovsky.

Passiamo ora alle aggiunte e modifiche apportate da A.N. Ostrovsky durante l'edizione finale, di cui ce ne sono molte nel manoscritto. Poiché la natura di questo lavoro non prevede uno studio completo e approfondito del manoscritto, verranno analizzati solo quei passaggi che hanno subito modifiche durante la creazione dell'opera teatrale. È necessario analizzare e stabilire lo scopo e il significato di questi emendamenti, alcuni dei quali apportano cambiamenti significativi al carattere dei personaggi, altri aiutano a rivelare meglio la situazione nel gioco.

§ 1. Analisi delle più importanti discrepanze tra manoscritti originali e finali.

I ricercatori (A.I. Revyakin, G.P. Pirogov, V.Ya. Lakshin e altri) del lavoro di A.N. Ostrovsky hanno scoperto che il drammaturgo raramente ha avuto successo all'inizio dell'opera. Per molto tempo e duramente ha elaborato le prime battute, la disposizione dei personaggi. AN Ostrovsky ha cercato di far sembrare le prime battute dei personaggi della commedia un dialogo in corso.

Molto spesso, le sue commedie iniziano con un'osservazione reciproca che rende facile implicare azioni precedenti avvenute prima che si alzasse il sipario. È questo inizio che si osserva nell'“Abisso”.

Scenaio.

L'azione inizia con una discussione sulla nuova commedia tradotta di Ducange Thirty Years, or the Life of a Gambler. La discussione è condotta dai mercanti e dalle loro mogli.

A.N. Ostrovsky è riuscito subito nel primo fenomeno, poiché il drammaturgo ha studiato molto bene i mercanti e ha dovuto ascoltare più di una volta i giudizi di tali "intenditori d'arte".

La seconda apparizione di "Abyss" è stata originariamente concepita come una discussione sulla stessa commedia, ma già dagli studenti. AN Ostrovsky ha contrastato l'opinione dei mercanti con l'opinione degli studenti. Nella prima versione, gli studenti non solo parlavano dello spettacolo, ma parlavano anche del teatro "come del massimo piacere". "Player's Life" è stato discusso da tre studenti e altri due personaggi che non sono stati notati nella composizione dei personaggi dell'opera. Questi personaggi sono elencati da AN Ostrovsky con i nomi Alb e Galosh. Apparentemente, l'autore ha dato i loro nomi in una versione abbreviata.

In questo fenomeno, forse, il maggior numero di correzioni. AN Ostrovsky rielabora quasi completamente il testo di questo fenomeno: rimuove la dichiarazione del primo studente sul teatro, invece di tre studenti, solo due studenti partecipano alla conversazione; viene presentata una nuova persona: Pogulyaev.

È vero, Pogulyaev pronuncia solo una frase, ma la sua idea è sviluppata dagli studenti. L'autore rimuove anche le lunghe argomentazioni di Alb e Galosh.

Così, dopo le modifiche apportate, due studenti e Pogulyaev rimangono nel secondo fenomeno.

Cosa può aver causato un simile ripensamento di questo fenomeno? Sì, a quanto pare, dal fatto che lo stesso AN Ostrovsky non ha ritenuto necessario parlare molto dell'opera teatrale "La vita di un giocatore", soprattutto perché la dichiarazione di Pogulyaev e degli studenti fornisce una valutazione abbastanza completa di questa commedia.

Pogulyaev

E quanto è stato bravo Mochalov oggi. È solo un peccato che il gioco sia pessimo.

1° studente

Gioco secco. Nuda moralità.

..................................................... .

Che spettacolo questo! Questa è una sciocchezza di cui non vale la pena parlare.

Argomenti lunghi e generali non potevano che disperdere l'attenzione dello spettatore.

Nel terzo fenomeno inizialmente c'erano solo due personaggi: Kiselnikov e Pogulyaev. La conversazione è andata avanti tra amici per tutta l'apparizione. La vita di Kiselnikov non ha avuto molto successo, e quindi non sorprende che Kiselnikov parli volentieri di tutto al suo amico Pogulyaev.

Con una tale disposizione di attori, l'azione si è rivelata alquanto monotona. La conversazione "tete a tete" non si addice ad A.N. Ostrovsky e nella nuova edizione introduce altri due studenti che hanno studiato insieme a Kiselnikov. Ora tre persone fanno domande e Kiselnikov riesce solo a rispondere.

Il fatto che Kiselnikov racconti la sua vita non solo a Pogulyaev, ma anche agli studenti presenti, lo caratterizza come una persona aperta e socievole. Durante la modifica, AN Ostrovsky non altera le frasi appartenenti a Pogulyaev e non aggiunge nuovo testo. Il drammaturgo suddivide queste frasi in righe. Ora, in una nuova versione, sono già pronunciati dagli studenti.

Nella versione originale, AN Ostrovsky non indica per quanto tempo Pogulyaev non ha visto Kiselnikov, questo chiarimento appare solo nella versione corretta.

È interessante notare che, nella versione originale, lo stesso Kiselnikov ha parlato della sua vita. Con l'introduzione di altri due personaggi, il numero delle domande aumenta e, di conseguenza, le risposte lunghe di Kiselnikov vengono suddivise in risposte più piccole. Kiselnikov ora risponde più spesso a monosillabi. Con questo, A.N. Ostrovsky, per così dire, chiarisce che, dopotutto, Kiselnikov non ha un grande desiderio di parlare di se stesso.

Appare una nuova frase, con la quale Kiselnikov cerca di giustificare tutto ciò che è stato detto.

Kiselnikov

Tuttavia, posso ancora fare tutto.

Ma, poiché non c'è un'azione reale dietro questa frase, il dialogo successivo si sposta su un altro argomento.

Kiselnikov

Mio padre era un vecchio severo, capriccioso...

La presenza costante di suo padre opprimeva Kiselnikov.

Il quarto e il quinto fenomeno furono lasciati da AN Ostrovsky nella loro forma originale. Nel quinto fenomeno compaiono nuovi attori. La loro caratteristica di linguaggio è stata trovata immediatamente dal drammaturgo.

Nel sesto fenomeno compaiono per la prima volta gli inserti con il segno “F”, ci sono molte modifiche e integrazioni al testo stesso. Degno di nota è l'inserto nella risposta di Glafira alla domanda di Pogulyaev sui suoi studi.

Nella versione originale, alla domanda di Pogulyaev, cosa fa, Glafira ha risposto:

Glafira

faccio ricamo.

Nella versione finale, AN Ostrovsky aggiunge:

Glafira

Di solito quello che fanno le giovani donne. faccio ricamo.

Secondo lei, tutte le signorine sono impegnate solo nel ricamo e non sono interessate a nient'altro.

Non c'è dubbio che AN Ostrovsky, con questa frase aggiuntiva nella risposta di Glafira, sottolinea la ristrettezza dei suoi interessi. Forse, con questa frase aggiuntiva, il drammaturgo si oppone simultaneamente all'educazione di Kiselnikov e alla ristrettezza mentale della sua sposa.

Passiamo ora a un'altra scena in cui Kiselnikov convince Pogulyaev che non c'è famiglia migliore dei Borovtsov, che niente può essere migliore dei loro piaceri familiari. Nella versione originale del manoscritto, Pogulyaev ascolta in silenzio Kiselnikov e quindi, per così dire, è in gran parte d'accordo con lui. Ma durante la modifica del testo originale, AN Ostrovsky non è soddisfatto di questo comportamento di Pogulyaev e appare una nuova riga in cui l'autore, per bocca di un vecchio compagno Kiselnikov, esprime il suo atteggiamento nei confronti del modo di vivere dei Borovtsov.

Pogulyaev

No, c'è qualcosa di meglio di questo.

Invece del tacito consenso, è visibile la protesta di Pogulyaev.

Per mostrare gli interessi e le opinioni limitati di Borovtsova, AN Ostrovsky introduce immediatamente la sua osservazione.

Borovtsov

Questo è ballare, giusto? Così bene loro. Il marito non lo sopporta.

Così, nella sesta apparizione della prima scena, i due brevi inserti (le parole di Glafira e le parole di Borovtsova) rivelano significativamente le caratteristiche della famiglia Borovtsov, sottolineandone l'individualità e il contrasto con Kiselnikov.

Nella settima, ultima apparizione della prima scena, non ci sono variazioni significative nel testo.

ScenaII

Passano sette anni. La vita di Kiselnikov dopo il matrimonio non sta cambiando in meglio. Il suocero non gli dà l'eredità promessa, Glafira si trasforma da ragazza mite in donna avida e isterica.

La prima apparizione della seconda scena inizia con uno scandalo tra Kiselnikov e Glafira.

Nella versione originale del manoscritto, quando lo scandalo raggiunge il culmine, si legge:

Kiselnikov(copre le orecchie)

Nella versione finale:

Kiselnikov(coprendosi le orecchie, urlando)

Siete i miei tiranni, voi!

Solo una replica, ma come cambia il carattere dell'immagine! Nella prima versione, Kiselnikov è una natura passiva in cui ogni capacità di combattere è stata distrutta. Nella versione finale - abbiamo davanti a noi un uomo che il destino ha costretto a vivere tra persone odiate, deve adattarsi, ma l'eroe non ha paura di dire la sua opinione sugli altri. Alla fine dell'apparizione, A.N. Ostrovsky introduce il lungo monologo di Kiselnikov, in cui quasi si pente del suo comportamento.

Con questa osservazione di Kiselnikov, rafforzata dall'aggiunta di una sola parola all'osservazione: "urla" e un ulteriore monologo alla fine del fenomeno, A.N. Ostrovsky mostra che nell'anima del protagonista dello spettacolo, che ha vissuto in il regno dell'oscurantismo mercantile per sette anni, la lotta tra l'inizio passivo e quello attivo della sua natura, ma l'inizio passivo comincia a prendere il sopravvento e risucchiarlo nell'abisso della vita mercantile.

L'immagine di Glafira è ottenuta da AN Ostrovsky non immediatamente. Nella versione finale, il drammaturgo attira l'attenzione dei lettori sulla sua maleducazione e avidità. Nella versione originale del manoscritto si legge:

Glafira

Quante volte ti ho detto di riscrivere la casa a mio nome...

Kiselnikov

È casa sua, vero?

Glafira

Allora, cos'è lei? Le do i miei vestiti, non me ne pento

Si è scoperto che Glafira tratta bene la madre di Kiselnikov: le dà i suoi vestiti. Ma queste parole contraddicevano il carattere dell'avida Glafira.

Durante la modifica del manoscritto, AN Ostrovsky corregge questa discrepanza. Ma allo stesso tempo il drammaturgo non cambia il testo del discorso degli eroi, ma solo nelle ultime parole di Glafira, prima della parola “vesti”, inserisce la definizione “vecchio”. Ora la risposta di Glafira si presenta così:

Glafira

Allora, cos'è lei? Le regalo i miei vecchi vestiti, non me ne pento per lei, ...

Quindi, con una sola parola, introdotta durante il montaggio, A.N. Ostrovsky rivela l'anima insignificante di Glafira e rivela nuove caratteristiche del suo personaggio: insensibilità, insensibilità.

Nella seconda apparizione, i Borovtsov vengono a visitare Kiselnikov. Glafira ha un onomastico e i suoi genitori si congratulano con lei. Si scopre che Kiselnikov ha già impegnato gli orecchini di Glafira, che le sono stati dati in dote. I genitori di Glafira sono indignati. Ma Kiselnikov non aveva altra scelta. I soldi che riceve nel servizio sono troppo pochi per sfamare una famiglia numerosa. Borovtsov insegna a Kiselnikov a prendere tangenti. Gli disegna una vita ricca.

Nella versione originale, l'insegnamento di Borovtsov non rivela completamente le sue opinioni sulla vita. Nella versione finale, AN Ostrovsky aggiunge:

Borovtsov

Vivi per la famiglia - qui sei buono e onesto e combatti con gli altri, come in una guerra. Quello che sei riuscito ad afferrare, e trascinarlo a casa, riempire e coprire la tua capanna...

In queste parole aggiunte, l'immagine di un avido predatore, che si preoccupa solo del proprio bene, incombe davanti al lettore. Se tale è il capo della famiglia Borovtsov, il resto dei suoi membri è lo stesso. AN Ostrovsky sottolinea ancora una volta l'impossibilità, l'incompatibilità delle opinioni sulla vita di Kiselnikov e dei Borovtsov.

