Atitudine față de opera lui Ostrovsky. Caracteristici ale stilului Ostrovsky pe care le-a deschis lumii

Inapoi inainte

Atenţie! Previzualizarea slide-ului are doar scop informativ și este posibil să nu reprezinte întreaga amploare a prezentării. Dacă sunteți interesat de această lucrare, vă rugăm să descărcați versiunea completă.

„Am muncit toată viața”.

Slide 1 și 2.

Obiectivele lecției: să prezinte elevilor un nou autor; determina originalitatea operei sale, exprimată în reflectarea problemelor epocii; arată inovație și tradiție în opera lui A.N. Ostrovsky, originalitatea stilului său.

Slide 3.

În timpul orelor

eu. Prelegerea profesorului cu prezentare.

slide 4.

1. Pagini de istorie a teatrului rus înainte de A.N. Ostrovsky (informații). Originalitatea temelor operelor dramatice; trăsături ale eroilor (moșii); principii de caracterizare. Predecesorii lui A. Ostrovsky: D.I. Fonvizin, A.S. Griboedov, A.S. Pușkin, N.V. Gogol.

Slide 5.

2. Caracteristici ale pieselor lui Ostrovsky. Un nou erou, pe care literatura rusă nu l-a cunoscut înaintea lui. „El a deschis lumii un om de o nouă formație: un negustor vechi credincios și un negustor capitalist, un negustor în haină armeană și un negustor într-o troică, care călătorește în străinătate și își făcea propria afacere. Ostrovsky a deschis larg ușa către lume, închisă până acum în spatele gardurilor înalte de privirile indiscrete” – a scris V.G. Marantsman. Noul erou al lui Ostrovsky determină originalitatea problemelor și temelor pieselor, trăsăturile personajelor personajelor.

Slide-urile 6-13

3. Pagini din biografia dramaturgului: familie, Zamoskvorechie, studiu, serviciu. Viața în Zamoskvorechye, munca în tribunale conștiincioase și comerciale, unde principalii „clienți” sunt negustori, i-au permis dramaturgului să observe viața negustorilor. Toate acestea se reflectă în piesele lui Ostrovsky, ale căror personaje par a fi luate din viață. Capacitatea de muncă incredibilă a scriitorului a contribuit la nașterea a 48 de lucrări în care acționează 547 de eroi.

Slide-urile 14-19

4. Începutul activităţii literare.

Calea creativă a lui A. Ostrovsky.

Prima lucrare - piesa „Debitorul insolvent” - a apărut în 1847 în ziarul „Foaia orașului Moscova”. În 1850, aceeași lucrare, modificată de autor, a fost publicată în revista Moskvityanin. Apoi a fost arestat timp de 10 ani, deoarece în ea, potrivit lui Dobrolyubov, „... demnitatea umană, libertatea individului, credința în dragoste și fericire și altarul muncii cinstite” au fost zdrobite în praf și călcate în picioare de către tiranii.

„Acesta este ceea ce fac acum, combinând înaltul cu comicul”, scria Ostrovsky în 1853, definind apariția unui nou erou, un erou cu „inima fierbinte”, sincer, direct. Una după alta, piesele „Sărăcia nu este un viciu”, „Nu sta în propria sanie”, „Loc profitabil”, „Pădurea”, „Inima fierbinte”, „Talent și admiratori”, „Vinovați fără vinovăție” și apar altele. "Și un astfel de spirit a devenit în mine: nu mi-e frică de nimic! Se pare că m-a tăiat în bucăți, tot o voi pune singură", spune eroina piesei "Elevul". „Nu mi-e frică de nimic” - acesta este principalul lucru în noul erou al lui Ostrovsky.

Slide 20

Furtuna (1860) este o piesă despre o personalitate care se trezește, protestează, care nu mai vrea să trăiască după legile care suprimă personalitatea.

diapozitivul 21

„Pădurea” (1870) - piesa ridică întrebările eterne ale relațiilor umane, încearcă să rezolve problema morală și imorală.

slide 22

„The Snow Maiden (1873) este o privire asupra lumii antice, patriarhale, de basm, în care domină și relațiile materiale (Bobyl și Bobylikha).

slide 23

„Zestre” (1879) – privirea dramaturgului 20 de ani mai târziu asupra problemelor ridicate în drama „Furtună”.

II. Spectacole elevilor. Sarcini individuale pentru lecție.

Slide-urile 24-38

1. Caracteristici ale stilului lui Ostrovsky (sarcini individuale)

1. Nume de familie vorbitoare;
2. O prezentare neobișnuită a personajelor din afiș, definind conflictul care se va dezvolta în piesă;
3. Observații specifice ale autorului;
4. Rolul decorului prezentat de autor în determinarea spațiului dramei și a timpului acțiunii
5. Originalitatea numelor (adesea din proverbe și zicători rusești);
6. Momente populare;
7. Considerarea paralelă a eroilor comparați;
8. Semnificația primei replici a eroului;
9. „Apariție pregătită”, personajele principale nu apar imediat, alții vorbesc mai întâi despre ele;
10. Particularitatea caracteristicilor de vorbire ale personajelor.

