L'Art Nouveau nell'arte russa. Stile Art Nouveau nell'architettura Originalità nazionale dell'Art Nouveau russo

Il modernismo sovietico sorse tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo. e ha presentato agli intenditori di tale architettura un numero incredibile di veri capolavori. L'epicentro della direzione architettonica emergente fu la capitale dell'URSS. La nostra rassegna è dedicata a 9 incredibili opere di architettura Art Nouveau a Mosca, che fanno parte del fondo culturale della capitale russa.

Casa redditizia Pertsova Z.A. fu eretto sull'argine di Prechistinskaya nel 1905-1907 secondo il progetto degli architetti N.K. Zhukov e B.N. Schnaubert. Inoltre, un contributo tangibile all'immagine insolita dell'edificio è stato dato dal famoso artista, l'autore delle bambole russe da nidificazione, S. V. Malyutin. Come la maggior parte degli edifici in stile Art Nouveau, questo edificio si distingue per l'unità plastica e una straordinaria combinazione di architettura e forme di arte fine e applicata. Gli autori del progetto hanno introdotto una pittoresca asimmetria nella disposizione di finestre, balconi e prospetti a torre del tetto in una composizione abbastanza rigorosa delle facciate, che conferisce varietà alle divisioni monotone e ripetitive di un condominio. In conclusione, va notato che fino alla metà degli anni '70. La casa di Pertsova rimase residenziale e poi passò in possesso del Ministero degli Affari Esteri.

Casa redditizia N.G. Tarkhova su Podsosensky Lane è stata costruita nel 1904. Particolare attenzione in questo oggetto è attratta dalla facciata strutturata con una varietà di dettagli decorativi: bovindi, soffitte, balconi e finestre con cornici arricciate. Le pareti della casa sono decorate con immagini scultoree di steli di fiori stravaganti. Oggi questa casa è residenziale. La sua facciata è stata più volte riparata, semplificando e riducendo al minimo l'arredamento.

Il primo edificio della stazione ferroviaria di Yaroslavl fu costruito in piazza Komsomolskaya nel 1862. Tuttavia, la costruzione più spettacolare del complesso ferroviario fu costruita secondo il progetto dell'eccezionale maestro dell'Art Nouveau sovietico Fyodor Shekhtel. La stazione ferroviaria di Yaroslavsky ha subito due importanti ricostruzioni durante l'era sovietica nel 1946-1947. e nei primi anni '60. Oggi la stazione ferroviaria di Yaroslavsky, insieme alla vicina stazione ferroviaria di Kazansky, è considerata la più popolare del paese.

4. Palazzo di S. P. Ryabushinsky in Malaya Nikitskaya Street

Un'altra opera eccezionale e, forse, la più famosa di Shekhtel, un edificio residenziale della prima età moderna, fu costruita in Malaya Nikitskaya Street nel 1903. Il filantropo e banchiere estremamente famoso Stepan Ryabushinsky era il cliente di questa casa. Oggi, tra le mura di questa meravigliosa casa si trova la casa-museo del famoso scrittore russo Maxim Gorky.

5. Palazzo di Zinaida Morozova su Spiridonovka

La lussuosa dimora della moglie del più ricco industriale e filantropo Savva Morozov fu costruita secondo il progetto dello stesso Fyodor Shekhtel su Spiridonovka, 17 nel 1893. In questo progetto, l'architetto è riuscito a giocare facilmente con elementi dell'architettura medievale come contrafforti, merlature, colonne e torri e decorare le facciate con varie chimere e maschere di pietra per creare un'immagine elegante di un castello gotico.

Il Metropol Hotel a 5 stelle è stato costruito nel Teatralny Proyezd (edificio 2) nel 1905. L'iniziatore della costruzione fu Savva Mamontov. "Metropol" è giustamente considerato uno dei monumenti storici e architettonici più sorprendenti della modernità a Mosca. L'aspetto architettonico dell'hotel si distingue principalmente per la severità delle linee. Elementi pseudo-gotici (torrette e pinnacoli) fanno capolino attraverso le tecniche tipiche dell'Art Nouveau. Il basamento, rivestito di granito rosso e disegnato a forma di porticato, contrasta con i piani superiori stuccati e lisci, conferendo alla massiccia struttura un effetto arioso. L'hotel comprende camere costose con viste mozzafiato sulla città, numerosi ristoranti, caffetterie, negozi e due grandi sale conferenze.

Un palazzo estremamente insolito fu costruito nel centro della città dall'architetto Viktor Mazyrin per ordine del milionario Arseny Morozov nel 1899. L'edificio, che combina vari elementi di modernità ed eclettismo, è un esempio unico di stilizzazione luminosa ed esotica nello spirito neo-mauritano, unico per Mosca.

Un piccolo palazzo, rivestito di marmo e piastrelle di Tarusa giallastro, con un'originale loggia angolare, si distingue per la sua decorazione a mosaico: un pannello sopra l'ingresso principale, raffigurante il regno sottomarino, e un fregio floreale. La casa di O. A. List in Glazovsky Lane è stata costruita secondo il progetto del famoso architetto L.N. Kekushev nel 1899 ed è considerata la prima opera architettonica dell'URSS, realizzata in stile Art Nouveau.

9. Teatro d'arte di Mosca. AP Cechov in Kamergersky Lane

Il leggendario Moscow Art Theatre iniziò a lavorare nell'edificio in Kamergersky Lane nell'autunno del 1902. Il teatro del proprietario della casa Lianozov è stato ricostruito in tre mesi a spese della protettrice Savva Morozov dall'architetto Fyodor Shekhtel. Anche il design degli interni, l'illuminazione, gli ornamenti e persino lo schizzo di un sipario con il famoso emblema del Teatro d'Arte - un gabbiano che vola sulle onde, appartiene alla paternità di questo architetto. È interessante notare che Shekhtel ha completato il progetto di ricostruzione gratuitamente, rifiutandosi di discutere la questione del pagamento in fase di negoziazione.

Sono trascorsi più di cento anni dalla nascita dello stile modernista, tuttavia, ancora oggi, gli intenditori di questa tendenza non se ne dimenticano e cercano di adattarlo alle realtà moderne. Questo è esattamente ciò di cui stiamo parlando nel nostro materiale. E su chi è esattamente considerato uno dei fondatori dell'architettura modernista può essere trovato nel nostro articolo.

Il periodo di massimo splendore dello stile architettonico Art Nouveau in Europa e in America cade negli anni 1890-1914, la prima guerra mondiale ulteriormente impedita. La nuova direzione ha cambiato radicalmente l'idea di bellezza nella grafica, nel design, nella scultura, nella musica, nel balletto.

Architetti inventivi hanno creato non solo strutture espressive con un aspetto esterno e interno insolito, ma hanno anche imparato a padroneggiare nuovi materiali: cemento, acciaio, vetro.

I progetti di case moderne in tecnica Art Nouveau utilizzano elementi storici in modo selettivo, abbandonando l'arredamento lussureggiante e l'eccessiva asimmetria a favore di soluzioni più razionali.

Invece di eclettismo

La direzione si è formata in opposizione all'eclettismo, che mescolava dettagli di stili diversi, spesso non troppo abilmente. Durante un periodo di rapida crescita urbana e industrializzazione, l'edificio in stile Liberty ha segnato un ritorno alla praticità degli edifici medievali e rinascimentali.

Gli architetti hanno soddisfatto la crescente necessità di edifici per borse valori, banche, stazioni ferroviarie, imprese industriali e case popolari. L'innovazione dell'epoca - strutture in cemento armato, profili curvi in ​​acciaio - permisero di realizzare complesse facciate curvilinee.

L'impulso per lo sviluppo sono state le arti decorative. Il decoratore tedesco Herman Obrist nel 1895 creò la tela "Blow of the Scourge" (in un'altra traduzione, "Blow of the Whip"). Ricami in seta su pannello di lana raffiguravano lo stelo, le foglie e il fiore del ciclamino in una forma bizzarra, che ricorda il colpo di una frusta che batte.

La natura è diventata una fonte di ispirazione per gli architetti che lavorano in stile classico moderno.

Sagome naturali di piante (gigli, orchidee, iris, foglie di palma, alghe), le onde del mare sono utilizzate ovunque: nella pittura, pannelli a mosaico su larga scala, fregi in stucco, nella progettazione di facciate, inferriate per balconi, maniglie delle porte. Fantasiose vetrate, realizzate in stile Art Nouveau, raffigurano code di pavone, bellissimi colli di cigno e riccioli femminili.