Nel terzo fenomeno, AN Ostrovsky non apporta modifiche speciali durante il montaggio.

Nella quarta scena della seconda scena, durante la modifica della prima versione del manoscritto, per rivelare completamente i personaggi, AN Ostrovsky fa aggiunte al loro discorso.

Gli ospiti si stanno radunando a casa di Kiselnikov. Pereyarkov e Turuntaev vengono all'onomastico di Glafira. Nella prima versione del manoscritto, quando Anna Ustinovna ritarda il tè per gli ospiti e Glafira grida a sua suocera davanti a tutti, leggiamo:

Glafira

Perché hai fallito lì con il tè!

................................................

Calpestare solo in casa, ma non ha senso.

Borovtsov

Bene, stai zitto, stai zitto! Ciao, damigella d'onore!

Nella versione finale, AN Ostrovsky sottolinea la doppiezza di Borovtsova.

Borovtsov

Bene, stai zitto, stai zitto! Non gridare davanti alla gente! Non bene. Ciao, damigella d'onore!

Da questa aggiunta, diventa chiaro che Borovtsova si preoccupa solo della decenza esteriore, non è affatto contraria a Glafira che urla a sua suocera, ma non in pubblico. La conclusione suggerisce involontariamente che una nuova frase nel discorso di Borovtsova sia stata aggiunta da AN Ostrovsky non solo per promuovere il suo personaggio, ma anche il personaggio di Glafira. Diventa chiaro che la mansuetudine di Glafira prima del matrimonio era ostentata, ma per natura e educazione era rude e avida.

Questa piccola aggiunta rivela il carattere di due personaggi contemporaneamente.

Nella versione originale, quando arriva Pogulyaev, Glafira lo saluta molto gentilmente.

Pogulyaev (Glafira)

Ho l'onore di congratularmi con te. (si inchina a tutti)

Glafira

Grazie umilmente.

Dal dialogo è chiaro che Glafira accetta Pogulyaev senza gioia, ma il suo comportamento puramente esteriore non va oltre i limiti della decenza. Nella versione finale, AN Ostrovsky aggiunge un'altra frase al discorso di Glafira:

Pogulyaev (Glafira)

Ho l'onore di congratularmi con te. (si inchina a tutti).

Glafira

Grazie umilmente. Solo oggi non abbiamo aspettato estranei, vogliamo passare del tempo tra i nostri.

Nella versione finale, il significato della risposta di Glafira al saluto di Pogulyaev cambia radicalmente. Pronuncia la prima frase come con una presa in giro, quindi sottolinea che Pogulyaev è un estraneo per loro. Questo rivela un altro tratto del carattere di Glafira: l'indifferenza verso le persone "non necessarie".

Parlando con Pogulyaev, Pereyarkov sottolinea che loro (i Borovtsov, Pereyarkov e Turuntaev) hanno tenerezza tra di loro; che "vivono anima per anima". Ma non appena Pereyarkov esamina le carte del suo vicino (lo fa senza un brivido di coscienza), Turuntaev lo chiama un ladro davanti a tutti.

Inizia una scaramuccia. Ognuno dei presenti cerca di insultare peggio il suo compagno. Durante la modifica, AN Ostrovsky aggiunge nuove repliche. Ora tutte queste persone "simpatiche" sembrano battibecchi da bazar.

Pereyarkov

Banco dei pegni! Koschey! Giuda!

Turuntaev

Ladro, ladro diurno!

Borovtsov

Di cosa stai abbaiando!

Turuntaev

E tu cosa sei, un metro!

A queste osservazioni, introdotte alla fine della lite tra Borovtsov e Turuntaev, durante il montaggio, AN Ostrovsky aggiunge una frase di Pogulyaev, che conclude questa scena.

Pogulyaev

Ecco la tua anima!

Al termine dell'apparizione, Pogulyaev concede in prestito a Kiselnikov. Kiselnikov gli è molto grato. Nella versione originale sembrava così:

Kiselnikov

Grazie, fratello, grazie, è preso in prestito! Ecco un amico, quindi un amico! Se non fosse stato per lui, mi sarei completamente disonorato davanti a mio suocero.

Dopo aver modificato la versione originale, leggiamo:

Kiselnikov

Ecco un amico, quindi un amico! Cosa c'è da fare, se non lui! Dove andare? Questo è per me, per la mia verità e mansuetudine, Dio ha mandato. Se ci fossero più amici simili, sarebbe più facile vivere nel mondo! Se non fosse stato per lui, mi sarei completamente disonorato davanti a mio suocero.

Su cosa vuole attirare la nostra attenzione AN Ostrovsky? Il significato delle parole di Kiselnikov cambia nella versione finale?

Nella prima versione, AN Ostrovsky non rivela la parola "amico" nella comprensione di Kiselnikov. Nella versione finale, diventa chiaro che per lui un amico è uno che può prestare denaro. Il drammaturgo sottolinea che il bisogno attenua tutti gli altri sentimenti in Kiselnikov.

All'inizio del gioco, Kiselnikov cerca ancora di protestare. Anche se erano solo parole, potevano anche trasformarsi in fatti. A poco a poco, AN Ostrovsky porta il lettore e lo spettatore al tragico finale dell'opera. Alla fine della seconda scena, Kiselnikov è una persona debole, volitiva, incapace di protestare, che si prende il merito e la pazienza.

ScenaIII

Nel manoscritto, AN Ostrovsky inizia a scrivere la terza scena di "Abysses" dalla seconda apparizione. A quanto pare, il drammaturgo non era pronto a presentare il primo fenomeno e lo lasciò "per dopo". Il primo fenomeno segue il secondo, poi il terzo fenomeno e così via.

Nella prima apparizione della terza scena, AN Ostrovsky racconta la vita di Kiselnikov negli ultimi cinque anni.

Passano altri cinque anni. Glafira è morta. I bambini sono malati, ma Kiselnikov non ha soldi per curarli. Il suocero, su cui Kiselnikov riponeva la sua ultima speranza, "si dichiarò insolvente". Ma Kiselnikov continua a sperare che Borovtsov gli restituirà almeno una parte dei soldi presi. Per non turbare sua madre, Kiselnikov cerca di darle almeno un po' di speranza.

Kiselnikov

Domani mattina andrò a trovare mio suocero. Non restituirò, lo prenderò solo per il colletto.

Anna Ustinovna

Chiedi bene...

La madre consiglia a suo figlio di chiedere prima bene, bene, e poi puoi "dietro il colletto". Per natura, Kiselnikov è una persona dalla volontà debole. Non sarà mai in grado di "prendere il cancello". Anna Ustinovna lo sa molto bene. Dopotutto, Kirill è più facile cedere che usare la forza e la pressione, anche in una questione relativa ai propri soldi. A conferma di ciò, AN Ostrovsky aggiunge:

Anna Ustinovna

Bene, dove sei! Faresti meglio a chiedere bene...

Questa frase inserita ancora una volta, attraverso le parole della madre, rivela in modo molto figurato la natura volitiva del figlio.

Il secondo fenomeno deve essere considerato più in dettaglio. È forse il luogo più drammatico della commedia. Nel secondo fenomeno si susseguono gli eventi principali che cambiano il carattere di Kiselnikov, che diventerà poi guida nelle sue azioni successive.

Borovtsov e Pereyarkov vengono a Kiselnikov. Borovtsov ora è vestito male e lui stesso è venuto da suo genero con una richiesta. Nella versione finale, AN Ostrovsky introduce l'appello "BRAT" nelle parole di Borovtsov. Il suocero chiama Kiselnikov che non perché lo ami, questo è solo il nuovo trucco di Borovtsov per attuare il piano vile che aveva concepito. AN Ostrovsky apporta modifiche significative al discorso di Pereyarkov, che dirige tutte le azioni di Borovtsov in questo incontro.

Nella versione originale leggiamo:

Pereyarkov

Gridare! Dopotutto, piangerai di fronte ad altri creditori.

Nella nuova edizione, Pereyarkov fornisce a Borovtsov consigli più dettagliati e raffinati:

Pereyarkov

Gridare! Perché non piangi? Ora la tua attività è come un orfano. Dopotutto, piangerai di fronte ad altri creditori. Devi inchinarti ai tuoi piedi.

Nella nuova versione, AN Ostrovsky sottolinea l'astuzia di Pereyarkov. Tali parole possono compatire qualsiasi persona, e ancor di più Kiselnikov. Borovtsov sa in anticipo che dopo tutto ciò che è stato detto e giocato, Kiselnikov accetterà di aiutarlo e firmare il documento necessario.

L'ingenuo Kiselnikov è pronto a fidarsi di Borovtsov e rinunciare ai propri soldi. Per sottolineare la generosità di Borovtsov "a parole", nella versione finale compare una nuova osservazione.

Borovtsov

Sì, come non credere a qualcosa, un eccentrico! te lo dirò più tardi... ti farò arricchire più tardi...

AN Ostrovsky attira l'attenzione su "più tardi", che qui confina con "mai".

Nella versione originale del manoscritto, AN Ostrovsky ha concluso il secondo fenomeno con un accordo di successo. Nel tentativo di rivelare lo stato d'animo del protagonista, la sua disperazione e paura della vita, nella nuova versione AN Ostrovsky introduce il monologo di Kiselnikov.

Kiselnikov

Figli miei, figli! Che cosa ti ho fatto! Sei malato, hai fame; sei derubato e tuo padre aiuta. Sono venuti i ladri, hanno portato via l'ultimo pezzo di pane, ma non ho combattuto con loro, non mi sono tagliato, non li ho rosicchiati con i denti, ma l'ho dato io stesso, ho dato il tuo ultimo cibo con le mie stesse mani. Deruberei le persone da solo e ti darò da mangiare - le persone mi perdonerebbero e Dio mi perdonerebbe; e io, insieme ai ladroni, ti ho derubato. Mamma, mamma!

Nella terza apparizione, Kiselnikov racconta a sua madre tutto quello che è successo. Entrambi sono eccitati. Nella versione finale, AN Ostrovsky introduce brevi osservazioni che aggiungono dinamismo alla loro conversazione e migliorano ulteriormente la drammaticità della situazione.

Anna Ustinovna

Non brontolare, Kirill, non brontolare!

Kiselnikov

Oh, morire adesso!

Anna Ustinovna

E i bambini, i bambini!

Kiselnikov

Sì, bambini! Bene, quello che è andato è andato.

L'ultima osservazione testimonia la prudenza di Kiselnikov. Capisce che le lacrime non aiuteranno il dolore.

Nella versione originale del manoscritto, A.N. Ostrovsky mette in bocca a Kiselnikov solo le seguenti parole:

Kiselnikov

Quando riposarsi! La cosa è insopportabile. Siediti con me! Non sarò così annoiato; e poi qualcosa di peggio che brama il cuore fa schifo.

Ma da queste parole non è chiaro come Kiselnikov uscirà da questa situazione. Pertanto, durante la modifica del testo, AN Ostrovsky inserisce diverse nuove frasi nella citata dichiarazione di Kiselnikov e quindi mostra che non starà a guardare.

Kiselnikov

Quando riposarsi! La cosa è insopportabile. Bene, mamma, lascia che si divertano! Non diventeranno ricchi con i nostri soldi. Adesso vado al lavoro. Lavorerò giorno e notte. Siediti con me! Non sarò così annoiato; e poi qualcosa di peggio che brama il cuore fa schifo.

Sembra interessante tracciare come si è sviluppata la vita di Kiselnikov.

Kiselnikov ha studiato all'università, ma non l'ha finita. Spero di continuare a imparare. Incontra Glafira, la sposa per amore ed è sicuro che anche Glafira lo ami. Kiselnikov sogna una nuova vita felice e ricca, poiché suo suocero promette seimila dollari per Glafira.

Tuttavia, nella vita tutto è andato in modo abbastanza diverso. Glafira si trasforma nella moglie di un commerciante scandaloso e avido. Kiselnikov non solo non riceve i seimila promessi, ma perde anche i risparmi, dati a suo suocero contro ricevuta di credito.