Întrebări finale

Slide 39

• Putem vorbi despre modernitatea pieselor lui Ostrovsky? Demonstrează-ți punctul de vedere.
• De ce teatrele moderne apelează constant la piesele dramaturgului?
• De ce este atât de greu să „modernizezi” piesele lui A. N. Ostrovsky?

III. Rezumatul lecției.

Slide-urile 40-42

UN. Ostrovsky a deschis o pagină necunoscută privitorului, aducând pe scenă un nou erou - un comerciant. Înaintea lui, istoria teatrului rus a constat doar din câteva nume. Dramaturgul a adus o contribuție uriașă la dezvoltarea teatrului rusesc. Opera sa, continuând tradițiile lui Fonvizin, Griboedov, Pușkin, Gogol, este inovatoare în reprezentarea eroilor, în limbajul personajelor și în problemele socio-morale ridicate.

Teme pentru acasă:

Drama Furtună. Istoria creației, sistemul de imagini, metode de dezvăluire a personajelor personajelor. Natura conflictului. Sensul numelui.

Grupa 1. Istoria piesei. Mesaje elevilor (teme cu literatură suplimentară).

Grupa 2 Semnificația titlului piesei este „Furtună”.

Grupa 3. Sistemul de personaje din piesă

Grupa 4. Caracteristici ale dezvăluirii personajelor eroilor.

Pentru 1847 - 1886 Alexander Nikolayevich Ostrovsky (a se vedea rezumatul și biografia lui pe site-ul nostru) a scris aproximativ patruzeci de piese în proză și încă opt în versuri albe. Toate au merite diferite, dar, în ansamblu, reprezintă, fără îndoială, cea mai remarcabilă colecție de lucrări dramatice care se află în limba rusă. Griboedov și Gogol au scris piese grozave și complet originale, iar geniul lor l-a depășit pe Ostrovsky, dar Ostrovsky a fost destinat să creeze o școală de teatru rusească, un teatru rus demn să stea lângă teatrele naționale din Occident, dacă nu ca egal. , apoi la fel de comparabil cu ei.

Portretul lui Alexandru Nikolaevici Ostrovsky. Artistul V. Perov, 1871

Limitările artei lui Ostrovsky sunt evidente. Piesele sale (cu câteva excepții) nu sunt tragedii sau comedii, ci aparțin genului de teatru obișnuit, bastard. Planul dramatic al celor mai multe dintre ele, sacrificat metodei „secțiunilor vieții”, este lipsit de consistența solidă a artei clasice. Cu puține excepții, nu există poezie în dramele sale și chiar acolo unde este prezentă, ca în Furtună, aceasta este poezia atmosferei, nu a cuvintelor și texturii. Ostrovsky, deși un maestru minunat al dialogului tipic și individualizat, nu este un maestru al limbajului în sensul în care au fost Gogol și Leskov. Într-un fel, chiar și înrădăcinarea lui în pământul rusesc este limitată, deoarece piesele sale sunt întotdeauna strict locale și nu au o semnificație universală. Dacă nu ar fi această limitare, dacă ar fi în întregime uman, rămânând național, locul lui ar fi printre cei mai mari dramaturgi.

Literatura rusă a secolului al XIX-lea. Alexandru Nikolaevici Ostrovsky. Preluare video

Cu toate acestea, amploarea, amploarea, diversitatea viziunii sale asupra vieții rusești este aproape nelimitată. El este cel mai puțin subiectiv dintre scriitorii ruși. Personajele sale nu sunt în niciun caz o emanație a autorului. Acestea sunt reflecții autentice ale „ceilalți”. El nu este psiholog, iar personajele lui nu sunt ale lui Tolstoi, în a cărui lume interioară suntem introduși de puterea puternică a intuiției autorului - sunt doar oameni așa cum îi văd alții. Dar acest realism superficial nu este realismul exterior, pictural al lui Gogol și Goncharov, este cu adevărat realism dramatic, pentru că reprezintă oamenii în relațiile lor cu ceilalți oameni, care este cel mai simplu și mai vechi mod de caracterizare, acceptat atât în ​​narațiune, cât și în dramaturgie. - prin vorbire și acțiune; doar aici această metodă este îmbogățită de o enormă abundență de detalii sociale și etnografice. Și, în ciuda acestei superficialități, personajele lui Ostrovsky au individualitate și originalitate.