Caratteristiche dell'Art Nouveau in architettura

Principio di progettazione	Nei secoli XVIII e XIX si ipotizza un movimento dall'aspetto esterno della casa all'organizzazione interna. Il nuovo approccio ha proclamato la disposizione primaria dei locali, che a sua volta ha influenzato le forme esterne. Gli edifici ricevono volumi asimmetrici, le facciate Art Nouveau sono piene di bovindi, torri, balconi e logge.
Libertà di creatività	Il design volutamente di fantasia della decorazione esterna ed interna sta diventando una delle soluzioni architettoniche più popolari. Un esempio lampante è Casa Batlo del maestro spagnolo Gaudi, dove si incarna l'idea di sconfiggere il drago.
Sagome	Il rifiuto di linee rette e spigolose a favore di quelle più naturali porta a silhouette fluide e decoratività enfatizzata. Grazie all'uso creativo di acciaio, vetro e cemento armato nella progettazione di case moderne, si sente chiaramente una fusione di forme naturali e artificiali.
Spettro dei colori	Pastello, senza contrasti evidenti, dominato da sfumature di oliva, grigio, lilla polveroso, tabacco. L'esterno e l'interno degli edifici esistono in stretta relazione; scale curve, ringhiere e supporti seguono le linee ornamentali.
Elementi caratteristici della modernità	Colonne riccamente decorate (diritte, ad angolo o curve), aperture di finestre e porte a forma di archi, vetrate complesse. I maestri combinano le tradizioni dell'architettura europea, orientale e africana, ma non le copiano ciecamente, ma le interpretano liberamente.

La direzione dell'Art Nouveau nell'architettura dei diversi paesi

La tendenza della moda ha ricevuto diversi nomi: è stata designata come "art nouveau" in Francia e Belgio, "art nouveau" in Germania e Svezia, "moderna" nell'impero russo, "secessione" in Austria, "tiffany" negli Stati Uniti .

Belgio

Victor Horta è stato il primo ad applicare il "colpo di frusta" nella progettazione delle facciate durante la costruzione e ha utilizzato le strutture portanti di forma asimmetrica. L'architetto si è rivolto alle tecniche della grande vetrata combinata con una grande quantità di metallo.

I suoi edifici in stile Art Nouveau - i famosi palazzi di Tassel, Solvay, Eitveld, la casa-laboratorio (Museo Horta) - sono inclusi nella lista dei patrimoni dell'umanità dell'UNESCO.

Francia

Hector Guimard, uno dei principali architetti dell'epoca, incarnava il design dell'Art Nouveau nella progettazione di palazzi urbani, ma è ricordato soprattutto per il design dei padiglioni della metropolitana di Parigi.

Gli oggetti da lui creati combinano liberamente strutture metalliche con elementi in vetro, piastrelle in ceramica smaltata, mattoni e arenaria.

Austria

La Secessione Viennese è caratterizzata da un arredamento più modesto e da forme geometriche semplici e regolari. In questa direzione sono stati realizzati il ​​condominio Majolica House e l'edificio dell'ufficio postale di Vienna (progetto di Otto Wagner). Nello stile della modernità geometrica, J. Hoffmann ha lavorato, utilizzando angoli retti e la tecnica di una scacchiera invece di contorni lisci.

Un esempio lampante di architettura austriaca è il palazzo del banchiere Stoclet, costruito a Bruxelles.

Spagna

L'architetto catalano Antonio Gaudi ha creato i famosi edifici pittoreschi, ma non per questo meno costruttivi: Batlo House, Mila House, Park Güell. Le sue belle case in stile Liberty - con facciate ondulate, piastrelle di ceramica a squame di drago - attirano turisti da tutto il mondo, così come il progetto incompiuto della Sagrada Familia.

Stati Uniti d'America

Il design Art Nouveau americano è associato al nome di Louis Tiffany. Ha inventato la tecnica di unire pezzi di vetro usando una lamina di rame. Le vetrate, create utilizzando questa tecnologia, decorano gli edifici di tutto il paese. Le vetrate sono uno degli elementi principali della modernità moderna.

Architettura Art Nouveau russa

La nuova tendenza in architettura abbracciava non solo la parte europea dell'Impero russo, ma anche le città degli Urali e della Siberia. Le differenze regionali si manifestavano nel numero di piani e nella scelta dei materiali: nella capitale erano costruiti edifici a più piani in pietra, in altri luoghi - palazzi con due o tre piani di legno e un plinto in pietra.

Lo stile Art Nouveau nell'architettura della Russia aveva un carattere originale e si manifestava in due direzioni principali: Pietroburgo e Mosca.

Moderna settentrionale (Pietroburgo)

Sviluppato sotto l'influenza delle opere dei maestri scandinavi F. Lindval, A. Shulman, E. Saarinen. Il casolare del Granduca B.V., realizzato in stile Art Nouveau. Romanov vicino a Carskoe Selo divenne uno dei primi edifici.

Esempi della nuova tendenza architettonica includono il negozio dei fratelli Eliseev, la casa di F.G. Bazhanov, hotel "Astoria", case popolari a Gatchina, Vyborg, Sortval. Degli architetti russi, N. Vasiliev, G. Baranovsky, P. Aleshin hanno lavorato in questo stile.

Le principali caratteristiche del moderno nordico:

• Decorazione di facciate con materiali naturali e artificiali.
• Rivestimento in blocchi di granito (grezzo oa tessitura liscia).
• Rifiuto di piccoli ornamenti a favore di semplici elementi in stucco.
• Conservazione della simmetria, uso di torri rettangolari.
• Lo schema cromatico delle facciate è associato a scogliere settentrionali inespugnabili e castelli medievali.

Un esempio caratteristico dell'architettura modernista di San Pietroburgo è il progetto di P. Syuzor sulla Prospettiva Nevsky: ​​la casa della compagnia Singer (oggi si trova qui la Casa del Libro).

Per la prima volta nell'opera è stata utilizzata una struttura metallica, che ha ridotto il carico sulle pareti e ha permesso di montare vetrine.

Anche il tetto con vetrata sui cortili interni è diventato una nuova tecnica, il sistema di ventilazione è stato attrezzato tecnicamente in modo più competente. La facciata principale è coronata da una cupola trasparente con la figura di un'aquila, uno dei simboli più riconoscibili della città.

Mosca moderna

Qui sono stati notati principalmente edifici privati ​​(questa è la differenza con la direzione di San Pietroburgo). L'ideologia è stata sostanziata e sviluppata nel circolo Abramtsevo, un'associazione di artisti e decoratori, guidata dalla protettrice Savva Mamontov.

Gli edifici in stile Art Nouveau eretti a Mosca hanno caratteristiche:

• Disposizioni asimmetriche e composizioni di facciate.
• Materiali di rivestimento vari.
• Finestre a bovindo come accenti architettonici dominanti.
• Una combinazione di decori floreali e geometrici all'interno e all'esterno.

Un classico esempio di casa in stile Art Nouveau di Mosca è la dimora del collezionista S.P. Ryabushinsky disegnato da Fëdor Shekhtel.

Le facciate di colore giallo chiaro sono decorate con mosaico lilla con iridi. Le aperture delle finestre hanno una forma diversa, sono completate da barre d'acciaio con ornamenti floreali. Shekhtel ha anche progettato la decorazione interna della casa.

L'idea di un'onda marina si legge nei contorni di scale, modanature del soffitto e mosaici pavimentali.

Case moderne in stile Liberty

Le maestose e graziose dimore di Mosca e San Pietroburgo della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo fungono da prototipo per le moderne case private di oggi.

La direzione architettonica è universale: è adatta per residenze e rustici di piccole dimensioni a Mosca e nella regione di Mosca. Gli edifici sono costruiti in mattoni, pietra, cemento, legno, una soluzione popolare è costituita da strutture in acciaio e vetro.

Segni dell'Art Nouveau come stile moderno:

• Asimmetria delle soluzioni composizionale-volumetriche.
• Decorazione della facciata con ringhiere, cornicioni, platbands di forme bizzarre.
• Aperture delle finestre di configurazione non standard: ovali, rotonde, trapezoidali, strette (scappatoie), vetrine con vetrate.
• Torrette, guglie e banderuole sul tetto.
• Colori naturali: tonalità lavanda, terracotta, beige.

Lo spazio domestico è organizzato razionalmente. Spesso, i progetti di cottage nel concetto moderno combinano una parte residenziale, un garage e annessi. La stessa finitura esterna svolge una funzione vincolante.