Glafira muore. Quattro bambini malati rimangono tra le braccia di Kiselnikov. Kiselnikov non ha soldi per le cure. Tutti i bambini tranne Lisa muoiono. Oltre a tutto, il ricco suocero viene "dichiarato insolvente". Kiselnikov ha l'ultima speranza che suo suocero gli restituisca almeno una parte del proprio denaro, ma le circostanze sono tali che lo stesso Kiselnikov, per pietà di suo suocero, gli "dona" quest'ultima i soldi. Tale è la posizione del disperato Kiselnikov prima della quarta apparizione.

Gli eventi della quarta apparizione prefigurano l'epilogo dell'opera. Uno sconosciuto incita Kiselnikov a commettere una falsificazione di un documento. Per questo offre una grande quantità. Per natura, Kiselnikov è una persona molto onesta e nobile. Non avrebbe mai potuto permettersi di accettare una tangente, anche in una situazione critica, sebbene altri lo facessero senza un brivido di coscienza. Ma ecco che arriva l'ultima speranza. Il suocero lo "ruba". Non ci sono soldi e non ci saranno, ma nelle mani di un'anziana madre e figlia, che ha ancora bisogno di rimettersi in piedi. In preda alla disperazione, Kiselnikov commette un falso del documento. Durante la modifica del manoscritto, volendo sottolineare l'incoscienza dell'atto di Kiselnikov, AN Ostrovsky aggiunge alla versione originale le seguenti dichiarazioni del suo eroe dopo il crimine che ha commesso in carica:

Kiselnikov

Dio! Cosa sto facendo! (piange.)

...........................................................................

Non mi ucciderai. Famiglia-s!

Nella quinta apparizione vediamo Kiselnikov correre qua e là, con gli occhi pieni di paura. Il suo discorso e le sue azioni sono irregolari. Le sue condizioni sono vicine a quelle di un paziente con la febbre. Soprattutto, Kiselnikov ha paura di perdere i soldi che ha appena avuto.

Kiselnikov

Oh mio Dio! Bene, attraverso le fessure, dietro lo sfondo, avvolgilo in stracci.

Nel tentativo di sottolineare che Kiselnikov si preoccupa dei soldi non per se stesso, ma per la sua famiglia, quando lavora in questo posto, AN Ostrovsky espande l'osservazione di cui sopra in modo più ampio.

Kiselnikov

Oh mio Dio! Bene, attraverso le fessure, dietro lo sfondo, avvolgilo in stracci. In modo che ti rimangano dei soldi di quelli che devi vivere con i bambini dopo di me.

Alla fine della quarta scena finale della terza scena, durante il montaggio, AN Ostrovsky aggiunge l'esclamazione di Kiselnikov.

Kiselnikov

Mamma, sono a un soffio dalla servitù penale... Domani, forse

Questa è l'ultima sobria esclamazione di Kiselnikov.

ScenaIV

Nella prima apparizione della quarta scena, abbiamo davanti a noi un Borovtsov completamente rovinato e un Kiselnikov impazzito.

Passano altri cinque anni. Le vite degli attori cambiano, così come la loro posizione. Ora Kiselnikov e Borovtsov vendono insieme cose vecchie sulla piazza. Potente mercante, suocero di Kiselnikov, Borovtsov si ritrova nella posizione del suo povero genero. Questa è la vita.

Anna Ustinovna, che ha cinque anni, rimane la stessa madre devota, cercando di proteggere il suo amato Kirill da qualsiasi eccitazione. Questo tratto caratteriale, durante la modifica del testo, sottolinea AN Ostrovsky nella nuova edizione.

Nella prima versione, quando Borovtsov ricorda ad Anna Ustinovna la sua vita precedente, leggiamo:

Anna Ustinovna

Oh sta zitto!

Nella seconda versione, dopo la modifica, abbiamo:

Anna Ustinovna

Oh sta zitto! Cosa stai con lui! Bene, svegliati e ricorda...

Anna Ustinovna è costantemente preoccupata per Kirill. Crede che Kirill possa svegliarsi.

Durante la modifica della versione originale del manoscritto, AN Ostrovsky aggiunge al discorso di Borovtsov le parole su "talan-dol". Inventa questo proverbio in modo che Kiselnikov possa credere in qualcosa.

Nel secondo fenomeno, incontriamo per la prima volta la figlia maggiore di Kiselnikov, Lisa, e incontriamo di nuovo Pogulyaev. Nella prima versione, AN Ostrovsky non specifica chi sia diventato Pogulyaev negli ultimi cinque anni. Ma quando si confronta la sua vita con la vita di Kiselnikov, diventa necessario. Nella nuova edizione, AN Ostrovsky introduce la seguente aggiunta al dialogo di Pogulyaev:

Pogulyaev

Ora avvocato, mi occupo di cucina.

Questo inserto mostra che Pogulyaev ha raggiunto una buona posizione nella società e ha ricevuto un seggio in tribunale. Anna Ustinovna gli racconta la storia di Kiselnikov. È interessante notare che nella versione originale della sua storia iniziava con le parole:

Anna Ustinovna

Il servizio non gli è stato dato - in qualche modo non si è abituato; ...

Nella nuova versione leggiamo:

Anna Ustinovna

La famiglia, il padre e i parenti hanno rovinato Kirill. Il servizio non gli è stato dato - in qualche modo non si è abituato; ...

Nelle nuove parole di Anna Ustinovna, AN Ostrovsky sottolinea ancora una volta che il motivo principale dell'attuale posizione di Kiselnikov non è nel servizio, ma nel suo ambiente.

Anna Ustinovna dice a Pogulyaev che Kirill è impazzito. Durante il montaggio, AN Ostrovsky aggiunge: "per paura". Cos'è questa paura? Questa è la paura di una persona onesta davanti alla legge, la paura del capofamiglia per sua figlia e sua madre.

Nella conversazione tra Lisa e Pogulyaev, AN Ostrovsky non cambia quasi nulla. Solo nella versione finale si tocca il tema della felicità. Si scopre che Pogulyaev ha tutto tranne la felicità.

Pogulyaev è finanziariamente benestante ed è felice di aiutare la famiglia del suo amico. In memoria di una vecchia conoscenza, regala una banconota ad Anna Ustinovna. La madre di Kiselnikov gli è molto grata.

Anna Ustinovna

Vi ringraziamo umilmente per ricordarvi di noi orfani. Tu visiti.

Per rivelare la psicologia di una persona povera, AN Ostrovsky fa un'aggiunta alle parole di cui sopra di Anna Ustinovna.

Anna Ustinovna

Se non hai la felicità, allora hai i soldi; Significa che puoi ancora vivere.

Vi ringraziamo umilmente per ricordarvi di noi orfani. Tu visiti.

Per un povero, la felicità, a volte, non è necessaria quando

avere soldi.

Nel costruire il quarto fenomeno, AN Ostrovsky introduce modifiche semantiche alla disposizione degli eventi.

Nella versione originale, il quarto fenomeno è iniziato dal momento in cui Kiselnikov è arrivato con una banconota da dieci rubli, che gli è stata data da un vicino gentiluomo per povertà. Nella versione modificata, l'azione inizia con le parole incoerenti di Kiselnikov, che aveva appena sentito dal maestro e perseguitavano la sua psiche scossa.

Kiselnikov

Canile, canile...

...................................

Un canile, dice, un canile...

Kiselnikov ripensa alle parole che ha sentito, andrà di nuovo dal maestro. Lisa capisce subito qual è la posta in gioco. È disperata. Lisa può salvare la famiglia se va al mantenimento di un ricco vicino. Cosa dovrebbe fare?

Al termine dell'apparizione, Lisa pronuncia parole piene di disperazione:

Lisa

Chi mi aiuterà! Sto sopra l'abisso, non ho niente a cui aggrapparmi. Persone gentili!

Nel processo di modifica del testo, AN Ostrovsky apporta modifiche a questa parte del manoscritto. Variante modificata:

Lisa

Chi mi aiuterà ora! Sto sopra l'abisso, non ho niente a cui aggrapparmi. Oh, salvami, brava gente! Nonna, parlami qualcosa!

Nella prima versione, Lisa parla dell'aiuto in generale, e nella versione finale, dell'aiuto in questo momento. Questo grido di un uomo che sta annegando: "Salvami!" - il climax della situazione attuale. Lisa chiede aiuto, ma da chi? Nemmeno sua nonna le parla, perché ha paura di darle dei cattivi consigli e di privare la sua famiglia di una possibile salvezza. Nella versione modificata, AN Ostrovsky esalta il dramma della situazione attuale.

Nella quinta apparizione, riappare Pogulyaev. Nella versione originale del manoscritto, l'apparizione inizia con l'esclamazione di Liza rivolta a Pogulyaev:

Lisa

Aiutami!

Questo potrebbe essere considerato come una goccia inaspettata, a cui Lisa si aggrappa, essendo disperata. Non le importava a chi chiedere aiuto.

Durante la modifica del manoscritto, AN Ostrovsky rifiuta questa opzione. Di tutte le persone intorno a Lisa, solo Pogulyaev può aiutarla. Così, nella nuova edizione, concretizza l'appello di Lisa.

Lisa

Oh, quanto sei puntuale! Ho bisogno di chiedere un consiglio, non a nessuno. Aiutami.

Pogulyaev propone a Lisa e lei accetta. Lo riferisce a Kiselnikov. La reazione di Kiselnikov a questo messaggio subisce un cambiamento durante la modifica del manoscritto.

Nella prima opzione:

Kiselnikov

Mammina!

Anna Ustinovna

Vero, Kiryusha, vero!

Cosa significa questa esclamazione di Kiselnikov? Paura, gioia? Da questa esclamazione, la reazione di Kiselnikov non è del tutto chiara.

Durante l'elaborazione di questa scena, AN Ostrovsky sente che è importante che Kiselnikov rinsavisca e realizzi, in quel momento, quale felicità è caduta su sua figlia. Se AN Ostrovsky avesse cambiato solo le parole di Kiselnikov, anche questo non sarebbe stato sufficiente. Pertanto, nel discorso di Anna Ustinovna compare una nuova frase, a testimonianza del buon senso di Kiselnikov in questo momento cruciale.

Kiselnikov

Mammina! Lisa! Si sposa? Verità?

Anna Ustinovna

Grazie a Dio mi sono svegliato! Vero, Kiryusha, vero!

Risposta di Anna Ustinovna: "Grazie a Dio, mi sono svegliato!" sottolinea la doppia gioia della madre. In primo luogo, Kiryusha è tornato in sé e può essere felice per sua figlia, e in secondo luogo, è contenta che Liza si sposi così bene.

Nella sesta manifestazione del dramma, vediamo che il buon senso non lascia Kiselnikov fino alla fine dell'opera. Quando Pogulyaev invita tutti a trasferirsi con lui, Kiselnikov dice apertamente che non ne vale la pena, che è un truffatore e ora solo suo suocero può fargli compagnia.

Durante il montaggio della sesta apparizione, il drammaturgo apporta una modifica al monologo finale di Kiselnikov, amplificandolo con un'esclamazione:

Kiselnikov

No, Pogulyaev, prendili, prendili; Dio non ti lascerà; e guidaci, guida! ...

Kiselnikov ha paura che l'abisso succhi sua figlia. La sua vita è già spezzata, quindi lascia che Lisa non ripeta i suoi errori.

Quando si esamina e si studia il manoscritto di A.N. Ostrovsky "Abyss", è facile stabilire due versioni della sua scrittura: l'originale e quella finale.

In termini di composizione, il gioco è concepito come segue.

Il giovane Kiselnikov incontra il suo vecchio amico Pogulyaev. Dalla storia di Kiselnikov apprendiamo come ha vissuto ultimamente. Qui apprendiamo che Kiselnikov sposerà Glafira. Tutti questi eventi sono l'esposizione del gioco.

Kiselnikov si è sposato. La sua vita è cambiata. AN Ostrovsky racconta tutte le disgrazie che gli sono cadute sulla testa. Il matrimonio di Kiselnikov è la trama dell'opera.

AN Ostrovsky ci porta gradualmente al culmine. In primo luogo, Kiselnikov viene privato dell'eredità promessa, quindi dà i suoi soldi a suo suocero. Il punto culminante più alto è la falsificazione del documento.

La commedia ha un epilogo drammatico: Kiselnikov perde la testa.