Aceste observații generale se referă în principal la lucrările timpurii și cele mai caracteristice ale lui Ostrovsky, scrise înainte de 1861. Intrigile acestor piese sunt preluate, de regulă, din viața negustorilor de la Moscova și de provincie și din straturile inferioare ale birocrației. Imaginea amplă, versatilă, a vieții de modă veche, neeuropenizată, a clasei comercianților rusi i-a impresionat pe contemporanii lui Ostrovsky mai ales în opera sa, deoarece aceștia erau interesați de realitatea întruchipată în opera literară, și nu de transformarea acesteia în artă. Criticii anilor 1850 au aruncat multă cerneală, clarificând atitudinea lui Ostrovsky față de clasa de comercianți ruși de altădată. El însuși a oferit hrană din belșug pentru astfel de discuții și pentru orice fel de interpretare, deoarece simpatiile sale artistice sunt distribuite diferit în diferite piese de teatru. Orice interpretare, de la cea mai entuziastă idealizare a conservatorismului de nezdruncinat și a despotismului patriarhal până la denunțarea furioasă a clasei comercianților ca regat întunecat incorigibil, ar putea găsi sprijin în textul pieselor sale. Adevărata atitudine a lui Ostrovsky față de toate acestea pur și simplu nu a fost întotdeauna aceeași, poziția morală și socială erau în esență circumstanțe secundare pentru el. Sarcina lui era să construiască piese de teatru din elemente ale realității așa cum o vedea el. Întrebările de simpatie și antipatie erau pentru el o chestiune de tehnică pură, de oportunitate dramatică, căci, deși era un „anti-artist” și un realist, simțea foarte mult acele legi interne, potrivit cărora, și nu conform cu legile vieții, trebuia să construiască fiecare piesă nouă. Astfel, pentru Ostrovsky, aprecierea morală a tatălui negustor al familiei, care îi tiranizează pe cei dragi, depindea de funcția sa dramatică în această piesă. Dar în afară de aceasta, este extraordinar de dificil să ne facem o idee despre perspectiva socială și politică a lui Ostrovsky. El a fost cel mai obiectiv și mai imparțial dintre scriitori, iar interpretarea dată pieselor sale de prietenul și propagandistul Apollon Grigoriev - „admirarea nestăpânită pentru forțele organice ale unei vieți naționale neîntinate” - este la fel de străină de adevăratul Ostrovsky ca și de anti -propaganda tradițională și revoluționară pe care a stors-o din care Dobrolyubov.

Cele mai interesante piese din punct de vedere tehnic ale lui Ostrovsky sunt primele două: falimentar(scris în 1847–1849 și publicat sub titlul Oamenii noștri - să numărămîn 1850) şi biata mireasă(publicat în 1852 și pus în scenă în 1853). Primul a fost cel mai izbitor și senzațional început al activității unui tânăr autor, care a fost doar în literatura rusă. Gogol în a se casatori dați un exemplu de imagine caracteristică a mediului comerciant. În special, tipul de potrivire care practica printre negustori era deja folosit pe scară largă. Înfățișând doar personaje neplăcute, Ostrovsky a călcat pe urmele lui Gogol în Auditor. Dar a mers și mai departe și a abandonat cea mai venerabilă și veche dintre tradițiile comediei - dreptatea poetică, pedepsirea viciului. Triumful viciului, triumful celui mai nerușinat dintre personajele piesei, îi conferă o notă aparte de originalitate îndrăzneață. Acesta este ceea ce i-a înfuriat chiar și pe realiștii atât de vechi ca Şcepkin, care a găsit piesa lui Ostrovsky cină și murdară. Realismul lui Ostrovsky, în ciuda influenței evidente a lui Gogol, este în esență opusul lui. El este străin de expresivitate de dragul expresivității; nu cade nici în caricatură, nici în farsă; se bazează pe o cunoaștere amănunțită, profundă, de primă mână a vieții descrise. Dialogul se străduiește pentru adevărul vieții, și nu pentru bogăția verbală. Capacitatea de a folosi discursul realist discret, fără a cădea în grotesc, este o trăsătură esențială a artei realiștilor ruși, dar cu Ostrovsky a ajuns la perfecțiune. În cele din urmă, construcția non-teatrală a pieselor nu este absolut a lui Gogol și, refuzând în mod conștient orice șmecherie și calcule pentru efectul scenic, Ostrovsky ajunge în vârf de la bun început. Principalul lucru în piesă sunt personajele, iar intriga este complet determinată de ele. Dar personajele sunt luate în aspect social. Aceștia nu sunt bărbați și femei în general, aceștia sunt negustori și funcționari din Moscova care nu pot fi smulși din situația lor socială.