Finestre a bovindo, molti balconi, terrazze vetrate, soffitte sono appropriati. L'esterno è caratterizzato da dettagli in metallo traforato: ringhiere, inferriate. La pietra selvaggia, la sua imitazione o il mattone di rivestimento si adattano bene per la finitura del seminterrato.

I progetti di case moderne in stile Art Nouveau sono molto democratici in termini di materiali. Vengono utilizzati metallo, vetro, mattoni, ceramica, cemento armato. Il poliuretano viene utilizzato per realizzare decorazioni originali per facciate, comprese copie del design di famosi oggetti storici.

Video di una casa moderna in stile Art Nouveau degli architetti TopDom

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La Russia, come la maggior parte dei paesi, si distingue per la diversità stilistica. Da un'ampia gamma di fonti, oltre a quelle nazionali, si dovrebbe individuare l'architettura della Germania, dell'Austria-Ungheria e della Finlandia.

La versione russa dello stile Art Nouveau, che divenne una sorta di prologo alla "nuova architettura", prese forma a cavallo tra XIX e XX secolo. Per tutto il 1898-1917. Il moderno russo, in rapida evoluzione, attraversa tre fasi del suo sviluppo e in tutte le fasi convivono al suo interno due correnti: una retrospettiva-romantica e una corrente che esclude completamente l'imitazione degli stili storici. Quando ci avviciniamo al 1917, queste correnti si polarizzano.

La prima si spinge fino a ricreare direttamente gli stili del passato; la seconda successivamente, tappa dopo tappa, si avvicina al razionalismo. Sono collegati tra loro da una scala di transizioni molto sviluppata. Ma la differenza tra loro non sta nell'uso o assenza di forme del passato, ma nella natura della composizione, che emana in un caso dalla struttura costruttivo-spaziale dell'edificio, nell'altro - dal sistema decorativo di una degli stili delle epoche passate.

L'Art Nouveau non solo ravviva l'unità stilistica dell'aspetto esterno e della decorazione interna degli edifici. L'importanza dell'"architettura interna" è in forte aumento. Si esprime nel desiderio di progettare strutture come dall'interno, con una particolare attenzione ai problemi interni. Le stanze si fanno più spaziose, le loro composizioni perdono il loro isolamento, sembrano fluire l'una nell'altra. Nelle dimore si sta sviluppando il piano gratuito. Grazie all'uso di strutture a telaio, gli interni di uffici e edifici commerciali vengono liberati dalle pareti principali, i pavimenti di molti di essi si fondono in un colossale salone. Le ampie finestre collegano lo spazio interno con l'ambiente circostante.

Le camere "accoglienti" vengono sostituite da quelle "confortevoli". Il concetto di "comfort" include non solo la comodità, ma anche i vantaggi nati dall'uso delle ultime conquiste tecniche e dai dati della scienza dell'igiene. Nonostante tutta l'emotività degli interni moderni, rivelano una base di fondo razionalistica.

Diventa urgente il problema della sintesi delle arti plastiche. I vestiboli di case popolari, hotel, palazzi sono decorati con vetrate, gli interni sono pittoreschi e le facciate sono decorate con maioliche o pannelli a mosaico. Così, nell'opera architettonica della prima modernità, la razionalità del principio iniziale si coniuga con la natura formalmente estetica della sua interpretazione.

La Russia è andata alla nuova architettura a modo suo. La ricerca della modernità domestica è ampia e variegata. Sono collegati a tutte e quattro le strade della ricerca europea.

La prima direzione dell'Art Nouveau in Russia, associata al nome di Shekhtel e altri e ai loro edifici "gotici" degli anni '90 dell'Ottocento, rimase un fenomeno locale. Ha prodotto diversi capolavori, tra cui la villa di Z. G. Morozova sulla Spiridonovka a Mosca (1893), che ha guadagnato fama europea. Tuttavia, privo di suolo nazionale, il romanticismo "astratto" di queste strutture era, ovviamente, il motivo per cui lo stesso Shekhtel, dopo aver padroneggiato i nuovi principi di trasformare l'utile nel bello, costruendo volume "dall'interno", costruendo un dinamico composizione dell'immagine progettata per molteplici punti di vista e percezione della durata nel tempo, scomparsa alla fine degli anni '90 dell'Ottocento. da "gotico inglese" e non vi è mai tornato.

La seconda direzione nazionale-romantica della modernità, che ebbe origine nella cerchia di Mamontov, ebbe un'ampia continuazione, sfociando nel cosiddetto stile neo-russo. La sua percorribilità è stata favorita dalla perdurante urgenza del problema nazionale: il problema della "scelta di una strada".

Manifestazioni sparse dello stile neo-russo alla fine degli anni '90 dell'Ottocento. fondersi in un ampio movimento artistico, unito dalla ricerca di uno stile nazionale monumentale sotto la guida e sotto la chiara egemonia dell'architettura.

Pietre miliari di questo percorso furono il padiglione dell'arte applicata russa all'Esposizione Universale di Parigi (1900, artista K. A. Korovin e architetto I. E. Bondarenko), i padiglioni del dipartimento russo all'Esposizione Internazionale di Glasgow (1901) e la stazione ferroviaria Yaroslavsky a Mosca ( architetto F. O. Shekhtel, 1904), la casa redditizia di Pertsov in Soymonovsky Lane a Mosca (1907) e gli edifici a Talashkino ("Teremok", teatro, casa propria, 1902, architetto S. V. Malyutin), una casa per vedove e orfani di artisti in Lavrushinsky Lane (architetto N. S. Kurdyukov) e le chiese del Vecchio Credente a Mosca (seconda metà degli anni 1900-1910, architetto I. E. Bondarenko).

Con l'ingresso della “modernità” nella sua seconda fase (“modernità grafica”, tra il 1905 e il 1910), nelle sue architetture si intensificano i tratti di razionalità e austerità e iniziano a delinearsi nuovi criteri di bellezza. L'innovazione della seconda fase è più evidente nell'architettura degli edifici bancari, per uffici e commerciali, dove è particolarmente evidente il ruolo modellante delle strutture in metallo e cemento armato (l'edificio della banca Azov-Don a San Pietroburgo, l'architetto F. I. Lidval). Per enfatizzare la leggerezza della struttura del telaio, vengono utilizzate forme decorative del classicismo e altri stili, per rivelare contrasti tra grandi piani smaltati e pietre lavorate in modi diversi (murature rustiche, levigate) - dettagli del Rinascimento italiano.

Nella terza fase dello sviluppo della modernità (tra il 1910 e il 1917), le tendenze della modernità stessa e del romanticismo retrospettivo raggiungono il limite del contrasto. In alcuni edifici prevale il principio della composizione razionalistica, quasi o del tutto priva di reminiscenze storiche. Un tratto distintivo di queste strutture è la loro semplificazione quasi costruttivista, il geometrismo enfatizzato dei volumi. La fragilità scompare, le facciate sembrano compattate e appesantite. I dettagli funzionali, acquisendo una forma semplice e geometricamente corretta, si trasformano in mezzi compositivi di primaria importanza. I volumi degli edifici, ridotti a forme geometriche elementari, i loro netti spostamenti in verticale e in orizzontale, un chiaro schema della griglia del telaio, enormi aperture di finestre riempiono l'immagine architettonica di un'espressività prima sconosciuta.

Il tardo Art Nouveau è rappresentato principalmente dalle opere della scuola di Mosca. Il suo antenato, architetto,

Casa di S. P. Ryabushinsky a Mosca.

1900-1903 Architetto F. O. Shekhtel

Si dovrebbe giustamente ritenere che F. O. Shekhtel ne abbia determinato l'originalità (Fig. 34.1). Direttamente o indirettamente, tutti i rappresentanti del tardo modernismo gli sono debitori, formati nella sua bottega o assorbiti dalle lezioni del suo lavoro. Questi sono principalmente gli architetti della generazione successiva a Shekhtel - I. S. Kuznetsov, A. U. Zelenko, G. I. Kondratenko, V. K. Oltarzhevsky, A. A. Ostrogradsky, V. V. Shervud, i fratelli Vesnin, A. V. Kuznetsov e altri.

Cambiano anche le caratteristiche figurative delle strutture nel tardo modernismo. Nonostante il gusto dell'ammirazione chiaramente palpabile e un certo culto deliberato del razionale, negli edifici tardo moderni si trova una misura di laconismo e bellezza, corrispondente allo stile di vita pratico di quegli anni.