Su quale frammento dell'opera ha lavorato con più attenzione AN Ostrovsky? Sfogliando di nuovo il manoscritto, è chiaro che AN Ostrovsky ha dovuto apportare modifiche uguali in tutte le parti dell'opera. Se prendiamo in considerazione che l'esposizione ha il volume più piccolo e ci sono un gran numero di correzioni e aggiunte, allora possiamo dire che A.N. Ostrovsky ha lavorato all'esposizione con maggiore attenzione.

Merita attenzione il lavoro del drammaturgo sui personaggi principali. Tutte le immagini sono quasi immediatamente tratteggiate dall'autore nella loro versione finale. AN Ostrovsky aggiunge frasi e commenti al discorso di alcuni personaggi, sottolineando nuovi tratti caratteriali. Ciò è particolarmente vero per le immagini di Kiselnikov e Glafira. L'immagine di Pogulyaev rimane nella sua forma originale e le nuove frasi nel discorso di Anna Ustinovna non influenzano in alcun modo la sua immagine. Servono a rivelare le immagini e i personaggi di altri personaggi. AN Ostrovsky apporta anche modifiche alla caratterizzazione delle immagini di Borovtsov e Borovtsova.

§ 2. Il lavoro di AN Ostrovsky sulle osservazioni.

Il lavoro di AN Ostrovsky sulle osservazioni dovrebbe essere discusso separatamente. Per cominciare, dovresti fare riferimento al dizionario esplicativo di S.I. Ozhegov e scoprire il significato della parola "REMARK":

Nelle opere teatrali di A.N. Ostrovsky, e in questo caso nella commedia "Abyss", le osservazioni giocano un ruolo importante. E ciò deriva, in primo luogo, dal fatto che nel processo di lavoro il drammaturgo ha apportato modifiche significative non solo al testo principale dell'opera, ma anche alle osservazioni.

Nella commedia "Abyss" ci sono tre tipi di commenti: commenti sui personaggi, commenti che rivelano la situazione nella vita dei personaggi e commenti che rivelano i personaggi attraverso il linguaggio e lo stato emotivo.

Ci sono poche osservazioni relative ai personaggi del manoscritto.

Nella versione finale dell'opera, AN Ostrovsky sostituisce il cognome Gulyaev con Pogulyaev. Cosa possa aver causato un simile cambiamento, è difficile dirlo. L'autore aggiunge alla caratterizzazione di Pogulyaev: "diplomato al corso".

Dopo aver modificato l'elenco dei personaggi, AN Ostrovsky rimuove il nome da nubile di Borovtsova, nella commedia appare non come Firsova, ma come Borovtsova.

Dopo aver apportato modifiche alla composizione dei personaggi della commedia, AN Ostrovsky cancella tutto, apparentemente nella speranza di tornare di nuovo su questo. Tuttavia, non esiste una nuova versione dei caratteri nel manoscritto, quindi la versione originale è stata data per la stampa.

Non ci sono cambiamenti nelle osservazioni dei personaggi prima della seconda scena.

Nella terza scena, Glafira è stata inclusa nella versione originale dei personaggi. Non esiste nella versione finale.

AN Ostrovsky ha attribuito grande importanza alla descrizione della situazione che circonda i personaggi sul palco. Il drammaturgo ha prestato molta attenzione al lavoro su osservazioni di questo tipo.

Nella prima scena, dopo aver descritto i personaggi nella versione iniziale del manoscritto, leggiamo:

"Giardino noioso".

Questa è l'ambientazione in cui dovrebbe svolgersi la prima scena.

Un'osservazione così breve non soddisfa il drammaturgo. Nella versione finale, AN Ostrovsky rivela allo spettatore il panorama di un giardino noioso.

"Un giardino noioso. Un prato tra gli alberi; davanti c'è un sentiero e una panchina; in fondo c'è un sentiero, dietro il sentiero ci sono alberi e una vista sul fiume Mosca ..." Perché l'autore rivela ai lettori il panorama di un noioso giardino, vicino al quale abitavano i mercanti? Si può presumere che A.N. Ostrovsky stia cercando di ottenere una maggiore figuratività, presta attenzione ai dettagli: una panchina, sentieri, alberi ... La natura di Zamoskvorechie appare davanti al lettore e allo spettatore (un'abbondanza di alberi, una vista di Mosca Fiume). Queste descrizioni sono fornite dall'autore anche per una maggiore affidabilità dell'azione.

Nella seconda scena dello spettacolo, non ci sono indicazioni di scena nella versione originale. Durante l'elaborazione e la modifica del manoscritto, nel testo viene visualizzata un'osservazione:

"Una stanzetta nell'appartamento di Kiselnikov."

Questa osservazione allarma il lettore e lo spettatore. Dopotutto, Kiselnikov sperava di arricchirsi e l'atmosfera della seconda scena suggerisce il contrario. Questa osservazione introduce molto chiaramente e francamente il contenuto dell'azione in corso.

Nella terza scena, nella versione originale, c'era una breve osservazione:

"Camera povera"

Ma cosa intende A.N. Ostrovsky con tale definizione?

Nella nuova edizione, dopo le modifiche e le integrazioni apportate, A.N. Ostrovsky svela il concetto di "poveri". Il drammaturgo dà a questa definizione un'interpretazione concreta e unidirezionale:

"Una stanza povera; un tavolo dipinto e diverse sedie; sul tavolo c'è una candela di sego e un mucchio di carte..."

Questo chiarimento mostra che il protagonista della commedia, Kiselnikov, è già sull'orlo della povertà. Ancora una volta, AN Ostrovsky presta attenzione ai dettagli e non guarda l'immagine nel suo insieme. La candela sul tavolo è proprio "unta", il che fa entrare in empatia il lettore con l'eroe, si sottolinea il disordine: "una pila di carte" sul tavolo.

I casi discussi sopra mostrano che le osservazioni sull'impostazione della scena aiutano a rivelare il contenuto e creano un certo stato d'animo.

Infine, il terzo tipo di osservazioni: osservazioni emotive e osservazioni che indicano a chi si rivolge specificamente il personaggio.

Così, ad esempio, in un dialogo con Glafira (scena II, prima apparizione), Kiselnikov, incapace di sopportare insulti, si tappa le orecchie. Nella versione originale, dopo la modifica, AN Ostrovsky dota il comportamento passivo di Kiselnikov di una risposta che viene dal profondo della sua anima e amplia l'osservazione con la parola "GRIDANTE".

Nella quinta apparizione della seconda scena, quando Kiselnikov, in pericolo, racconta a Pogulyaev un sogno con consolazione e speranza di diventare ricco, AN Ostrovsky aggiunge:

"tra le lacrime"

Queste lacrime rivelano lo stato d'animo di Kiselnikov, la sua disperazione. Il drammaturgo educa il lettore e lo spettatore sull'esempio del suo eroe, insegna l'empatia.

Nella scena in cui Kiselnikov riceve una tangente per aver falsificato un documento, secondo le parole di Kiselnikov:

"Signore! Cosa sto facendo!".

AN Ostrovsky aggiunge l'osservazione "(piange)".

Sulla base di quanto precede, possiamo concludere che tutte le nuove osservazioni introdotte dall'autore durante la modifica della prima versione del manoscritto comportano un grande carico psicologico ed emotivo nell'opera teatrale e aiutano il lettore, il pubblico e gli attori a comprendere meglio i personaggi , guarda nella loro anima e suscita simpatia per il personaggio principale. .

Conclusione.

Nella commedia "Abyss" AN Ostrovsky rivela al lettore e allo spettatore la vita di una famiglia di mercanti. Eliminando la solita patina esteriore, l'autore mostra che maleducazione, umiliazione e inganno si nascondono dietro l'attrattiva esterna delle famiglie ricche nelle loro vite.

AN Ostrovsky ha affermato il principio della rappresentazione veritiera della realtà.

Nella commedia "Abyss", disegna l'immagine di un tipico rappresentante della classe mercantile russa: Borovtsov. La storia della vita di Borovtsov è la storia della vita di un mercante avido e avaro che iniziò con una ricchezza esorbitante e finì in povertà.

Nella commedia, AN Ostrovsky pone una grande questione sociale, la questione della vita nella classe mercantile. AN Ostrovsky è stato in grado di rivelare in profondità e disegnare ampiamente le immagini della vita mercantile solo grazie alla conoscenza personale e alle osservazioni della vita di questa società.

L'immagine della classe mercantile è rimasta un tema fondamentale nel suo lavoro. Tuttavia, A.N. Ostrovsky non si è limitato a questo e ha dipinto la vita della burocrazia ("Il nostro popolo - ci sistemeremo", "Povera sposa", "Abisso"), la nobiltà ("Non sederti sulla tua slitta") e la borghesia ("Non vivere così come ti piace").

Come ha giustamente notato AI Revyakin: "La versatilità degli interessi tematici, lo sviluppo dei più importanti problemi di attualità della sua epoca hanno reso AN Ostrovsky uno scrittore nazionale di grande importanza sociale".

Tra i piccoli funzionari, AN Ostrovsky ha sempre individuato i lavoratori onesti che erano piegati dal superlavoro. Il drammaturgo li ha trattati con profonda simpatia.

Sperimentando un'estrema privazione materiale, sentendo la loro mancanza di diritti, questi eroi-lavoratori hanno cercato con le parole e con i fatti di portare la bontà e la verità nella vita. Non condividendo l'intenzione di Kiselnikov di vivere della dote di Glafira e degli interessi del capitale, lo studente dell'opera teatrale "Abyss" dichiara con sicurezza: "Ma secondo me, non c'è niente di meglio che vivere del proprio lavoro". (sc.1, yavl.3).

In "Abyss" AN Ostrovsky mette deliberatamente in primo piano una personalità insignificante. I principali aspetti negativi del protagonista, l'autore fa della passività e dell'incapacità di combattere l'ambiente, la sua morale.

Secondo i Borovtsov e altri come loro, i principali difetti di Kiselnikov sono l'onestà e la povertà.

Il lavoro di AN Ostrovsky è in sintonia con il lavoro di FM Dostoevsky, nel rivelare il problema della ricerca morale dell'individuo. Gli eroi di Dostoevskij Svidrigailov e Stavrogin languiscono nel vuoto dell'esistenza e, alla fine, finiscono per suicidarsi. La ricerca li conduce al problema dell'"abisso" morale interiore. In "Hard Days" uno degli eroi di A.N. Ostrovsky osserva: "In una parola, vivo nell'abisso" e alla domanda: "dov'è questo abisso?" - risponde: “Ovunque: devi solo scendere. Confina con l'oceano settentrionale a nord, l'oceano orientale a est e così via.

Il drammaturgo ha rivelato la profondità di queste parole nella commedia "Abyss". E con tale forza artistica ha rivelato che il trattenuto Anton Pavlovich Cechov ha scritto con un entusiasmo insolito per lui: “La commedia è sorprendente. L'ultimo atto è qualcosa che non scriverei per un milione. Questo atto è un intero spettacolo, e quando avrò il mio teatro, metterò in scena solo questo atto.

Come Zhadov di "Profitable Place" e altre persone che sono uscite dalla "vita universitaria" con i suoi "concetti", "convinzioni avanzate", Kiselnikov inizia a rendersi conto di essere "niente di meglio degli altri" una volta che accetta di falsificare un documento. Partendo con l'accusa di tangenti, Kiselnikov finisce con un declino morale, poiché dice di sé: "Abbiamo venduto tutto: noi stessi, la coscienza ..." e il motivo si vede nell'ideale a cui aspiravano persone come Kiselnikov nella loro giovinezza.

L'ideale erano solo dichiarazioni ad alta voce, ma non azioni. Alla prima prova di vita, i Kiselnikov sono pronti a servire qualsiasi idea, purché redditizia.

"... il drammaturgo non brucia di odio", osserva AI Revyakin, "ma simpatizza, si rammarica, piange dolcemente, vedendo la vita umana rovinata, perché il "potere della grazia" vede oltre e perdona di più, perché ama più profondo."

Kiselnikov muore nell'abisso della vita mercantile. Per una personalità debole, una simile fine è inevitabile.