ÎN falimentar Ostrovsky a arătat aproape pe deplin originalitatea tehnicii sale. În cea de-a doua piesă a mers mai departe în direcția dezaatralizării teatrului. biata mireasă atât ca ton cât și ca atmosferă nu seamănă în niciun caz cu falimentar. Mediul de aici nu este comerciant, ci mic birocratic. Sentimentul neplăcut pe care îl evocă este răscumpărat de imaginea eroinei, o fată puternică care nu este deloc mai joasă și mult mai vie decât eroinele lui Turgheniev. Povestea ei are un sfârșit caracteristic: după ce admiratorul ei romantic ideal o părăsește, ea se supune sorții și se căsătorește cu norocosul Benevolensky, care singur poate să-și salveze mama de o ruină inevitabilă. Fiecare personaj este o capodoperă, iar capacitatea lui Ostrovsky de a construi acțiunea în întregime pe personaje se află aici. Dar ultimul act este deosebit de remarcabil - o noutate tehnică îndrăzneață. Piesa se încheie cu o scenă de masă: mulțimea discută despre căsătoria lui Benevolensky și aici este introdusă o nouă notă uimitoare cu apariția fostei sale amante în mulțime. Reținerea și conținutul interior al acestor ultime scene, în care personajele principale apar cu greu, au fost cu adevărat un cuvânt nou în arta dramatică. Puterea lui Ostrovsky de a crea o atmosferă poetică s-a manifestat mai întâi tocmai în actul al cincilea. biata mireasă.

Ostrovsky nu sa oprit niciodată și a continuat mereu să caute noi căi și metode. În ultimele sale piese ( Zestre, 1880) a încercat o metodă mai psihologică de a crea personaje. Dar, în general, ultimele sale piese mărturisesc o anumită uscare a forțelor creatoare. Până la moartea sa, el a dominat scena rusă prin cantitatea mare de lucrări. Însă moștenitorii pe care i-a lăsat au fost oameni mediocri și necreativi, capabili doar să scrie piese de teatru cu „roluri recunoscătoare” pentru actori și actrițe excelente, crescuți la școala lui Shchepkin și Ostrovsky, dar incapabili să continue tradiția vie a dramei literare.

Ostrovsky dramă zestre psihologică

Meritele lui Ostrovsky înaintea dramaturgiei ruse, înaintea teatrului național sunt enorme. De aproape patruzeci de ani de activitate creativă A.N. Ostrovsky a creat cel mai bogat repertoriu: aproximativ cincizeci de piese originale, mai multe piese scrise în colaborare. De asemenea, a fost implicat în traduceri și adaptări ale pieselor de teatru ale altor autori. La un moment dat, salutându-l pe dramaturg în legătură cu împlinirea a 35 de ani de carieră, I.A. Goncharov a scris: „Ai adus o bibliotecă întreagă de opere de artă ca dar literaturii, ți-ai creat propria ta lume specială pentru scenă. Tu singur ai terminat clădirea, la temelia căreia ai pus pietrele de temelie ale lui Fonvizin, Griboedov, Gogol. Dar numai după tine, noi, rușii, putem spune cu mândrie: „Avem propriul nostru teatru național rusesc. Ar trebui să fie numit pe bună dreptate „Teatrul Ostrovsky” Zhuravlev A.I., Nekrasov V.N. Teatrul A.N. Ostrovsky. - M.: Art, 1986, p. 8..

Talentul lui Ostrovsky, care a continuat cele mai bune tradiții ale dramaturgiei clasice rusești, afirmând dramaturgia personajelor și moravurilor sociale, generalizarea profundă și largă, a avut o influență decisivă asupra întregii dezvoltări ulterioare a dramaturgiei ruse progresive. Într-o măsură mai mare sau mai mică, L. Tolstoi și Cehov au învățat de la el și au procedat de la el. Tocmai cu linia dramaturgiei psihologice rusești a reprezentat-o ​​Ostrovsky atât de splendid, că dramaturgia lui Gorki este legată. Abilitatea dramatică a lui Ostrovsky este studiată și va fi studiată mult timp de autori moderni.

Este corect să spunem că chiar înainte de Ostrovsky, dramaturgia rusă progresivă avea piese magnifice. Să ne amintim de „Undergrost” al lui Fonvizin, „Vai de inteligență” a lui Griboedov, „Boris Godunov” al lui Pușkin, „Inspectorul general” al lui Gogol și „Mascarada” lui Lermontov. Fiecare dintre aceste piese ar putea îmbogăți și înfrumuseța, așa cum a scris Belinsky pe bună dreptate, literatura oricărei țări din Europa de Vest.