La fragilità, l'eleganza, le linee grafiche e la piattezza delle facciate caratteristiche delle case popolari e dei palazzi tardo moderni sono il risultato di una comprensione artistica delle strutture a telaio - l'antipodo di una massiccia struttura muraria (cessando di essere un tipo ideale di struttura, cessò essere la personificazione di qualità che prima erano considerate lo standard di bellezza). Ora il bello si identifica con altre proprietà: leggerezza, trasparenza, spaziosità. Ma queste qualità si combinano con una nuova comprensione della plasticità come forma che contiene lo spazio in sé, “viva” e animata dalle forze che agiscono al suo interno, che è in attiva interazione, anche confronto con lo spazio esterno e interno. Si conserva, anche se in alcuni casi non in tal un'interpretazione apertamente drammatica, negli edifici della seconda metà del '900 - primi anni '10 Vorrei definire la plasticità della prima modernità come la plasticità del volume e della massa (massa del muro). Per il tardo liberty (anche se in modo molto condizionale, le sovrapposizioni non sono rare), un'altra caratteristica è più adatta: la plasticità della superficie del muro.

Nella tarda modernità, aumenta l'importanza della trama e del colore dei materiali come mezzo di espressione artistica. I più popolari in questo momento sono l'intonaco di cemento ad alta resistenza, il rivestimento di mattoni opachi e smaltati. Grazie al rivestimento della superficie esterna con vernici ad alta resistenza - smalti e smalti - il mattone smaltato combina l'immunità ai capricci del tempo con la bellezza e la sonorità del colore e l'espressività della trama. Anche la trama del mattone smaltato era per molti aspetti in sintonia con i nuovi ideali estetici. La sua superficie fredda e lucida, come se escludesse la possibilità dell'esistenza di un massiccio muro di pietra alle sue spalle, creando uno squisito contrasto con la stessa superficie di vetro fredda, fragile e lucida, dà l'impressione di assenza di gravità, immaterialità, che contraddistingue il residenziale tardo moderno ed edifici pubblici.

Il mattone di rivestimento è usato non solo come strumento utilitario, ma allo stesso tempo è anche un mezzo per decorarlo. L'assenza di uno speciale sistema decorativo e la riduzione del numero di dettagli decorativi propri della modernità ("gli edifici di nuovo stile hanno un notevole vantaggio perché le decorazioni sono poche") trasformano non solo elementi puramente funzionali, come il rivestimento, ma anche livello di finitura del lavoro in un vettore di qualità estetiche. I vantaggi della muratura stessa, il modello delle cuciture, l'accuratezza della stuccatura della malta, il contrasto della trama della malta e del mattone e, soprattutto, l'espressività del muro rivestito con questo mattone acquisiscono un'importanza fondamentale nel sistema generale delle tecniche artistiche. Nasce una nuova comprensione della bellezza: la bellezza del rigore, dell'opportunità, che segna il lento processo di liberazione dall'idea della bellezza come qualcosa di esterno a un oggetto o edificio, attaccato ad esso sotto forma di decoro, o meglio, sotto forma di un certo sistema di decorazioni.

Il secolare antagonismo artistico tra le due capitali - Mosca e San Pietroburgo - raggiunse il suo apogeo verso la metà del 1900. Fu in questo momento, quando Mosca divenne il centro dello sviluppo dell'espediente modernità, che a San Pietroburgo iniziò una brusca svolta verso il retrospettivismo.

In Russia, la ricerca di nuove strade nell'arte si è concentrata a San Pietroburgo e Mosca, i due centri principali della nuova architettura. Gli edifici di San Pietroburgo e Mosca sono peculiari e tutt'altro che identici. Le differenze di vecchia data nell'architettura di queste città sono state trasferite al nuovo stile.

Il principio della regolarità e del rigore classico, sancito negli ensemble di San Pietroburgo, si è rivelato un inizio più autoritario dell'innovazione della modernità stessa. Pertanto, nell'architettura dell'Art Nouveau di San Pietroburgo, l'influenza restrittiva della tradizione classica ha avuto un effetto maggiore. Qui ha lavorato una galassia di grandi artigiani esperti, che hanno unito la loro creatività al nuovo stile. Tra questi ci sono F. I. Lidval, N. N. Vasiliev, A. I. Gauguin, A. Ol, I. Fomin, M. Lyalevich, M. Peretyatkovich, A. Belogrud, P. Yu. Syuzor.

San Pietroburgo moderna è più rigorosa, costruttiva e razionalista di Mosca.

Nell'architettura di San Pietroburgo, l'Art Nouveau si esprimeva più chiaramente nella costruzione di palazzi privati, edifici commerciali e case popolari. Pittoresche soluzioni plastiche sono caratteristiche dei primi edifici in stile Art Nouveau.

Mertens Trading House sulla Prospettiva Nevsky, San Pietroburgo

facciate, contorni insoliti di aperture (a forma di ellissi, ferri di cavallo, poligoni, ecc.), Motivi ornamentali stravaganti e raffinati (la dimora di Kshesinskaya).

Dalla metà del 1900 l'Art Nouveau entra in una fase tarda, caratterizzata da soluzioni compositive più rigorose, l'uso di elementi di ordine architettonico. Ad esempio, l'Azov-Don Commercial Bank e la Mertens Trading House (Fig. 34.2). Nel 1910, l'Art Nouveau fu gradualmente costretto ad abbandonare l'architettura di San Pietroburgo da varie tendenze retrospettive e principalmente dal neoclassicismo.

L'Art Nouveau settentrionale divenne una variante specifica dello stile a San Pietroburgo.

moderno settentrionale- questa è una tendenza nell'architettura modernista tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. nei paesi scandinavi e San Pietroburgo. A volte è definito come romanticismo nazionale. È caratterizzato da edifici di uno stile rigoroso e severo con elementi del sistema di ordine classico e motivi decorativi nazionali finlandesi vicini all'architettura medievale dello stile normanno, una silhouette espressiva e l'uso della trama dei materiali comuni nel nord - grande cornici di granito grezzo, legno, che costituiscono un'unità armoniosa con la natura.

Lo sviluppo dello stile moderno settentrionale a San Pietroburgo è stato influenzato dall'architettura neoromantica svedese e finlandese. Fedor (Friedrich) Lidval, un rappresentante della diaspora svedese a San Pietroburgo, divenne il conduttore delle idee dalla prima fonte. Gli edifici costruiti secondo i suoi progetti nel periodo dal 1901 al 1907, e in particolare il complesso residenziale sulla Prospettiva Kamennoostrovsky che apparteneva alla famiglia Lidval, divennero un'alternativa qualitativa alla diffusione delle versioni tedesca e austriaca dell'Art Nouveau a San Pietroburgo. Si nota l'influenza di rappresentanti di spicco del neoromanticismo in Svezia come F. Boberg e G. Klasson sulla formazione del modo creativo di Lidval. Un altro importante contributo alla formazione dello stile in una fase iniziale è stata la costruzione di palazzi sull'isola di Kamenny secondo i progetti di Robert Meltzer. Poco dopo, l'influenza della più oltraggiosa architettura finlandese divenne la principale. In edifici iconici come la casa di Putilova sulla Bolshoy Prospekt lato Pietrogrado (architetto I. Pretro) e l'edificio della Compagnia di assicurazioni Rossiya in Bolshaya Morskaya Street (architetto G. Gimpel) (entrambi costruiti nel 1907), gli architetti ricorsero alla direzione citazione da opere dei colleghi finlandesi, che però non sottovaluta le elevate qualità artistiche di queste opere. Nella seconda metà del decennio, l'Art Nouveau settentrionale divenne la tendenza principale nell'architettura di San Pietroburgo, attirando le forze di giovani architetti. Fu con questo periodo che si collegano le principali conquiste di Nikolai Vasiliev, un coerente aderente al tema romantico con una visione individuale dello stile. Si tratta della facciata della casa di A. Bubyr in via Stremyannaya e del progetto definitivo della Moschea Cattedrale, nell'aspetto severo della quale il tema "settentrionale" prevale sui motivi orientali.

Mosca moderna ha rivelato in modo più coerente le caratteristiche del nuovo stile. Ma anche la versione di San Pietroburgo era molto interessante. Possedeva qualità speciali associate al fatto che San Pietroburgo aveva il volto affermato di una città classicista. Se nella branca della modernità di Mosca il nuovo stile si legava alle forme dello stile neo-russo, allora a San Pietroburgo la modernità fece lo stesso in relazione al classicismo. Nella maggior parte dei casi, gli elementi classici agivano in maniera subordinata.