Riassumendo il lavoro sull'analisi del manoscritto del dramma di A.N. Ostrovsky "Abyss", va notato che il materiale contenuto nella bozza del manoscritto ha permesso di tracciare in modo completo la nascita dell'opera teatrale e la finitura delle sue immagini.

Tutte le modifiche e le aggiunte note sono state apportate da AN Ostrovsky per migliorare l'impatto emotivo dell'opera, il desiderio di suscitare compassione nel lettore e nello spettatore per il personaggio principale - Kiselnikov.

Il fatto che nel processo di lavoro creativo A.N. Ostrovsky non abbia dovuto riscrivere la bozza del manoscritto due o più volte e che tutte le modifiche, le inserzioni e le aggiunte siano state apportate da lui nella prima versione del manoscritto, indica che l'autore conosceva il materiale presentato bene, le immagini sono state ritenute necessarie solo per essere progettate artisticamente e trasmesse al lettore e allo spettatore. Il classico non si oppone alla modernità, ma ci dà l'opportunità di vederci in una prospettiva storica. Come ha osservato E. Kholodov: "Senza il senso del passato, non c'è il senso del presente - chi è indifferente al passato è indifferente al futuro, non importa quanto giura a parole di essere fedele agli ideali di questo molto luminoso - brillante futuro. I classici coltivano in noi solo un senso di coinvolgimento personale nel movimento storico dell'umanità dal passato al futuro.

Le rappresentazioni assumono un suono moderno, a seconda di quanto il teatro è riuscito a trasmettere al pubblico ciò che oggi può emozionare tutti. Va notato che in un'epoca l'interesse dei teatri e degli spettatori è attratto da alcune opere classiche, e in altre epoche da altre opere classiche. Ciò è dovuto al fatto che il classico entra in complesse relazioni reciproche ideologiche ed estetiche con la modernità. Nei nostri studi teatrali, c'è la seguente periodizzazione del repertorio di A.N. Ostrovsky:

1 periodo anni di guerra civile. Ostrovsky è messo in scena e suonato alla vecchia maniera.

2 periodo- 20 anni. Esperimento formalistico sulla drammaturgia di Ostrovsky.

3 periodo- la fine degli anni '20 e la prima metà degli anni '30. Influenza della sociologia. Nell'opera di Ostrovsky vengono enfatizzati solo i colori satirici.

4 periodo- gli anni della seconda guerra mondiale ei primi anni del dopoguerra. Nella drammaturgia di Ostrovsky si cercavano sia i lati oscuri che quelli chiari dell'immagine della vita.

Nel 1923 il paese celebrò ampiamente il centesimo anniversario della nascita del grande drammaturgo russo. Quell'anno, davanti alla facciata del Teatro Maly, fu posto un monumento al grande drammaturgo russo. Sempre in quest'anno furono pubblicati 10 volumi delle prime opere raccolte sovietiche di AN Ostrovsky, completate nel 1923. Durante l'anno giubilare a Mosca, Pietrogrado, Ivanovo-Voznesensk, Vladikavkaz sono stati pubblicati più di una dozzina di libri dedicati alla vita e all'opera del drammaturgo. E, naturalmente, sono state messe in scena le esibizioni del grande drammaturgo.

Negli anni '60, Ostrovsky iniziò di nuovo a conquistare l'attenzione di teatri e critici. Spettacoli sono stati organizzati durante questi anni non solo a Mosca e Leningrado, ma anche in molte altre città: a Kiev, Gorky e Pskov - "Per ogni uomo saggio ...", a Novosibirsk e Sverdlovsk - "Tempesta", a Minsk e Kaluga - "L'ultimo sacrificio", a Kaunas - "Luogo redditizio", a Vilnius - "Il matrimonio di Balzaminov", a Novgorod - "Abisso", a Tambov - "Colpevole senza colpa". Va notato che ogni epoca ha portato la sua nuova visione della drammaturgia di Ostrovsky, quindi proprio quelle domande che interessavano lo spettatore moderno sono state messe in primo piano.

AN Ostrovsky ha diverse opere teatrali al centro delle quali c'è l'immagine di un giovane che sceglie la propria strada nella vita. Le commedie più popolari sono Luogo redditizio, Abbastanza semplicità per ogni saggio e Abisso. In queste opere si possono tracciare tre percorsi di un giovane intellettuale nella realtà contemporanea di A.N. Ostrovsky. Ciò che accomuna i personaggi principali (Zhadov, Glumov e Kiselnikov) è che sono giovani, cioè persone che iniziano la loro vita, scegliendo percorsi di vita.

"Gli ideali di Zhadov di Profitable Place non sono schiacciati da una sorta di "dramma terribile e sconvolgente" - sono minati giorno dopo giorno, giorno dopo giorno dalla vile prosa della vita, ripetendo instancabilmente gli argomenti irresistibilmente volgari del buon senso - oggi come ieri e domani come oggi".

L'opera teatrale "Abyss" ricorda allo spettatore moderno il vecchio teatro, nemmeno ai tempi di Ostrovsky, ma di un'epoca ancora più lontana. Ricordiamo che le prime scene si svolgono, secondo l'osservazione dell'autore, "circa 30 anni fa", e la commedia stessa è stata scritta nel 1865. Lo spettacolo inizia con il pubblico che parla del melodramma di Ducange "Thirty Years Later, or the Life of a Player" con la partecipazione dello stesso Mochalov.

Kholodov osserva che "l'esecuzione del melodramma Thirty Years Later, or the Life of a Player" è, per così dire, contraria alla presentazione del dramma della vita di Kiselnikov, che potrebbe essere intitolato "Seventeen Years, or the Life of a Perdente." L'essenza di The Deep è che, avendo preso come base lo schema della trama tipico del melodramma, il drammaturgo confuta il concetto melodrammatico di personalità e società con l'intera logica della sua opera. AN Ostrovsky contrappone la vita al teatro.

"Abyss" - l'unica delle opere teatrali di A.N. Ostrovsky, che si basa su un principio biografico, "agiografico" - conosciamo Kirill Filippych Kiselnikov quando ha 22 anni, poi

lo incontriamo a 29, a 34 e infine a 39. Per quanto riguarda Zhadov e Glumov, lo spettatore può solo immaginare come andranno a finire le loro vite, mentre la vita di Kiselnikov si svolge davanti allo spettatore per 17 anni. Kiselnikov sta invecchiando davanti ai nostri occhi: a 39 anni è già un vecchio.

Nelle opere teatrali "Abyss" e "Profitable Place" appare la stessa metafora: l'immagine di un cavallo guidato. Zhadov: " Il bisogno, le circostanze, la mancanza di educazione dei miei parenti, la depravazione che mi circonda possono guidarmi come viene guidato un cavallo di posta...» Kiselnikov: « Sai, mamma, loro guidano il cavallo di posta, che arranca gamba dopo gamba, pende la testa, non guarda niente, se solo potesse in qualche modo trascinarsi alla stazione; ecco come sono diventato". Le circostanze possono ancora "guidare Zhadov", ma hanno già guidato Kiselnikov ("qui sono diventato così"). Kiselnikov, come osserva Kholodov, è Zhadov, guidato dalla vita.

Il ruolo di Kiselnikov è solitamente affidato ad attori esperti, più vicini per età a Kiselnikov nelle ultime scene, quindi nell'interpretazione di tali attori nella prima scena, quando l'eroe ha solo 22 anni, c'è sempre un certo allungamento .

"Il guaio di Kiselnikov è nel kiselnikovismo", osserva Kholodov, "nell'inerzia mentale, nell'anima bella e inattiva, nella mancanza di spina dorsale, nella mancanza di volontà. Guai o sensi di colpa? Questa domanda viene sollevata all'inizio del dramma dallo stesso drammaturgo. Dopo la presentazione del melodramma di Ducange "Trent'anni, o la vita di un giocatore d'azzardo", il pubblico si scambia opinioni sul tragico destino dell'eroe. Lo spettatore si presenta con diversi punti di vista:

« Con chi ti comporti, lo sarai tu stesso»

« Ognuno è responsabile di se stesso ... Resta fermo, perché solo tu risponderai».

Una posizione: Sì, è un peccato". Un'altra posizione: Niente da rimpiangere. Conosci il limite, non cadere! Ecco perché la ragione è data all'uomo».

L'Abisso è una commedia incredibile, perché il drammaturgo non dà una risposta precisa: il protagonista è colpevole o no. Il teatro, seguendo A.N. Ostrovsky, risponde che questa è la sfortuna dell'eroe, ma anche il senso di colpa.

A differenza di Zhadov, Kiselnikov commette un crimine e stiamo assistendo alla caduta finale dell'eroe.

Va notato che il dramma "Abyss" attualmente attira più spettatori che lettori e ricercatori. Oserei suggerire che i ricercatori non sono molto interessati a studiare l'unica versione del manoscritto con tutte le correzioni e le aggiunte apportate. In termini artistici, "Abyss" è più debole del dramma "Thunderstorm", per esempio.

Ebbene, il lettore non è interessato a questo dramma, secondo me, perché non riesce a trovare una relazione amorosa e il tema del "piccolo uomo" non è più interessante, poiché è stato ampiamente divulgato nelle opere di N.V. Gogol, F.M. Dostoevskij, AP Cechov.

Tuttavia, la commedia "Abyss" è sempre presente nel repertorio del Teatro Maly, che porta il nome del grande drammaturgo.

Fino al 2002, lo spettacolo era diretto da Yuri Solomin, e ora viene messo in scena in una nuova produzione da Korshunov.

Lo spettacolo è rilevante ai nostri giorni, poiché solleva un'acuta domanda psicologica: come sopravvivere in questo mondo se sei una persona onesta? Secondo me, ciascuno dei lettori dovrebbe trovare da solo la risposta alla domanda posta da A.N. Ostrovsky.

Estratti da "Memorie dell'artista N.S. Vasilkvoy". "Annuario dei Teatri Imperiali", 1909, n. 1, p.4.

Revyakin AI "Dramaturgia di A.N. Ostrovsky" (Al 150° anniversario della sua nascita), M.: Conoscenza, 1973, p.36

Lakshin V.Ya. "Alexander Nikolaevich Ostrovsky" - 2a ed., Rev. e ulteriori - M.: Art. 1982, p. 63.

Kholodov E.G. "Un drammaturgo per sempre"; Società teatrale tutta russa, M., 1975, p. 260-261.

3 ibid. 321

Lì con. 321Caratteristiche generali dell'A.N. Ostrovskij. Caratteristiche generali dell'A.N. Ostrovskij.

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Referat

Vita e originalità artistica degli spettacoliUN.Ostrovskij

Eseguito da D.R. Nikitina

"Hai portato in dono la letteratura un'intera biblioteca di opere d'arte, hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico ... Ti saluto come l'immortale creatore di una linea infinita di creazioni poetiche, da "The Snow Maiden", "The Il sogno di Voyevoda" a "Talents and Admirers" inclusi, dove vediamo con i nostri occhi e ascoltiamo la primordiale, vera vita russa in innumerevoli immagini ardenti, con il suo vero aspetto, magazzino e dialetto"

Con queste parole I.A. Goncharov si rivolse ad Alexander Nikolaevich Ostrovsky nel 1882, nel giorno del trentacinquesimo anniversario dell'attività letteraria del grande drammaturgo russo.

La drammaturgia e il teatro russi hanno vissuto una crisi acuta dagli anni '30 agli anni '40 del XIX secolo. Nonostante il fatto che molte opere drammatiche siano state create nella prima metà del 19° secolo (commedie di AS Griboyedov, AS Pushkin, M.Yu. Lermontov, N.V. Gogol), lo stato delle cose sulla scena drammatica russa ha continuato a rimanere deplorevole. Molte opere dei drammaturghi nominati furono oggetto di persecuzione censura e apparvero sul palcoscenico molti anni dopo la loro creazione.

La situazione non è stata salvata dall'appello di personaggi teatrali russi alla drammaturgia dell'Europa occidentale. Le opere dei classici della drammaturgia mondiale non erano ancora sufficientemente conosciute dal pubblico russo, spesso non c'erano traduzioni soddisfacenti delle loro opere. Ecco perché la posizione del teatro drammatico russo ha causato ansia tra gli scrittori.