Dar aceste piese au fost prea puține. Și nu au determinat starea repertoriului teatral. Figurat vorbind, ei se ridicau deasupra nivelului dramaturgiei de masă ca niște munți singuratici și rari într-o câmpie deșertică nesfârșită. Marea majoritate a pieselor care au umplut scena teatrului de atunci erau traduceri de vodeviluri goale, frivole și melodrame sentimentale țesute din orori și crime. Atât vodevilul, cât și melodrama, teribil de departe de viața reală, mai ales de realitatea rusă reală, nu erau nici măcar umbra ei.

Dezvoltarea rapidă a realismului psihologic, pe care o observăm în a doua jumătate a secolului al XIX-lea, s-a manifestat și în dramaturgie. Interesul pentru personalitatea umană în toate stările ei i-a forțat pe scriitori să caute mijloace pentru a le exprima. În dramă, principalul astfel de mijloc a fost individualizarea stilistică a limbajului personajelor, iar Ostrovsky a fost cel care a jucat rolul principal în dezvoltarea acestei metode.

În plus, Ostrovsky, în psihologie, a încercat să meargă mai departe, pe calea oferirii eroilor săi cu cea mai mare libertate posibilă în cadrul intenției autorului - rezultatul unui astfel de experiment a fost imaginea Katerinei din Furtuna. Alexandru Nikolaevici Ostrovsky a considerat începutul drumului său literar în 1847, când a citit cu mare succes piesa „Tabloul de familie” în casa unui profesor și scriitor al asociației. Shevyreva. Următoarea sa piesă „Oameni proprii – hai să ne rezolvăm!” (numele original „Falimentat”) și-a făcut cunoscut numele tuturor celor care citesc Rusia. De la începutul anilor 50. colaborează activ la jurnalul istoricului M.P. Pogodin „Moskvityanin” și în curând, împreună cu A.A. Grigoriev, L.A. Meem și alții au format „tânărul comitet editorial” al lui Moskvityanin, care a încercat să facă din revista un organ al unei noi tendințe în gândirea socială, apropiată de slavofilism și anticipând mișcarea solului. Revista a promovat arta realistă, interesul pentru viața populară și folclor, istoria Rusiei, în special istoria claselor defavorizate.

Ostrovsky a ajuns în literatură ca creator al unui stil teatral distinctiv la nivel național, bazat pe poetica pe tradiția folclorică. Acest lucru s-a dovedit a fi posibil deoarece a început cu imaginea straturilor patriarhale ale poporului rus, care a păstrat stilul de viață și familial pre-petrin, aproape neeuropenizat. Era încă un mediu „pre-personal”, pentru a-l înfățișa, poetica folclorului putea fi folosită cât mai larg posibil cu generalizarea sa extremă, cu tipuri stabile, ca și cum ar fi imediat recunoscute de ascultători și telespectatori, și chiar cu o intriga principală recurentă. situație - lupta îndrăgostiților pentru fericirea lor. Pe această bază, a fost creat tipul comediei psihologice populare a lui Ostrovsky Literatura rusă a secolelor XIX-XX / Comp. B.S. Bugrov, M.M. Golubkov. - M.: Aspect Press, 2000, p. 202..

Este important să înțelegem ce a predeterminat prezența dramei psihologice în opera lui Alexander Nikolayevich Ostrovsky. În primul rând, după părerea noastră, prin faptul că și-a creat inițial lucrările pentru teatru, pentru întruparea scenic. Piesa a fost pentru Ostrovsky cea mai completă formă de a publica o piesă. Numai când este interpretată pe scenă, ficțiunea dramatică a autoarei capătă o formă complet terminată și produce tocmai acel efect psihologic, a cărui realizare autorul și-a propus ca scop al lui Kotikova P.B. Vocea privitorului - un contemporan. (F.A. Koni despre A.N. Ostrovsky) / / Literatura la școală. - 1998. - Nr. 3. - S. 18-22 ..

În plus, în epoca lui Ostrovsky, publicul teatrului era mai democratic, mai „pestriț” în ceea ce privește nivelul lor social și educațional decât cititorii. Potrivit lui Ostrovsky, pentru percepția ficțiunii, este nevoie de un anumit nivel de educație și de obiceiul de a citi serios. Spectatorul poate merge la teatru pur și simplu pentru distracție, iar teatrului și dramaturgului revine să facă din spectacol atât o plăcere, cât și o lecție de morală. Cu alte cuvinte, acțiunea teatrală ar trebui să aibă impactul psihologic maxim asupra spectatorului.

Orientarea către existența scenică a dramei determină și o atenție deosebită a autorului față de caracteristicile psihologice ale fiecărui personaj: atât personajul principal, cât și cel secundar.

Psihologismul descrierii naturii a predeterminat viitorul peisaj al scenei.