Se a Mosca il ruolo principale apparteneva a Shekhtel, allora a San Pietroburgo - Lidval, che approvò la versione originale di San Pietroburgo del "classicismo moderno".

Nella coscienza di massa c'è una ferma idea che il vero ventesimo secolo nella cultura russa inizia negli anni '10. Dall'avanguardia, che porta l'arte russa nel mondo europeo, e questa avanguardia è il nostro contributo, il nostro marchio e, in generale, il nostro tutto. E molto raramente si ricordano coloro che hanno preparato questa uscita trionfale alle distese internazionali. Ebbene, a parte Dyagi Lev e le sue stagioni russe, che dal 1907 si disputano in Occidente con trionfo. Ma l'estetica che gli europei ammiravano nei balletti itineranti di Diaghilev era formata da una cerchia di artisti che facevano parte dell'associazione World of Art. Hanno saputo riconfigurare l'ottica della percezione dell'arte, per farne una silenziosa ma significativa rivoluzione. Ed è stato un trampolino per coloro che sono venuti dopo e, ovviamente, hanno trattato con disprezzo i loro predecessori.

Boris Kustodiev. Ritratto di gruppo degli artisti della società "World of Art". 1916-1920 Museo statale russo

Il cerchio era molto stretto. Solo poche persone formarono il nucleo dell'associazione World of Art, che nel 1898 iniziò a pubblicare una rivista con lo stesso nome. Questi erano gli artisti Alexander Benois, Konstantin Somov, Lev Bakst, Evgeny Lansere, Mstislav Dobuzhinsky, Anna Ostroumova-Lebedeva. E, naturalmente, Sergei Diaghilev, imprenditore, impresario, motore e primavera di tutte le iniziative di World of Art. Inoltre, c'erano scrittori: il dipartimento di critica, guidato da Dmitry Filosofov. Lì furono pubblicati Merezhkovsky, Gippius, Rozanov, Sologub, Bryusov, Balmont, Bely, ma poi gli scrittori litigarono con gli artisti e partirono per la rivista New Way. In questa ristretta cerchia, la maggioranza è ancora collegata da parentela o amicizia da palestra. E in effetti, il "World of Art" è nato da un circolo completamente da camera, dal nome del romanzo di Dickens "The Posthumous Papers of the Pickwick Club" - "Neva Pickwickians". In questo cerchio, gli amici si tenevano conferenze sulla storia dell'arte. Mr. Pickwick c'era probabilmente Alexandre Benois, che era molto adatto a questo ruolo anche esteriormente: rotondo, ben fatto.

Ritratto fotografico nel gruppo di artisti "World of Art". 1914 Nella foto sopra, i numeri sono scritti con inchiostro - da 1 a 18, sul retro c'è una spiegazione: "Incontro annuale dell'isola degli artisti" Mondo dell'arte ". Presente: 1. M. V. Dobuzhinsky. 2. AF Gaush. 3. O. E. Braz. 4. NK Roerich. 5. I. Ya. Biblibin. 6. B. M. Kustodiev. 7. V. V. Kuznetsov. 8. P. V. Kuznetsov. 9. E. E. Lansere. 10. N. E. Lansere. 12. ND Milioti. 13. A. P. Ostroumova-Lebedeva. 14. K. S. Petrov-Vodkin. 15. A. I. Tamanov. 16. Prenota. A. K. Shervashidze. 17. SP Yaremich. 18. MI Rabinovich. Biblioteca statale russa

Nei suoi anni di declino, Benois, che era già emigrato in Francia, scrisse due volumi di memorie. Ha ricordato gli hobby dell'infanzia e dell'infanzia: collezioni di giocattoli, modellini di città in cartone, amore per i giocattoli ottici come una lanterna magica. E disse che era tutto questo che determinava il suo atteggiamento nei confronti dell'arte come della magia: l'arte non dovrebbe essere come la vita. Perché la vita non piace, è monotona, è sgradevole alla vista.

E le persone del mondo dell'arte, da un lato, vogliono allontanarsi dalla vita in alcuni mondi astratti. Dove sono questi mondi? Nel passato. Come facciamo a sapere del passato? Lo vediamo nelle immagini dell'arte e ci ispirano. I Miriskusnik erano molto più interessati all'arte che alla vita. L'arte del passato, capace di generare un'altra arte, nuova. Non erano interessati alla storia così com'è, ma alle sue immagini: composte, volatili, casuali. "Sogni retrospettivi", "festeggiamenti galanti", "cacce reali" - nessuna grande idea, ma semplicemente un'esperienza acuta dell'atmosfera di un tempo passato. Fuga dalla realtà, una sorta di evasione.

Ma, d'altra parte, questo mondo moderno poco attraente e di routine può, dopo tutto, essere alterato, riformattato, reso diverso per l'occhio, per la percezione visiva. Risparmiare con la bellezza: cioè cambiare interni, libri, edifici, vestiti. In modo che non solo l'arte, ma anche la vita di tutti i giorni diventi diversa. Questa è una combinazione paradossale di evasione dalla realtà con la riforma e il design. E c'è da dire che questo arduo compito - nientemeno che quello di cambiare il gusto di un'intera epoca - queste poche persone ci sono riuscite in molti modi. Letteralmente 10 anni dopo, il pubblico russo, precedentemente educato a dipinti narrativi con una trama chiara - itinerante o accademica - era pronto ad accettare l'avanguardia russa.

Parliamo ora degli ambiti in cui il World of Arts ha riscosso particolare successo. Loro, ad esempio, hanno cambiato completamente il volto del teatro, soprattutto quello musicale. Prima di loro, l'artista nel teatro russo non aveva semplicemente nulla da fare: tutto lo scenario è stato preso, come si suol dire, "dalla selezione", cioè da uno scenario standard pre-preparato: questo è per qualsiasi rappresentazione della vita medievale , e questo è per qualsiasi egiziano . Il mondo delle arti ha lavorato con ogni performance individualmente, con la precisione del restauro. Grazie a loro, l'artista in teatro è diventato una figura uguale al regista: Benois ha persino scritto lui stesso il libretto.

Costumi e scene di Leon Bakst per il balletto "Scheherazade". 1910 Libreria del Congresso

Scene e costumi per il balletto "Petrushka". Inizio del XX secolo Libreria del Congresso

Costumi per "Danze Polovtsian" dall'opera "Prince Igor". 1900 Libreria del Congresso

E hanno completamente cambiato l'aspetto del libro illustrato. In precedenza, in tali libri, le illustrazioni venivano ordinate a artisti diversi e discusse stilisticamente tra loro all'interno del blocco del libro. Miriskusniki ha proposto e implementato l'idea di un libro nel suo insieme: l'immagine dovrebbe essere collegata al testo, tutte le vignette e gli screensaver dovrebbero funzionare per uno stile comune, l'artista funge da regista e decoratore di uno spettacolo olistico. Per la prima volta, questa idea di sintesi è stata implementata nella rivista "World of Art" da loro pubblicata, di cui parleremo di seguito.

Copertina di "ABC in Pictures" di Alexandre Benois. 1904 benua-memory.ru

Ivan Bilibin. Copertina del programma dell'opera "Boris Godunov". 1908 Libreria del Congresso

Copertina di "L'ABC del mondo dell'arte" di Mstislav Dobuzhinsky. 1911 moscabooks.ru

È impossibile enumerare tutto ciò che è stato fatto dal Mondo delle Arti: ci sono state molte “micro-rivoluzioni” lì. Ma è interessante ricordare un'altra cosa: dopo tutto, sono stati loro a determinare la nostra attuale percezione di San Pietroburgo; nel 1903 fu celebrato il suo bicentenario e lo stile della festa fu in gran parte preparato dagli sforzi dell'arte mondiale per cambiare l'immagine della capitale. Prima di loro, Pietroburgo non era affatto considerata una bella città. Aveva due immagini pubbliche, una più sgradevole dell'altra. Da un lato, era l'immagine di una città statale e burocratica, in opposizione a una Mosca vivace, opposta, più diversificata e libera. Era invece la città di Dostoevskij: la città dei pozzi e dell'eterno crepuscolo. Tutto questo è cambiato grazie agli sforzi del World of Arts, in parte di Mstislav Dobuzhinsky e principalmente di Anna Ostroumova-Lebedeva. C'è una frase così comune che Savrasov, e poi Levitan, hanno inventato la natura russa: prima di loro non esisteva come oggetto per la visione. Quindi, possiamo dire che Pietroburgo è stata inventata da Ostroumov-Lebedev.