Ostrovsky ha osservato: "La poesia drammatica è più vicina alle persone di tutte le altre branche della letteratura. Tutte le altre opere sono scritte per persone istruite e i drammi e le commedie sono per l'intera gente ... Questa vicinanza alla gente non umilia minimamente drammaturgia, ma, al contrario, ne moltiplica la forza e non la lascia volgarizzare e macinare".

Cominciò a scrivere opere teatrali, conoscendo perfettamente il teatro della capitale: il suo repertorio, la composizione della troupe, le doti recitative. Era il tempo del potere quasi indiviso di melodrammi e vaudeville. Riguardo alle proprietà di quel melodramma, Gogol ha giustamente detto che "mente nel modo più spudorato". L'essenza del vaudeville senz'anima, piatto e volgare è chiaramente rivelata dal titolo del primo di essi, che fu mostrato al Teatro Maly nel 1855: "Si sono incontrati, si sono confusi e si sono separati".

Ostrovsky ha creato le sue opere in un confronto consapevole con il mondo inventato del melodramma romantico-protettivo e il ringhio piatto del vaudeville naturalistico pseudo-realistico. Le sue opere hanno aggiornato radicalmente il repertorio teatrale, introdotto un elemento democratico in esso e rivolto bruscamente gli artisti verso i dilemmi ardenti della realtà, verso il realismo.

Il mondo poetico di Ostrovsky è solo vario. I ricercatori sono stati in grado di calcolare e identificare che in 47 opere teatrali - 728 (senza contare i ruoli secondari ed episodici) buoni per attori di vari talenti; che tutte le sue opere sono una vasta tela della vita russa in 180 atti, il luogo d'azione in cui è la Russia - nei suoi principali punti di svolta in due secoli e mezzo; che nelle opere di Ostrovsky sono rappresentate persone di "diverso rango" e costumi - e nelle più diverse manifestazioni reali. Ha creato cronache drammatiche, scene di famiglia, disastri, immagini di vita metropolitana e schizzi drammatici. Il suo talento è multidimensionale: è un romantico, un capofamiglia, un tragico e un comico...

Ostrovsky non resiste a un approccio unidimensionale e unidimensionale, quindi, dietro la brillante manifestazione satirica del talento, vediamo la profondità dell'analisi mentale, dietro la vita viscosa di tutti i giorni accuratamente riprodotta, vediamo lirismo e romanticismo ristretti.

Ostrovsky era molto ansioso di garantire che tutti i volti fossero reali e psicologicamente affidabili. Senza questo, potrebbero perdere la loro credibilità artistica. Ha osservato: "Stiamo ora cercando di rappresentare i nostri standard e tipi, presi dalla vita, nel modo più realistico e veritiero possibile nei minimi dettagli quotidiani e, soprattutto, riteniamo che la prima condizione per l'arte nell'immagine di questo tipo sia la corretta trasmissione del suo tipo di espressione, cioè il linguaggio e anche il tono del discorso, che determina il tono stesso del ruolo. Ora la produzione scenica (decorazione, costumi, trucco) negli spettacoli di tutti i giorni ha fatto grandi passi avanti ed è andata via lontano nel suo graduale avvicinamento alla verità.

Il drammaturgo ripeteva instancabilmente che la vita è più ricca di tutte le fantasie di un artista, che un vero pittore non compone nulla, ma si sforza di comprendere le complesse complessità della realtà. "Il drammaturgo non compone trame", ha detto Ostrovsky, "tutte le nostre trame sono prese. Sono date dalla vita, dalla storia, dalla storia di un amico, a volte da un articolo di giornale. Quello che è successo il drammaturgo non dovrebbe inventare; il suo compito è quello di scrivi come è successo o come potrebbe accadere Ecco tutto il suo lavoro Quando l'attenzione è chiamata da questa parte, le persone sembreranno vive e parleranno loro stesse.

Ma la rappresentazione della vita, basata su una chiara riproduzione del reale, non deve limitarsi alla riproduzione meccanica. "La natura non è la qualità principale; il vantaggio principale è l'espressività, l'espressione." Pertanto, possiamo tranquillamente parlare di un sistema integrale di autenticità reale, mentale e sensuale nelle opere del maestoso drammaturgo. Ostrovsky è un drammaturgo

La storia ha lasciato interpretazioni teatrali delle opere di Ostrovsky, diverse nel loro livello. C'erano fortune creative indiscutibili e c'erano veri e propri problemi causati da ciò. Che i registi si siano dimenticati della cosa principale: l'autenticità reale (e, come dovrebbe essere, sensuale). E questa cosa principale è stata talvolta rivelata in alcuni dettagli ordinari e insignificanti, a prima vista. Un esempio rilevante è l'età di Katherine. E in verità, importa quanti anni ha il personaggio principale? Una delle più grandi figure del teatro russo, Babochkin, ha scritto a questo proposito: "Se Katerina ha anche 30 anni dal palcoscenico, lo spettacolo acquisirà un significato nuovo e non necessario per noi. È necessario trovare correttamente la sua età a 17-18 anni. Secondo Dobrolyubov, lo spettacolo cattura Katerina nel momento del passaggio dalla giovinezza alla maturità. Questo è assolutamente vero e necessario. "

Il lavoro di Ostrovsky è strettamente connesso con i principi della "scuola naturale", che afferma la "natura" come punto di partenza della creatività artistica. Non è un caso che Dobrolyubov abbia chiamato i drammi di Ostrovsky "i drammi della vita". Sono apparsi alla critica come una nuova parola in drammaturgia, ha scritto che le opere teatrali di Ostrovsky "non sono commedie di intrighi e non commedie di costume in effetti, ma qualcosa di nuovo, a cui si può dare il nome di "commedie della vita", se non fosse molto ampio e quindi non del tutto accurato.”. Parlando dell'originalità dell'azione drammatica di Ostrovsky, Dobrolyubov ha osservato: "Vogliamo dire che in primo piano c'è sempre un ambiente di vita generale che non dipende da nessuno dei personaggi".

Questo "ambiente generale della vita" si trova nelle opere teatrali di Ostrovsky nei fatti più quotidiani e quotidiani della vita, nelle meschine configurazioni dell'anima umana. Parlando della "vita di questo regno oscuro", che è diventato l'oggetto principale della rappresentazione nelle opere teatrali del drammaturgo, Dobrolyubov ha osservato che "l'inimicizia infinita regna tra i suoi abitanti. Qui è tutto in guerra".

Per definire e riprodurre artisticamente questa guerra incessante erano necessari metodi completamente nuovi di studio, era necessario, per usare le parole di Herzen, introdurre l'uso del microscopio nel mondo morale. In "Note di un abitante fuori Mosca" e in "Quadri di felicità domestica" Ostrovsky ha fornito per la prima volta un'immagine reale del "regno oscuro".

Ma la vera riproduzione della vita e dei personaggi di Zamoskvorechye è andata oltre i confini di una sola descrizione "fisiologica", lo scrittore non si è limitato solo a una vera immagine esterna della vita. Cerca di trovare inizi positivi nella realtà russa, che per prima ha influenzato la rappresentazione comprensiva di una "piccola" persona. Quindi, nelle Note di un abitante di Zamoskvoretsky, un uomo oppresso, l'impiegato Ivan Erofeevich, ha cercato: "Mostrami. Quanto sono amareggiato, quanto sono sfortunato! cuore gentile, anima calda. "

Ostrovsky ha agito come un successore della tradizione umanistica della letteratura russa. Proprio dietro Belinsky, il più alto aspetto artistico dell'arte, Ostrovsky considerava il realismo e il folk. Che sono inimmaginabili sia senza un approccio sobrio e critico alla realtà, sia senza l'affermazione di un principio popolare positivo. "Più l'opera è elegante", ha scritto il drammaturgo, "più è popolare, più questo elemento accusatorio in essa contenuto".

Ostrovsky credeva che lo scrittore non dovesse solo entrare in relazione con le persone, studiandone la lingua, il modo di vivere e i personaggi, ma dovesse anche impossessarsi di nuove teorie dell'arte. Tutto ciò ha influenzato le opinioni di Ostrovsky sul dramma, che di tutti i tipi di letteratura è il più vicino alle ampie fasce democratiche della popolazione. Ostrovsky considerava la commedia una forma più efficace e riconosceva in se stesso la capacità di riprodurre la vita in misura maggiore in questa forma. Così, Ostrovsky, il comico, ha continuato la linea satirica del dramma russo, iniziando con le commedie del XVIII secolo e finendo con le commedie di Griboedov e Gogol.

A causa della sua vicinanza al popolo, molti contemporanei attribuirono Ostrovsky al campo degli slavofili. Ma Ostrovsky solo per un breve periodo ha condiviso opinioni slavofile comuni, espresse nell'idealizzazione delle forme patriarcali della vita russa. Ostrovsky ha poi rivelato il suo atteggiamento nei confronti dello slavofilismo come un certo fenomeno pubblico in una lettera a Nekrasov: "Tu ed io siamo solo due veri poeti popolari, siamo gli unici due che lo conoscono, sappiamo come adorarlo e sentire i suoi bisogni con il nostro cuori senza poltrona occidentalismo e slavofilismo infantile. Gli slavofili si sono fatti contadini degli alberi, beh, si consolano con loro. Puoi fare tutti i tipi di esperimenti con le pupe, non hanno bisogno di cibo.

Tuttavia, gli elementi dell'estetica slavofila hanno avuto un impatto positivo sul lavoro di Ostrovsky. Il drammaturgo ha risvegliato un entusiasmo invariabile per la vita popolare, per la creatività poetica orale, per il linguaggio popolare. Ha cercato di trovare inizi positivi nella vita russa, ha cercato di portare alla ribalta il buono nel carattere di una persona russa. Ha scritto che "per il diritto di correggere le persone, deve essere mostrato che sai bene dietro di lui".

Ha anche trovato riflessi sul carattere statale russo in passato, a punti di svolta nella storia della Federazione Russa. I primi progetti a tema storico risalgono alla fine degli anni '40. Era la commedia "Lisa Patrikeevna", basata sulle azioni dell'era di Boris Godunov. L'opera rimase incompiuta, ma il fatto stesso dell'appello del giovane Ostrovsky alla storia testimoniava che il drammaturgo aveva tentato di trovare nella storia la chiave dei problemi moderni.

Il gioco storico, secondo Ostrovsky, ha un vantaggio indiscutibile rispetto agli scritti storici più onesti. Se il compito dello storico è quello di trasmettere "ciò che è successo", allora "il poeta drammatico indica com'era, trasferendo lo spettatore nel luogo stesso dell'atto e rendendolo partecipe dell'azione", ha osservato il drammaturgo in "Nota sul posizione dell'arte drammatica in RF in questo momento" (1881).

Questa espressione esprime l'essenza stessa del pensiero storico e artistico del drammaturgo. Con maggiore chiarezza, questa posizione si rifletteva già nella drammatica cronaca "Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk", costruita su un attento studio di monumenti storici, annali, leggende e tradizioni popolari. In un vero quadro poetico del lontano passato, Ostrovsky è stato in grado di trovare veri eroi che sono stati ignorati dalla scienza storica ufficiale ed erano considerati solo "materiale del passato".

Ostrovsky ritrae il popolo come la principale forza trainante della storia, come la principale forza per la liberazione della madrepatria. Uno dei rappresentanti del popolo è il leader zemstvo di Nizhny Posad Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk, che ha agito come organizzatore della milizia popolare. Ostrovsky vede il significato maestoso dell'era dei disordini nel fatto che "le persone si sono svegliate ... l'alba della liberazione qui a Nizhny Novgorod ha conquistato tutta la Russia". L'enfatizzazione del ruolo decisivo delle persone negli eventi storici e il ritratto di Minin come un vero eroe di statista ha causato il rifiuto della drammatica cronaca di Ostrovsky da parte dei circoli ufficiali e della critica. Le idee patriottiche della cronaca drammatica suonavano molto moderne. Il critico Shcherbin ha scritto, ad esempio, che la cronaca drammatica di Ostrovsky praticamente non riflette lo spirito di quel tempo, che non c'è praticamente alcuna morale in essa, che il personaggio principale sembra essere un uomo che ha letto il poeta contemporaneo Nekrasov. Altri critici, al contrario, hanno voluto costruire in Minin il predecessore degli Zemstvos. "... Ora tutti sono stati sopraffatti dalla furia veche", ha scritto Ostrovsky, "e in Minin vogliono creare un demagogo. Non c'era niente del genere, e non sono d'accordo a mentire".