UN. Ostrovsky a atribuit un rol semnificativ titlului fiecăreia dintre lucrările sale, concentrându-se, de asemenea, pe producția de scenă ulterioară, care, în general, nu era tipică pentru literatura rusă din epoca realismului. Cert este că privitorul percepe piesa deodată, nu poate, ca și cititorul, să se oprească și să se gândească, să se întoarcă la început. Prin urmare, el trebuie să fie imediat în acord psihologic de către autor cu unul sau altul tip de spectacol pe care urmează să-l vadă. Textul spectacolului, după cum știți, începe cu un afiș, adică titlul, definiția genului și lista cu mai multe personaje caracterizate. Astfel, posterul a spus deja spectatorului despre conținut și despre „cum se termină”, și adesea și despre poziția autorului: cu cine simpatizează autorul, cum evaluează rezultatul acțiunii dramatice. Genurile tradiționale în acest sens au fost cele mai definite și clare. Comedia înseamnă că pentru personajele pe care autorul și spectatorul le simpatizează totul se va încheia fericit (sensul acestei stări de bine poate fi, desigur, foarte diferit, uneori în contradicție cu ideea publicului) Zhuravleva A.I. Piese de teatru de A.N. Ostrovsky pe scena teatrului//Literatura la școală. - 1998. - Nr. 5. - S. 12-16 ..

Dar odată cu complicația vieții descrise în piesă, a devenit din ce în ce mai dificil să se ofere o definiție clară a genului. Și refuzând adesea numele de „comedie”, Ostrovsky numește genul „scenă” sau „imagine”. „Scene” - un astfel de gen a apărut cu Ostrovsky în tinerețe. Apoi a fost asociat cu poetica „școlii naturale” și a fost ceva ca un eseu dramatizat, desenând tipuri caracteristice în intriga, care este un episod separat, o imagine din viața personajelor. În „scenele” și „imaginile” anilor 1860 și 1870, vedem altceva. Avem aici un complot complet dezvoltat, o dezvoltare consecventă a acțiunii dramatice care duce la un deznodământ care epuizează complet conflictul dramatic. Limita dintre „scene” și comedie nu este întotdeauna ușor de definit în această perioadă. Poate că există două motive pentru respingerea de către Ostrovsky a definiției tradiționale a genului. În unele cazuri, dramaturgului i se pare că incidentul amuzant la care se face referire în piesă nu este suficient de tipic și „la scară largă” pentru o generalizare profundă și concluzii morale importante - și anume, Ostrovsky a înțeles esența comediei în acest fel (pentru exemplu, „Nu totul este Maslenitsa pentru o pisică”). În alte cazuri, în viața eroilor a fost prea mult trist și dificil, deși finalul s-a dovedit a fi prosper („Abyss”, „Late Love”) Zhuravleva A.I. Piese de teatru de A.N. Ostrovsky pe scena teatrului//Literatura la școală. - 1998. - Nr. 5. - S. 12-16 ..

În piesele din anii 1860 și 1870, are loc o acumulare treptată a dramei și se formează un erou, care este necesar pentru genul dramă în sensul restrâns al cuvântului. Acest erou, în primul rând, trebuie să aibă o conștiință personală dezvoltată. Atâta timp cât în ​​interior, spiritual nu se simte opus mediului, nu se desparte deloc de acesta, poate evoca simpatie, dar nu poate deveni încă erou al unei drame care necesită o luptă activă, eficientă a eroului. cu împrejurări. Formarea demnității morale personale și a valorii extraclase a unei persoane în mintea muncitorilor săraci, masele urbane atrage interesul puternic al lui Ostrovsky. Creșterea sentimentului de personalitate provocată de reformă, care a cucerit o parte destul de largă a populației ruse, oferă material și formează baza dramei. În lumea artistică a lui Ostrovsky, cu darul său luminos de comedie, un conflict de natură dramatică continuă adesea să se rezolve într-o structură dramatică. „Adevărul este bun, dar fericirea este mai bună” se dovedește a fi doar o comedie, care stă literalmente în pragul dramei: următoarea „piesă mare”, la care se face referire în scrisoarea citată mai sus, este „Zestrea”. Inițial conceput de „scene”, cărora nu le-a acordat prea multă importanță, Ostrovsky a simțit în timpul muncii importanța personajelor și a conflictului. Și se pare că punctul aici este în primul rând în eroul - Platon Zybkin.

Un prieten din tinerețea lui Ostrovsky, un poet și critic remarcabil A.A. Grigoriev a văzut „una dintre inspirațiile înalte” ale lui Ostrovsky în Chatsky. De asemenea, l-a numit pe Chatsky „singura persoană eroică din literatura noastră” (1862). La prima vedere, observația criticului vă poate surprinde: Griboyedov și Ostrovsky au portretizat lumi foarte diferite. Totuși, la un nivel mai profund, se dezvăluie corectitudinea necondiționată a judecății lui Grigoriev.