Anna Ostrumova-Lebedeva. Veduta della Neva attraverso le colonne della Borsa. 1907Foto di RIA Novosti

Mstislav Dobuzinskij. Smorfie della città. 1908Foto di Mikhail Filimonov / RIA Novosti

Anna Ostrumova-Lebedeva. Peterhof. Fontana "Sansone". 1922Foto di Alexey Bushkin / RIA Novosti

Ed è caratteristico che lo facesse nelle incisioni. Miriskusniki ha anche fatto rivivere la grafica come arte indipendente. In Russia, la grafica era ausiliaria: era ridotta a schizzi e schizzi per dipinti e quasi non pretendeva di essere indipendente nelle mostre. E le grafiche stampate sulle riviste spesso non erano realizzate apposta, ma si riducevano a riproduzioni di quadri pittoreschi. E il mondo dell'arte ha fatto rivivere non solo la grafica unica, il disegno dell'autore, ma anche la grafica di circolazione, in particolare Ostroumova-Lebedeva era impegnata in xilografie a colori e si basava su stampe giapponesi, che poche persone conoscevano in Russia.

Il nucleo del "Mondo dell'Arte" era, ovviamente, artisti diversi. Ma c'era comunque una poetica comune che li univa. La quintessenza di questa poesia è nell'opera di Alexander Benois e Konstantin Somov.

Le epoche preferite di Benoit sono principalmente la Francia del XVII secolo, il regno di Luigi XIV e la Russia dei tempi di Caterina e Paolo. La serie Versailles e il ciclo di Benoit Le ultime passeggiate di Luigi XIV sono un mondo di marionette fittizio e fragile. È importante che questo non sia un dipinto a olio, ma una tempera su carta: non c'è densità pittorica, indiscutibile, obbligo naturale. Queste non sono immagini storiche, ma immagini storiche. Che cos'è un'immagine storica, ad esempio, nello spirito di Surikov? Questa è un'idea sul significato della storia, compressa in un evento particolare. E se l'artista del "World of Art" scrivesse "Morning of the Streltsy Execution", molto probabilmente non guarderebbe gli arcieri o Peter, ma la gazza che vola via. I generi storici in Benois sono sempre un frammento strappato a caso in cui non c'è un evento principale, ma solo l'aria della storia. La stessa nitidezza e casualità degli angoli si ritrova nelle "Cacce reali" di Valentin Serov e nel suo guazzo "Pietro I". Qui, le figure grottesche dell'enorme Pietro e dei cortigiani accovacciati sullo sfondo delle convenzionali "onde del deserto" combinano l'ironia con un senso di scala storica. Non a caso Serov era nel consiglio del World of Art - l'unico moscovita: si capivano bene.

Alessandro Benois. La passeggiata del re. 1906

Valentino Serov. Partenza di Caterina II per la falconeria. 1902

Valentino Serov. Pietro I. 1907

A differenza di Benois, che è stato ispirato da una storia specifica, Somov ha riprodotto nelle sue stilizzazioni un certo secolo galante condizionale: il 17° o il 18°, non importa. Marchesi con cavalieri, arlecchini e altri eroi della commedia dell'arte italiana, mascherate, dormienti o sognanti "donne del passato". C'è più ridicolo qui che emozione o tristezza per ciò che è stato perso. Ma c'è anche la tristezza - solo che questa tristezza non è per i perduti, ma per l'irraggiungibile: per ciò che non appartiene alla vita, ma all'arte. E il suo tema costante è il tema di ciò che si accenderà e scomparirà immediatamente: un arcobaleno, fuochi d'artificio, un falò. La fine di una vacanza, sempre breve come un lampo.

Costantino Somov. Arlecchino e la morte. 1907 Galleria statale Tretyakov

I contemporanei consideravano il dipinto principale di Somov "Lady in Blue" - un ritratto dell'artista Elizaveta Martynova, dipinto poco prima della sua morte per tubercolosi. Una ragazza triste con un abito moiré alla moda degli anni Quaranta del XIX secolo è in piedi con un libro, dietro di lei a grande distanza c'è una visione di un libro: un gentiluomo e una signora stanno flirtando su una panchina e un flaneur con un bastone passa, simile all'artista stesso. Un'immagine sull'inutilità degli impulsi romantici nel mondo prosaico: così l'hanno percepita i primi spettatori.

Costantino Somov. Signora in blu. Ritratto di Elisabetta Martynova. 1897-1900 anni Wikimedia Commons / Galleria statale Tretyakov

Nel Mondo dell'Arte c'erano nostalgie completamente aliene. Ad esempio, Leon Bakst - si è realizzato principalmente come artista delle Stagioni russe di Diaghilev. Dai suoi costumi per spettacoli di balletto, poi, i couturier di tutte le case di moda parigine - Paquin, Poiret, Worth, e poi ovunque si sono respinti. O Dobuzhinsky: lui, a differenza dei suoi compagni, non lavorerà nel musical, ma nel teatro drammatico, al Moscow Art Theatre con Stanislavsky. E lì farà diverse esibizioni, due delle quali particolarmente notevoli. Uno, “A Month in the Country” secondo Turgenev, è una performance del Mondo dell'Arte, antiquario. L'altro, Nikolai Stavrogin dopo Dostoevskij, è una performance cupa e completamente simbolista. In generale, Dobuzhinsky non è estraneo al gusto simbolista e tra le sue opere successive ci sono anche astrazioni.

Leon Bakst. Salomè. 1908 Wikimedia Commons

Leon Bakst. Uccello di fuoco. 1910 Wikimedia Commons

Leon Bakst. Aladino. 1919 Wikimedia Commons

Leon Bakst. Farfalla. 1913 Wikimedia Commons

Le gouaches di Dobuzhinsky e le xilografie di Ostroumova con vedute di San Pietroburgo sono state distribuite in cartoline emesse dalla Comunità di Sant'Eugenia. La questione delle cartoline è un'altra parte importante del programma World Art. Le cartoline sono arte di massa, a grande tiratura, souvenir. E il mondo dell'arte non ha fondamentalmente stabilito una distanza tra arte di massa e arte alta.

In generale, nel mondo dell'arte è stato realizzato un tipo completamente nuovo di artisti per la Russia. In primo luogo, sono dilettanti. Qualcuno non ha finito gli studi all'Accademia delle Arti, qualcuno era un po' come un volontario negli studi privati ​​parigini. Ma praticamente tutti scappavano da ogni parte, perché annoiati dal disegno normativo e dall'educazione normativa.

In secondo luogo, sono tutti intellettuali, il che era anche del tutto insolito per gli artisti russi nella massa in quel momento. Sono persone che leggono, conoscono le lingue, sono cosmopolite nelle loro aspirazioni, sono amanti della musica e organizzano serate di musica moderna presso la rivista World of Art.

Terzo, sono tutti borghesi. In generale, tradizionalmente lo stile di vita borghese si opponeva all'immagine dell'artista - l'immagine romantica - e gli artisti del mondo insistono su di essa. Nonostante siano tutti di origini diverse: Benois è di nobile famiglia di origini francesi, Somov è figlio del capo curatore dell'Ermitage, cioè di intelligente famiglia di professori. E, diciamo, Bakst è un ebreo di Grodno, e questo non dà fastidio a nessuno: parlano tutti la stessa lingua, e hanno un comportamento comune.

E in questo modo di comportarsi c'è una sfumatura molto importante. L'intera seconda metà del XIX secolo nell'arte russa, la metà convenzionalmente itinerante, si basa sul pathos del dovere. L'artista si rivela sempre obbligato: alle persone, alla società, alla cultura - a chiunque ea qualsiasi cosa. I Miriskusnik sono le prime persone nell'arte russa che affermano che l'artista non deve nulla a nessuno. Leitmotiv della loro vita, il loro lavoro è un inno al capriccio e al capriccio, al libero gesto artistico. Non è lontano da qui un gesto libero nelle avanguardie, ma l'inizio è qui.

Copertina di uno dei numeri del Mondo dell'Arte. 1904 Wikimedia Commons

Pagina di uno dei numeri della rivista "World of Art". 1903 Wikimedia Commons

Pagina di uno dei numeri della rivista "World of Art". 1900 Wikimedia Commons

Pagina di uno dei numeri della rivista "World of Art". 1902 Wikimedia Commons

La parola preferita del Mondo delle Arti è “fumoso”. Amano tutto ciò che è fumoso nell'arte e collezionano cose fumose. Cos'è? Sono cose che non hanno la qualità di significato, di fondamentalità. Questo è qualcosa di divertente, solitario, vulnerabile, potrebbe essere un giocattolo, potrebbe essere una specie di tappeto piccolo-borghese. Questo culto dell'opzionalità è anche un'ombra importante nel loro programma collettivo.