Rifiutando innumerevoli critiche sul fatto che Ostrovsky fosse un normale copista della vita, un "poeta senza standard" molto imparziale (come diceva Dostoevskij), Kholodov scrive che "il drammaturgo aveva ovviamente il suo punto di vista. Ma questa era la posizione del drammaturgo, in altre parole un artista che, per la natura stessa della forma d'arte che ha scelto, rivela il suo atteggiamento nei confronti della vita non concretamente, ma mediocremente, nella forma più imparziale. I ricercatori hanno mostrato forme straordinariamente diverse di espressione della "voce" dell'autore, la coscienza dell'autore nelle opere di Ostrovsky. Si trova nella maggior parte dei casi non apertamente, ma nei principi stessi dell'organizzazione del materiale nelle opere teatrali.

La particolarità dell'atto drammatico nei drammi di Ostrovsky ha determinato l'interazione di diverse parti nella struttura dell'insieme, ovvero la straordinaria funzione del fine, che è sempre strutturalmente significativa: non tanto completa lo sviluppo di un vero e proprio scontro drammatico , ma rivela la consapevolezza della vita dell'autore. Le controversie su Ostrovsky, sulla connessione tra l'inizio epico e drammatico nelle sue opere, in un modo o nell'altro, influenzano anche il dilemma della fine, le cui funzioni nelle opere di Ostrovsky sono state interpretate in modo diverso dai critici. Alcuni hanno considerato. Che la fine di Ostrovsky di solito traduce l'azione in slow motion. Pertanto, il critico di "Russian Notes" ha scritto che in "Poor Wife" la fine è il 4° atto, e non il 5°, che è necessario "per determinare la morale che non è stata determinata nei primi 4 atti", e risulta essere superfluo per lo sviluppo dell'atto, perché "l'azione è già finita". E in questa discrepanza, la discrepanza tra il "volume dell'atto" e la definizione della morale, il critico vedeva una violazione delle semplici leggi dell'arte drammatica.

Altri critici credevano che la fine nelle opere di Ostrovsky nella maggior parte dei casi coincidesse con l'epilogo e non rallenti minimamente il ritmo dell'atto. Per dimostrare questa tesi, di solito si riferivano a Dobrolyubov, che notava "la necessità decisiva di quella fine fatale che Katerina ha in The Thunderstorm." Ma la "fine fatale" dell'eroina e la fine dell'opera sono tutt'altro che gli stessi concetti Anche la famosa espressione di Pisemsky sull'ultimo atto de "La povera moglie" ("L'ultimo atto è stato scritto dal pennello di Shakespeare") non può servire come base per identificare la fine e l'epilogo, perché Pisemsky non parla di architettura, ma di quadri di vita, riprodotti con colori vivaci dall'artista e successivi nelle sue opere "uno dopo l'altro, come quadri in panorama.

L'azione in un'opera drammatica, che ha dei limiti temporali e spaziali, è specificamente legata all'interazione delle situazioni di conflitto iniziale e finale; si muove all'interno di questi confini, ma non ne è limitato. A differenza delle opere epiche, il passato e il futuro nel dramma assumono una forma speciale: la preistoria dei personaggi nella loro forma concreta non può essere introdotta nella struttura del dramma (può essere data esclusivamente nelle storie dei personaggi stessi), e il loro prossimo destino è solo nella forma più generale, incombe nelle scene finali e nei dipinti.

Nelle opere drammatiche di Ostrovsky, si può osservare come la sequenza temporale e la concentrazione dell'atto siano interrotte: il creatore indica direttamente periodi di tempo significativi che separano un atto dall'altro. Ma tali interruzioni temporanee si trovano nella maggior parte dei casi nelle cronache di Ostrovsky, perseguendo l'obiettivo della ripetizione epica e non drammatica della vita. Nei drammi e nelle commedie, gli intervalli di tempo tra gli atti aiutano a rivelare quelle sfaccettature della morale dei personaggi che possono essere trovate solo in situazioni nuove e mutate. Spezzati da un significativo intervallo di tempo, gli atti di un'opera drammatica acquisiscono una relativa indipendenza ed entrano nella struttura generale dell'opera come fasi separate in un atto e movimento morale in continuo sviluppo. In alcune commedie di Ostrovsky ("Jokers", "Luminous Days", "Il peccato e la sfortuna non vivono di nessuno", "In un luogo affollato", "Voevoda", "Abyss", ecc.), l'isolamento di un si ottiene una struttura degli atti relativamente indipendente, vale a dire, dal fatto che in ciascuno di essi è fornito un elenco speciale di attori.

Ma anche con una tale struttura dell'opera, la fine non può essere a una distanza infinita dal culmine e dall'epilogo; in questo caso si romperà il suo legame organico con il conflitto principale, e il fine acquisirà autonomia, senza essere propriamente subordinato all'azione dell'opera drammatica. Un esempio più appropriato di tale organizzazione strutturale del materiale è l'opera teatrale "The Abyss", il cui ultimo atto è stato presentato a Cechov sotto forma di "intera commedia".

Il segreto della scrittura drammatica di Ostrovsky non risiede nelle proprietà unidimensionali dei tipi umani, ma nel desiderio di creare costumi umani a sangue pieno, le cui contraddizioni e lotte interne servono da enorme impulso per il movimento drammatico. Tovstonogov ha parlato in modo eccellente di questa caratteristica dei modi creativi di Ostrovsky, riferendosi, in particolare, a Glumov della commedia "Per ogni uomo saggio c'è abbastanza semplicità", il personaggio è tutt'altro che impeccabile: "Perché Glumov è affascinante, anche se commette un certo numero di cattive azioni? Dopotutto, se lui è antipatico con noi, allora non c'è spettacolo. Ciò che lo rende affascinante è l'odio per questo mondo, e con esso giustifichiamo interiormente il suo metodo di punizione.

Cercando una divulgazione completa della morale, Ostrovsky sembra trasformarli in modi diversi, notando i vari stati psicologici dei personaggi nelle nuove "svolte" dell'atto. Questa caratteristica della drammaturgia di Ostrovsky è stata notata da Dobrolyubov, che ha visto nel 5° atto di The Thunderstorm l'apoteosi del carattere di Katerina. Lo sviluppo dello stato sensuale di Katerina può essere suddiviso condizionatamente in più fasi: infanzia e tutta la vita prima del matrimonio - uno stato di armonia; il suo zelo per la vera felicità e amore, la sua lotta spirituale; il momento dell'incontro con Boris è una lotta con il colore della febbrile felicità; presagio di un temporale, di un temporale, l'apogeo di una lotta disperata e di morte.

Il movimento del personaggio dalla situazione conflittuale iniziale a quella finale, passando attraverso una serie di fasi mentali ben definite, ha determinato in The Thunderstorm la somiglianza della struttura esterna del primo e dell'ultimo atto. Entrambi hanno un inizio simile: si aprono con le effusioni poetiche di Kuligin. Le azioni in entrambi gli atti si svolgono a un'ora del giorno simile, la sera. Ma i cambiamenti nell'allineamento delle forze opposte, che portarono Katerina a una fine fatale. Sono stati enfatizzati dal fatto che l'azione nel primo atto si è svolta nel moderato bagliore del sole al tramonto, nell'ultimo - nell'atmosfera opprimente del crepuscolo che si sta avvicinando. La fine degli argomenti ha creato un senso di apertura. L'incompletezza del processo stesso della vita e il movimento della morale, perché dopo la morte di Katerina, ad es. dopo la risoluzione del conflitto centrale del dramma, è stato rivelato (nelle parole di Tikhon, ad esempio) un nuovo cambiamento, sebbene debolmente espresso, nelle menti dei personaggi, contenente il potenziale per ulteriori conflitti.

E in "The Poor Wife" la fine fuori è una certa parte indipendente. L'epilogo in "The Poor Wife" non è che Marya Andreevna abbia dato il suo consenso al matrimonio con Benevolensky, ma che non ha rinunciato al proprio consenso. Questa è la chiave per risolvere la difficoltà del fine, la cui funzione può essere compresa solo in vista della struttura generale delle opere di Ostrovsky, che diventano "commedie della vita". Parlando dei finali di Ostrovsky, si potrebbe dire che una scena eccellente contiene più pensieri di quanti un intero dramma possa offrire eventi.

Nelle opere di Ostrovsky si conserva la formulazione di un certo problema artistico, che è dimostrato e illustrato da scene e dipinti dal vivo. "Non ho un solo atto pronto finché non sarà scritta l'ultima parola dell'ultimo atto", ha osservato il drammaturgo, affermando così la subordinazione interna di tutte le scene e i dipinti che sono sparsi a colpo d'occhio all'idea generale di \u200b\u200blavoro, non limitato dalla struttura del "cerchio angusto della vita personale".

Le persone si fondono nei drammi di Ostrovsky non secondo il principio "l'uno contro l'altro", ma secondo il principio "ciascuno contro almeno alcuni". Da qui - non solo l'epica calma dello sviluppo dell'atto e del panorama nella copertura dei fenomeni reali, ma anche la multiconflittualità delle sue opere - come riflesso tipico della complessità delle relazioni umane e dell'impossibilità di ridurle ad una singola collisione. Il dramma interiore della vita, la tensione interiore divenne uniformemente l'oggetto principale dell'immagine.

Gli "episodi improvvisi" nelle opere di Ostrovsky, essendo strutturalmente collocati lontano dalle estremità, non eliminarono la "lunghezza", come credeva Nekrasov, ma, al contrario, contribuirono al flusso epico dell'atto, che durò anche dopo uno dei i suoi cicli finirono. Dopo la tensione e l'epilogo culminanti, l'azione drammatica alla fine delle opere di Ostrovsky sembra riacquistare forza, lottando per alcune nuove elevazioni culminanti. L'azione non si chiude nell'epilogo, sebbene la situazione conflittuale finale subisca modifiche significative rispetto a quella iniziale. Esteriormente, la fine è aperta e la funzione dell'ultimo atto non si riduce a un epilogo. L'apertura esterna e interna della fine diverrà allora uno dei tratti strutturali distintivi del dramma psichico.

L'apertura esterna e interna della fine fu in seguito particolarmente pronunciata nelle opere drammatiche di Cechov, che non fornì formule e conclusioni già pronte. Si è concentrato deliberatamente sul fatto che la "prospettiva dei pensieri" causata dal suo lavoro. Per sua stessa difficoltà corrispondeva alla natura della realtà moderna, tanto da portare lontano, costringere lo spettatore ad abbandonare tutte le "formule", a rivalutare e rivedere quasi tutto ciò che sembrava deciso.

"Proprio come nella vita siamo più consapevoli delle persone se vediamo l'ambiente in cui vivono", ha scritto Ostrovsky, "così sul palco, la situazione veritiera ci fa conoscere immediatamente la situazione dei personaggi e rende i tipi derivati più vivace e più comprensibile per il pubblico”. Nella vita di tutti i giorni, nell'ambiente esterno, Ostrovsky cerca ulteriori supporti mentali per rivelare la morale dei personaggi. Un tale principio di divulgazione della morale cercava sempre più scene e immagini nuove, così che si creava immediatamente un sentimento della loro ridondanza. Ma, da un lato, la loro selezione mirata ha reso accessibile allo spettatore il punto di vista dell'autore, dall'altro ha sottolineato la continuità del movimento della vita.

E poiché nuove scene e immagini sono state introdotte anche dopo l'epilogo di una drammatica collisione, esse stesse hanno reso possibili nuove svolte dell'atto, contenenti potenzialmente conflitti e scontri futuri. Quello che è successo a Marya Andreevna alla fine di "The Poor Wife" può essere considerato la trama psico-situazionale del dramma "Thunderstorm". Marya Andreevna sposa un uomo odioso. L'aspetta una vita difficile, perché le sue idee sulla vita futura sono catastroficamente incoerenti con i sogni di Benevolevsky. Nel dramma "Thunderstorm" l'intera preistoria del matrimonio di Katerina è lasciata fuori dal gioco e solo nei termini più generali è indicata nelle memorie dell'eroina stessa. Il creatore non ripete questa immagine in un bel momento. Ma in The Thunderstorm vediamo una tipica analisi delle conseguenze della situazione finale di The Poor Wife. Tale conclusione in nuove sfere di analisi è in gran parte facilitata dal 5° atto di The Poor Wife, che non solo conteneva i prerequisiti per futuri scontri, ma li delineava anche a linee tratteggiate. La forma strutturale della fine di Ostrovsky, che di conseguenza si rivelò inaccettabile per alcuni critici, suscitò l'ammirazione di altri proprio per questo motivo. Quello che sembrava essere un "gioco intero" capace di vivere una vita indipendente.