Griboyedov a creat în dramaturgia rusă tipul de „înalt erou”, adică un erou, printr-un cuvânt direct, apropiat din punct de vedere liric al autorului, dezvăluind adevărul, evaluând evenimentele care au loc în piesă și influențând cursul acestora. A fost un erou personal care a avut independență și a rezistat circumstanțelor. În acest sens, descoperirea lui Griboedov a influențat întregul curs ulterior al literaturii ruse din secolul al XIX-lea și, desigur, pe Ostrovsky.

Concentrarea asupra unui public larg, direct în percepțiile și impresiile lor, a determinat originalitatea pronunțată a dramaturgiei lui Ostrovsky. Era convins că publicul poporului din drame și tragedii are nevoie de „un oftat adânc, pentru întreg teatrul, au nevoie de lacrimi calde neprefăcute, de discursuri înflăcărate care să curgă direct în suflet”.

În lumina acestor cerințe, dramaturgul a scris piese de o mare intensitate ideologică și emoțională, comice sau dramatice, piese care „capturează sufletul, fac să uite timpul și locul”. Creând piese de teatru, Ostrovsky a plecat în principal din tradițiile dramei populare, din cerințele dramei puternice și comediei mari. „Autorii ruși vor să-și încerce mâna”, a spus el, „în fața unui public proaspăt, ai cărui nervi nu sunt foarte maleabili, care necesită dramă puternică, comedie mare, care provoacă râsete sincere, zgomotoase, sentimente fierbinți, sincere, vioi și puternici. personaje.”

Celebrul critic de teatru F.A. Koni, renumit pentru mintea sa deschisă și curajul, a apreciat imediat calitatea înaltă a lucrărilor lui Ostrovsky. Koni a considerat simplitatea conținutului ca fiind unul dintre meritele unei opere dramatice și a văzut această simplitate, ridicată la artă, în comediile lui Ostrovsky în delimitarea fețelor. Koni a scris, în special, despre piesa „Moscoviții”: „Dramaturgul m-a făcut să mă îndrăgostesc de personajele pe care le-a creat. m-a făcut să mă îndrăgostesc de Rusakov, și Borodkin și Dunya, în ciuda stângăciei lor inerente, pentru că a reușit să dezvăluie latura lor umană interioară, care nu a putut decât să afecteze umanitatea publicului ”Koni A.F. Pe piesa „Moskviții” // Repertoriul și panteonul scenei rusești. - 1853. - Nr. 4. - S. 34//Vezi. Kotikova P.B. Vocea privitorului - un contemporan. (F.A. Koni despre A.N. Ostrovsky) / / Literatura la școală. - 1998. - Nr. 3. - S. 18-22 ..

De asemenea, A.F. Koni a remarcat faptul că, înainte de Ostrovsky, „chiar contrastele (psihologice) nu sunt permise în comedia rusă: toate fețele sunt pe același bloc - fără excepție, toate ticăloșii și proștii” Koni A.F. Care este naționalitatea rusă? // Repertoriul și panteonul scenei rusești. - 1853. - Nr. 4. - S. 3//Vezi. Kotikova P.B. Vocea privitorului - un contemporan. (F.A. Koni despre A.N. Ostrovsky) / / Literatura la școală. - 1998. - Nr. 3. - S. 18-22 ..

Astfel, putem spune că deja pe vremea lui Ostrovsky, criticii au remarcat prezența în operele sale dramatice a psihologismului subtil, care ar putea influența percepția publicului asupra eroilor pieselor.

Trebuie remarcat faptul că în comediile și dramele sale, Ostrovsky nu sa limitat la rolul unui acuzator satiric. El a descris viu, simpatic victimele despotismului socio-politic și domestic, muncitori, căutători de adevăr, iluminatori, protestanți cu inima caldă împotriva arbitrarului și violenței. Acești eroi ai săi se aflau în tărâmul întunecat al autocrației „raze strălucitoare” care anunță victoria inevitabilă a justiției Lakshin V.Ya. Teatrul Ostrovsky. - M.: Art, 1985, p. 28..

Pedepsindu-i pe cei aflati la putere, „asupritorii”, mici tirani cu o curte formidabila, simpatizand cu cei defavorizati, atragand eroi demni de imitat, Ostrovsky a transformat dramaturgia si teatrul intr-o scoala de morala sociala.

Dramaturgul nu numai că a făcut oameni ai muncii și progresului, purtători ai adevărului și înțelepciunii poporului, eroii pozitivi ai pieselor sale, ci și a scris în numele poporului și pentru popor. Ostrovsky a portretizat în piesele sale proza ​​vieții, oameni obișnuiți în circumstanțe de zi cu zi. Dar a încadrat această proză de viață în cadrul unor tipuri artistice de cea mai mare generalizare.