L'artista Igor Grabar ha scritto ad Alexander Benois: "Sei troppo innamorato del passato per apprezzare qualcosa di moderno" - e questo è assolutamente giusto. Il passato di cui sono innamorati è un passato immaginario, è un sogno, è una certa immagine di bellezza che possiamo guardare, come da un auditorium attraverso un binocolo capovolto. E in questo c'è ammirazione, e ironia, e amarezza, e pietà.

E queste persone - con questo sistema di valori, persone di un magazzino completamente camerale - vogliono reindirizzare la cultura russa verso l'Occidente e cambiare i gusti pubblici consolidati. Per fare ciò, pubblicano una rivista, sul modello delle riviste europee che promuovono lo stile Art Nouveau. Perché l'estetica del “Mondo dell'Arte” è proprio una variante della modernità.

In ciascuno dei paesi questo stile era chiamato a modo suo: Art Nouveau, Secession, Liberty, Art Nouveau, Jugendstil. In altre parole, "nuovo stile". La parola "stile" è importante di per sé - significa una preoccupazione per la forma. In ogni paese la modernità esiste nelle sue forme, ma c'è qualcosa in comune: le forme sono tratte dall'intero ceppo culturale dell'umanità, dalla memoria comune. Questo generale serve come supporto per l'individuo, il passato dà origine al presente. Nell'arte russa, e non solo in quella russa, prima del mondo dell'arte non c'era alcuna preoccupazione per la forma, solo per il contenuto e non c'era stile.

Il moderno è uno stile inventato, non cresce da solo. Per dirla senza mezzi termini, è generata dalla rivoluzione industriale. La produzione meccanica delle stesse cose e degli stessi stili di vita provoca un rifiuto psicologico ed estetico. E la prima idea di modernità è l'idea del lavoro manuale. In primo luogo, il cosiddetto Arts and Crafts Movement sorse in Inghilterra sotto la guida dello scrittore, editore e artista William Morris. E poi i suoi rami sono apparsi in diversi paesi. Avevano una doppia idea. Primo, per rendere le cose belle, cose individuali, non catene di montaggio. E in secondo luogo, unire gli artigiani nella produzione di queste cose. Il primo moderno in generale è molto connesso con le idee socialiste.

Pertanto, la prima modernità europea era bidirezionale. Da una parte c'è un vettore arcaico, quello del restauro: intorno si costruiscono fabbriche giganti, e torneremo all'artigianato, alle botteghe medievali. E allo stesso tempo è anche un vettore futuristico, perché tutto questo viene fatto in nome di un futuro utopico. In futuro, il mondo intero dovrebbe essere salvato dalla bellezza e trasformarsi in una solida città-sole.

Ma torniamo al mondo dell'arte. Gli sponsor sono necessari per pubblicare una rivista. Chi dà loro i soldi? Un dettaglio inaspettato: Nicola II ha dato una cifra significativa - perché gli è stato chiesto da Valentin Serov, che ha dipinto un ritratto dell'imperatore. Ma c'erano anche due sponsor permanenti. La prima è l'imprenditrice e filantropa Savva Mamontov, che però fallì nel 1899. La seconda è la principessa Maria Tenisheva, che finanzierà la pubblicazione fino alla finale. Sia Mamontov che Tenisheva furono gli iniziatori di un programma russo simile al movimento Arts and Crafts. Nelle loro tenute - una ad Abramtsevo, la seconda a Talash-kino - crearono laboratori d'arte. È noto che Vrubel dipinse balalaika e camini da Mamontov, ma questa non era una mancanza di rispetto per l'artista, esattamente il contrario. E non sorprende che queste due persone supportino Benois e Diaghilev.

Michele Vrubel. Ritratto di Savva Mamontov. 1897Wikimedia Commons / Galleria statale Tretyakov

Michele Vrubel. Valchiria (Ritratto della Principessa Maria Tenisheva). 1899Wikimedia Commons / Museo d'arte di Odessa

La rivista è stata pubblicata per sei anni, dal 1898 al 1904. Tra le sue filiali c'erano il Salone di Arte Contemporanea, dove vendevano mobili, porcellane e così via, e il circolo Serate di musica contemporanea, e un'altra rivista, Tesori artistici della Russia, con lo stesso Benois come editore, Torah. Sono state organizzate mostre di arte russa e straniera: ce n'erano cinque e Diaghilev ne ha organizzate altre tre prima della pubblicazione della rivista. In generale, Diaghilev è stato la forza trainante di tutte le iniziative: un uomo dall'energia irrefrenabile e dai talenti organizzativi eccezionali. Tra i suoi progetti di più alto profilo c'è una mostra storica di ritratti russi, dove praticamente rivela al pubblico l'arte russa del XVIII - prima metà del XIX secolo. Lo stesso Diaghilev ha raccolto opere per questa mostra, girando per le tenute e seducendo letteralmente i proprietari. Nel 1907 tenne una serie di concerti di musica russa alla Grand Opera di Parigi, e da qui inizia la storia dei successivi più di vent'anni di impresa: le famose Stagioni Russe.

Leon Bakst. Ritratto di Sergei Diaghilev con la sua tata. 1906 Wikimedia Commons / Museo statale russo

Diaghilev va all'estero e le attività pratiche dell'associazione rimangono con Alexandre Benois, che è un ideologo, ma non un organizzatore. E nel "Mondo dell'Arte" stanno arrivando tempi duri. Ma paradossalmente, la probabilità di un rapido declino è stata incorporata nel programma comunitario stesso. Perché queste persone, che apprezzavano l'amicizia nella loro ristretta cerchia, professavano la massima ampiezza e tolleranza nella loro politica artistica. Erano pronti a collaborare con tutti ea coinvolgere tutti nei loro progetti. Tutti coloro in cui è visibile almeno qualcosa di vivo, anche se questo essere vivente è appena visibile ed è estraneo al mondo dell'arte stesso. Nel primo numero della rivista c'erano molte riproduzioni dei dipinti di Vasnetsov, anche se non c'erano suoi fan tra gli editori e in generale il World of Art si oppose al movimento. Erano sicuri che Repin fosse obsoleto, ma pubblicarono riproduzioni dei suoi dipinti, riconoscendone l'importanza. Ma l'era delle guerre manifeste sta già iniziando, quando è consuetudine disimpegnarsi, lottare per la propria visione del mondo e per l'originalità creativa. In queste condizioni, l'idea di unificazione generale in nome dell'utopia estetica diventa molto vulnerabile.

Dopo l'esecuzione del balletto "Petrushka" all'Opera di Parigi. 1920 Da sinistra a destra: Nikolai Kremnev, Alexander Benois, Boris Grigoriev, Tamara Karsavina, Sergei Diaghilev, Vatslav Nijinsky e Serge Lifar. ullstein bild / Getty Images

Ma nel 1904, in nome di questa idea di unificazione, il mondo dell'arte fece un gesto forte: abbandonarono il proprio marchio e si unirono all'Unione degli artisti russi di Mosca. I pittori paesaggisti della linea Savrasov-Levitaniana sono soliti lì, l'impressionismo è in voga lì, estraneo agli artisti di San Pietroburgo - e, ovviamente, non è possibile un'unificazione. Nel 1910, il "Mondo dell'Arte" ripristina il proprio nome. Ma il World of Art non rinuncia all'idea della più ampia collaborazione, e ora alle loro mostre si possono incontrare sia i simbolisti della Blue Rose, sia i Frondeurs del Jack of Diamonds, e in generale chiunque - fino a Malevic.

Benois evita il potere, così nel 1910 Nicholas Roerich divenne il capo del World of Art, un uomo e un artista di un magazzino completamente diverso, quasi ostile al vero World of Art. E nel 1921, l'associazione sarà completamente guidata da Ilya Mashkov, il più spudorato dei "Jacks of Diamonds" - semplicemente usurpa il marchio. Ma questa sarà un'esistenza postuma, anche se formalmente il "Mondo dell'Arte" sarà sciolto solo nel 1924. A quel punto, nessuno dei suoi fondatori sarebbe rimasto in Russia, ad eccezione di Benoit (anche lui emigrerà presto), Lansere e Ostroumova-Lebedeva.