E questa connessione, la correlazione tra le situazioni finali conflittuali di alcune opere e le situazioni conflittuali iniziali di altre, combinate secondo il principio di un dittico, permette di sentire la vita nel suo flusso epico ininterrotto. Ostrovsky faceva appello ai suoi giri mentali, che, in ogni momento della propria manifestazione, erano collegati da migliaia di fili invisibili con altri momenti simili o vicini. Con tutto questo, si è rivelato del tutto insignificante. Che il collegamento situazionale delle opere contraddiceva il principio cronologico. Ogni nuovo lavoro di Ostrovsky sembrava crescere sulla base di quanto precedentemente realizzato e allo stesso tempo aggiungere qualcosa, chiarire qualcosa in questo precedentemente realizzato.

Questa è una delle caratteristiche principali del lavoro di Ostrovsky. Per verificarlo ancora, diamo un'occhiata più da vicino al dramma "Il peccato e il fallimento non vivono di nessuno". La situazione iniziale in questa commedia è paragonabile alla situazione finale nella commedia "Rich Wives". Alla fine di quest'ultimo, risuonano note maggiori: Tsyplunov ha trovato la sua amata. Lo sogna. Che vivrà con Belesova "allegramente e gioiosamente", nei bei lineamenti di Valentina vede "purezza e chiarezza infantili". Fu con questo che tutto iniziò per un altro eroe, Krasnov ("Il peccato e il fallimento non vivono di nessuno"), che non solo sognava, ma si sforzava anche di vivere con Tatiana "gioiosamente e allegramente". E ancora, la situazione iniziale viene lasciata fuori dal gioco e lo spettatore può solo immaginarla. Lo spettacolo stesso inizia con "momenti pronti"; vi si scioglie un nodo, tipologicamente paragonabile allo schema finale della commedia "Rich Wives".

I personaggi delle varie opere di Ostrovsky sono psicologicamente paragonabili tra loro. Shambinago ha scritto che Ostrovsky e gioielliere rifiniscono sottilmente il proprio stile "secondo le categorie mentali dei personaggi": "Per ogni temperamento, maschio e femmina, viene forgiato un linguaggio speciale. per concludere che il suo proprietario, come tipo, è uno sviluppo imminente o una variazione di una specie già allevata in altri drammi. Tale espediente apre capacità curiose per comprendere le categorie mentali concepite dal creatore. " Le osservazioni di Shambinago su questa particolarità dello stile di Ostrovsky sono direttamente correlate non solo alla ripetizione di tipi in varie opere di Ostrovsky, ma, di conseguenza, a una certa ripetizione situazionale. Definendo l'analisi psichica in "The Poor Wife" "falsamente ristretta", I.S. Turgenev parla con condanna del modo di Ostrovsky "di arrampicarsi nell'anima di ciascuno dei volti che ha fatto". Ma Ostrovsky, a quanto pare, la pensava diversamente. Si è reso conto che la capacità di "entrare nell'anima" di ciascuno dei personaggi nella situazione mentale prescelta è tutt'altro che esaurita - e molti anni dopo lo ripeterà in "Dote".

Ostrovsky non si limita a rappresentare la moralità nell'unica situazione possibile; si riferisce a questi costumi ripetutamente. Ciò è facilitato da immagini ripetitive (ad esempio, le scene di temporale nella commedia "The Joker" e nel dramma "Thunderstorm") e dai nomi e cognomi ricorrenti dei personaggi.

Quindi, la divertente trilogia su Balzaminov è una costruzione in tre termini di situazioni simili legate ai tentativi di Balzaminov di trovare una moglie. Nella commedia "Dark Days" incontriamo di nuovo "sconosciuti familiari": Tit Titych Bruskov, sua moglie Nastasya Pankratievna, il figlio Andrey Titych, la cameriera di Lusha, che è apparso per la prima volta nella commedia "Una sbornia alla festa di qualcun altro". Riconosciamo anche l'avvocato Dosuzhev, che abbiamo già incontrato nella commedia "Luogo redditizio". È anche curioso che queste persone in vari spettacoli agiscano in ruoli simili e agiscano in situazioni simili. La vicinanza situazionale e caratterologica delle varie opere di Ostrovsky permette anche di parlare della somiglianza dei fini: a causa degli effetti benefici di personaggi virtuosi, come il maestro Ivanov ("Una sbornia nella festa di qualcun altro"), l'avvocato Dosuzhev ("The Dark Days"), Tit Titych Bruskov, non solo non resiste, e anzi contribuisce al compimento di una buona azione: il matrimonio della prole con l'amata ragazza.

In tali fini è facile vedere una lezione nascosta: dovrebbe essere così. "Esiti casuali e apparentemente irragionevoli" nelle commedie di Ostrovsky dipendevano dal materiale che divenne l'oggetto dell'immagine. "Dove si può trovare la razionalità quando non è nella vita stessa, rappresentata dal creatore?" Dobrolyubov ha osservato.

Ma questo non era e non poteva essere nella realtà, e questo divenne la base per l'atto drammatico e la decisione finale nei giochi di colorazione catastrofica e non divertente. Nel dramma "Dowry", ad esempio, questo è stato chiaramente sentito nelle ultime parole dell'eroina: "Sono io stesso ... non mi lamento di nessuno, non mi offendo con nessuno".

Considerando i finali delle opere di Ostrovsky, Markov dirige una maggiore attenzione sulla loro efficacia scenica. Ma dalla logica del ragionamento del ricercatore, è chiaro che sotto l'esibizione scenica assumeva solo mezzi esterni luminosi e spettacolari per finire scene e immagini. Una caratteristica molto significativa dei finali nelle opere di Ostrovsky rimane sconosciuta. Il drammaturgo realizza le sue opere, tenendo conto della natura della loro percezione da parte dello spettatore. In questo modo, l'azione drammatica sembra trasferirsi nel suo nuovo stato di alta qualità. Il ruolo degli interpreti, "trasformatori" di un atto drammatico, solitamente fa i fini, il che ne determina la straordinaria efficacia scenica.

Molto spesso nei documenti di ricerca si afferma che Ostrovsky anticipò la tecnica drammatica di Cechov in quasi tutto. Ma questa conversazione spesso non va oltre le affermazioni e le premesse generali. Allo stesso tempo, basterà fare alcuni esempi di come questa proposizione acquisisca un peso straordinario. Parlando di polifonia in Cechov, di solito citano un esempio del primo atto di "3 sorelle" su come i sogni delle sorelle Prozorov su Mosca sono interrotti dalle osservazioni di Chebutykin e Tuzenbakh: "Dannazione!" e "Naturalmente, sciocchezze!". Ma troviamo una struttura simile di dialogo drammatico con approssimativamente lo stesso carico multifunzionale e psicologico-emotivo molto prima - nella "Povera moglie" di Ostrovsky. Marya Andreevna Nezabudkina sta cercando di venire a patti con il proprio destino, spera di poter fare di Benevolevsky una persona decente: "Ho pensato, pensato ... ma sai a cosa ho pensato? lui, fare un uomo decente di lui." Anche se qui esprime esitazione: "È stupido, vero, Platon Makarych? Dopotutto, questo non è niente, eh? Platon Makarych, non è vero? L'esitazione storta non la abbandona, anche se cerca di convincersi del contrario. "Mi sembra che sarò felice ..." - dice a sua madre, e questa frase è come un incantesimo. Ma la frase-incantesimo è interrotta da una "voce della folla": "Un'altra, madre, ostinata, ama essere contenta. È risaputo che tornano a casa più ubriachi, lo amano così tanto da si prendono cura di se stessi, non lasciano che le persone si avvicinino a se stessi. Questa frase traduce l'attenzione e i sentimenti del pubblico in una sfera emotiva e semantica completamente diversa.

Ostrovsky era ben consapevole che nel mondo moderno la vita è composta da eventi e fatti poco appariscenti ed esteriormente insignificanti. Con questa consapevolezza della vita, Ostrovsky ha anticipato la drammaturgia di Cechov, in cui tutto ciò che è spettacolare ed essenziale all'esterno è fondamentalmente escluso. L'immagine della vita quotidiana diventa per Ostrovsky la base fondamentale su cui si costruisce l'azione drammatica.

La contraddizione tra la legge naturale della vita e la legge inesorabile della vita quotidiana che sfigura l'anima di una persona determina l'azione drammatica, da cui sono emersi vari tipi di decisioni finali, dal comicamente confortante al irrimediabilmente tragico. Alla fine è durata l'analisi socio-psicologica più profonda della vita; alle estremità, come nei trucchi, convergevano tutti i raggi, tutti i risultati delle osservazioni, trovando consolidamento nella forma didattica di proverbi e detti.

L'immagine di una variante separata nel suo stesso significato ed essenza è andata oltre i confini del personale, ha acquisito il carattere di una comprensione filosofica della vita. E se è impossibile accettare pienamente l'idea di Komissarzhevsky secondo cui lo stile di vita di Ostrovsky è "portato nel segno", allora è possibile e necessario essere d'accordo con l'affermazione che ogni immagine del drammaturgo "acquisisce il significato più profondo, eterno e simbolico" . Tale, ad esempio, è il destino della moglie del mercante Katerina, il cui amore è catastroficamente incompatibile con i principi della vita esistenti. Ma anche i difensori dei concetti di Domostroy non possono sentirsi rilassati, perché le fondamenta stesse di questa vita si stanno sgretolando - una vita in cui "i vivi invidiano i morti". Ostrovsky riprodusse la vita russa in un tale stato, quando "tutto si capovolse" in essa. In questa atmosfera di disintegrazione generale, solo sognatori come Kuligin o gli insegnanti Korpelov potevano ancora fare affidamento sulla ricerca almeno di una formula astratta per la felicità e la verità universali.

Ostrovsky "intreccia i fili d'oro del romanticismo nel tessuto grigiastro della vita quotidiana, creando da questa combinazione un insieme sorprendentemente artistico e veritiero: un dramma realistico".

L'inconciliabile contraddizione tra la legge naturale e le leggi della vita quotidiana si rivela a vari livelli caratteriologici - nella parabola poetica "La fanciulla di neve", nella commedia "La foresta", nella cronaca "Tushino", nei drammi sociali "La dote" , "Temporale", ecc. A seconda di ciò, il contenuto e il carattere della fine cambiano. I personaggi centrali non accettano intensamente le leggi della vita quotidiana. Spesso, non facendosi portavoce di un inizio positivo, cercano ancora delle nuove soluzioni, anche se non sempre dove dovrebbero essere trovate. Nella loro stessa negazione della legge stabilita, varcano, talvolta inconsciamente, i confini del lecito, oltrepassano la linea fatale delle semplici regole della società umana.

Così Krasnov ("Il peccato e il fallimento vivono di qualcuno") nell'affermare la propria felicità, la propria verità, esce decisamente dalla sfera chiusa della vita stabilita. Difende la sua verità fino alla fine disastrosa.

Quindi, elenchiamo brevemente le caratteristiche delle opere teatrali di Ostrovsky:

Tutte le opere di Ostrovsky sono profondamente realistiche. Riflettono davvero la vita del popolo russo a metà del 19° secolo, così come la storia del tempo dei guai.

Tutte le opere di Ostrovsky sono cresciute sulla base di ciò che era stato fatto in precedenza e sono state combinate secondo il principio di un dittico.

I personaggi delle varie opere di Ostrovsky sono psicologicamente paragonabili tra loro. Ostrovsky non si limita a rappresentare la morale nell'unica situazione possibile; si riferisce a questi costumi ripetutamente.

Ostrovsky è il creatore del genere del dramma psichico. Nelle sue opere si può osservare non solo il conflitto esterno, ma anche quello interno.

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