Nicholas Roerich in costume tibetano. 1920 La Biblioteca del Congresso

Devo dire che gli ideologi ei creatori del Mondo dell'Arte erano in parte consapevoli della natura effimera della loro impresa. Hanno sentito l'inizio di un'altra vita e l'apparizione di altre persone che li avrebbero spinti fuori dal campo culturale. Questo sentimento era chiaramente articolato nel discorso di Diaghilev pronunciato già nel 1905. E vale la pena citare questo discorso abbastanza profetico:

“Non ti sembra che la lunga galleria di ritratti di grandi e piccoli, con cui ho cercato di popolare i magnifici saloni del Palazzo Tauride, sia solo un risultato grandioso e convincente, riassunto da un brillante, ma, ahimè, e periodo morto della nostra storia?<…>Me lo sono guadagnato il diritto di dirlo forte e deciso, poiché con l'ultimo respiro del vento estivo ho concluso le mie lunghe deviazioni lungo e attraverso la vasta Russia. Ed è stato dopo queste avide peregrinazioni che mi sono particolarmente convinto che era giunto il momento dei risultati. L'ho osservato non solo nelle immagini brillanti degli antenati, così ovviamente distanti da noi, ma soprattutto nei discendenti che vivono la loro vita. La fine della vita è qui. Majorats sordi, chiusi con assi, palazzi terrificanti nel loro splendore morto, stranamente abitati da persone amabili e normali di oggi che non possono sopportare il peso delle precedenti parate. Non sono le persone che sopravvivono qui, ma la vita sopravvive. Ed è allora che ero completamente convinto che viviamo in un terribile momento di cambiamento; siamo condannati a morire per far nascere una nuova cultura che ci toglie ciò che resta della nostra stanca saggezza. La storia dice questo, l'estetica lo conferma. Ed ora, immerso nelle profondità della storia dell'immagine artistica e divenuto così invulnerabile ai rimproveri di estrema radicalità artistica, posso affermare con coraggio e sicurezza che non sbaglia chi è sicuro che siamo testimoni del più grande momento storico della risulta e finisce in nome di una nuova cultura sconosciuta che nasce da noi, ma ci travolge anche. E quindi, senza paura e incredulità, alzo il bicchiere alle pareti rovinate dei bei palazzi, così come ai nuovi testamenti di una nuova estetica.

MODERNO RUSSO (vedi Art Nouveau, "stile moderno") - un termine condizionale che riflette lo sviluppo dell'arte in Russia a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Il termine "moderno" è difficile da designare un certo stile, poiché nel periodo 1880-1910. vari movimenti artistici e scuole si svilupparono intensamente. In generale, l'arte di questo periodo è caratterizzata da aspirazioni antieclettiche e dalla ricerca di un "grande stile" che unisca diversi tipi di arte. In Russia, dovremmo aggiungere a questo la tradizione dell'obiettività, la materialità delle forme artistiche. Queste forme non divennero effimere, distruttive e atettoniche, come avveniva nell'arte dell'Art Nouveau francese o dell'Art Nouveau tedesco (cfr. "botteghe viennesi").

Mosca architettonica moderna. Le stilizzazioni sul tema gotico e le stilizzazioni neo-russe nell'opera di Shekhtel hanno una caratteristica comune: il grottesco, basato su una combinazione di resa esagerata di dettagli storici e una soluzione plastica allo spazio interno. In stile neo-russo, completò i progetti del padiglione del Dipartimento russo dell'Esposizione Internazionale di Glasgow nel 1901 e della stazione ferroviaria Yaroslavsky a Mosca nel 1902, e V.M. Vasnetsov. L'immagine architettonica di questi edifici riproduceva lo spirito epico dell'antichità con l'ausilio di una sintesi di tecniche e mezzi compositivi tradizionali e innovativi. Tra gli edifici di Shekhtel del ramo decorativo internazionale dell'Art Nouveau russo, che aveva radici franco-belghe e viennesi, la più fondamentale e pietra miliare in termini di sviluppo è la costruzione del palazzo Ryabushinsky a Mosca. Il tema dell'onda, delle linee plastiche e delle forme attraversa vari elementi di decorazione e dotazione degli interni della dimora, progettati dallo stesso architetto.

L'Art Nouveau di San Pietroburgo è spesso visto come una variante dell'Art Nouveau settentrionale di Finlandia e Lettonia. La sua caratteristica è una combinazione di rigore classico e chiarezza razionalistica di facciate e interni (Lidval, Meltzer, A.I. Gauguin, N.V. Vasiliev, Baranovsky, Brzhozovsky).

A San Pietroburgo, nella fabbrica Meltzer, i mobili leggeri e confortevoli erano realizzati con legni chiari, compresi gli inserti in vetro colorato che andavano di moda all'epoca. Tra gli interni di Meltzer, si possono notare il Grande Studio Gotico di Nicola II nel Palazzo d'Inverno, gli interni di un cottage a Peterhof, gli interni del palazzo Ryabushinsky a Mosca.

All'inizio del 20° secolo Si sono tenute due mostre, il cui compito era quello di mostrare al vasto pubblico le possibilità di un nuovo stile nella creazione di un interno. Il primo - "Architettura e artigianato artistico di un nuovo stile" - a Mosca nel dicembre 1902. Il secondo è "Arte Moderna" nel gennaio 1903 a San Pietroburgo.

La diffusione del nuovo movimento artistico è stata facilitata dalle riviste di San Pietroburgo "World of Art" e "Art and Artistic Industry". Il primo numero di The World of Art fu pubblicato nel novembre 1898, che in seguito prese un posto di primo piano tra le pubblicazioni letterarie e artistiche della Russia dell'epoca. Il cuore della rivista era Sergei Diaghilev. Con il suo aspetto, la rivista contrastava nettamente con i periodici dell'epoca. L'orientamento artistico del "Mondo dell'Arte" era associato all'Art Nouveau e al Simbolismo. In contrasto con le idee dei Vagabondi, gli artisti del Mondo dell'Arte proclamavano la priorità del principio estetico nell'arte. Con la creazione del World of Art, Lev Bakst ne è diventato un partecipante attivo. Non ci sono quasi ornamenti floreali sulle copertine e sulle vignette realizzate da Bakst per la rivista. Bakst ha anche lavorato con successo nel genere dei ritratti.

Un esempio lampante di Art Nouveau russo è il lavoro dell'eccezionale artista Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910). Anche il culto della fragile bellezza, del mistero e della dolorosa tenerezza, che caratterizza l'ideale estetico del periodo moderno, non era estraneo a Vrubel. Tuttavia, anche nelle trame più fantastiche insite nella tradizione dell'Europa occidentale, ad esempio in una serie di schizzi per la tavola del Faust, la struttura artistico-figurativa e persino lo stile convenzionale di Vrubel sono molto più profonde e tradizionali di quelle europee Simbolisti. Come artista del periodo Art Nouveau, Vrubel è più erudito e più ampio, il suo talento va oltre i confini di una certa epoca, metodo e stile. Nel dipinto "Demone seduto" (1890), circondato da fantastici "fiori di pietra", Vrubel ritrae una figura opaca, dipinta in modo naturalistico, simile a un modello accademico, progettata per personificare un demone - "lo spirito di negazione, lo spirito di dubbio ." Nell'Art Nouveau russo, tendenze di stilizzazione decorativa vicine all'Art Nouveau franco-belga (Fig. 309) coesistevano con aspirazioni orientali (vedi Stagioni di balletto russo a Parigi). Tendenze simili sono caratteristiche dell'architettura di questo tempo. Un artista eccezionale, l'architetto Fyodor Osipovich Shekhtel (1859-1926) ha oscillato tra lo stile dell'Art Nouveau viennese, dell'Art Nouveau francese, del Neogotico e del Neoclassicismo. Un monumento caratteristico del moderno di San Pietroburgo è l'edificio della stazione ferroviaria di Vitebsk (progettata da S. A. Brzhozovsky e S. I. Minash, 1902-1904). La sua facciata principale è asimmetrica, tipica dell'architettura Art Nouveau, gli interni sono dominati da motivi floreali Art Nouveau e l'angolo nord-est, spettacolare e arrotondato dell'edificio, è decorato con un colonnato dorico in una combinazione insolita con ornamenti "moderni". Allusioni simili, la combinazione di classici con nuovi elementi sono anche caratteristiche di altre tendenze stilistiche nell'architettura del moderno di San Pietroburgo.