Introducere 3-8

Capitolul 1. Caracteristicile generale ale A.N. Ostrovsky.

Repere în viața unui dramaturg. 9-28

capitolul 2 Istoria creării piesei „Abis”. 29-63

§ 1. Analiza celor mai importante discrepanţe din original

și versiunile finale scrise de mână. 34-59

§ 2. Lucrarea lui A.N. Ostrovsky peste remarci. 60-63

Concluzie 63-72

Bibliografie 73-76

Oriunde ne uităm

activitățile domnului Ostrovsky, trebuie

o vom recunoaște ca fiind cea mai strălucită,

cea mai de invidiat activitate din modern

la noi literatura rusă.

/A.Drujinin/

Introducere .

Opera lui Alexandru Nikolaevici Ostrovsky este un fenomen excepțional în istoria literaturii și teatrului rusesc. În ceea ce privește amploarea acoperirii fenomenelor vieții și varietatea mijloacelor artistice, A.N. Ostrovsky nu cunoaște egal în dramaturgia rusă. A scris aproximativ 50 de piese de teatru. Un contemporan al dramaturgului I.A. Goncharov credea că A.N. Ostrovsky și-a creat propria lume specială, a creat teatrul național rus.

Rolul lui Alexandru Nikolaevici Ostrovsky în istoria dezvoltării dramei rusești cu greu poate fi supraestimat. Contribuția sa la cultura rusă este comparată cu nume cunoscute precum Shakespeare (Anglia), Lope de Vega (Spania), Molière (Franța), Goldoni (Italia), Schiller (Germania).

Printre piesele din prima jumătate a secolului al XIX-lea, s-au remarcat în mod deosebit capodopere ale dramaturgiei realiste precum Vai de inteligență a lui Griboedov, Boris Godunov și „micile tragedii” ale lui Pușkin, Inspectorul general și Căsătoria de Gogol. Aceste piese realiste remarcabile au conturat în mod clar tendințele inovatoare ale dramaturgiei ruse.

Marea majoritate a operelor care au umplut scena teatrală au fost traduceri și adaptări ale pieselor vest-europene. Acum nimeni nu știe numele lui M.V. Kryukovsky („Pozharsky”, 1807), S.I. Viskovaty („Xenia și Temir”, 1810?)

După înfrângerea decembriștilor (AN Ostrovsky, viitorul dramaturg celebru, avea doar doi ani), în repertoriul teatral au apărut lucrări cusute în grabă, în care locul principal era ocupat de flirturi, scene de farsă, anecdotă, greșeală, întâmplare, surpriză, confuzie, îmbrăcare, ascundere. Sub influența luptei sociale, vodevilul s-a schimbat în conținutul său. În același timp, alături de vodevil, melodrama a fost foarte populară.

Melodrama lui V. Ducange și M. Duno „Treizeci de ani sau viața unui jucător”, tradusă din franceză, a fost pusă în scenă pentru prima dată în Rusia în 1828. Această melodramă, bucurându-se de succes, a fost adesea pusă în scenă atât în ​​teatrele metropolitane, cât și în cele provinciale. Popularitatea ei excepțională a fost mărturisită și de Ostrovsky în drama „Abyss”. Gardienii purității morale din „Albina Nordului” și din alte organe ale presei reacționale s-au revoltat că în melodramă au fost încălcate normele obișnuite de moralitate: crima a fost justificată, s-a trezit simpatia pentru personaje aparent negative. Dar nu putea fi interzis. A întărit mai mult ordinea autocratic-feudală.

În secolul al XIX-lea, traduceri ale operelor dramaturgilor progresivi ai romantismului vest-european, precum Schiller (Amăgire și dragoste, 1827, Carlos, 1830, William Tell, 1830, The Robbers, 1828, 1833, 1834) și V .Hugo ( „Angelo, tiranul Padova”, 1835-1836, piesa a fost pusă în scenă în traducerea MV Samoilova sub titlul „Actriță venețiană”). În acești ani, Belinsky și Lermontov și-au creat propriile piese, dar în prima jumătate a secolului al XIX-lea nu au mers la teatru.

N.V. Gogol a contribuit la stabilirea identității realiste și naționale în teatru, iar A.N. Ostrovsky în domeniul dramaturgiei. Dramaturgul nu numai că a făcut din eroii pozitivi ai pieselor sale oamenii de muncă, purtătorii adevărului și înțelepciunii poporului, ci și a scris în numele poporului și pentru popor.

Salutându-l pe dramaturg în legătură cu cea de-a 35-a aniversare a carierei sale, Goncharov a scris că A.N. Ostrovsky a donat literaturii o întreagă bibliotecă de opere de artă și și-a creat propria sa lume specială pentru scenă. De asemenea, scriitorul a apreciat rolul semnificativ al dramaturgului în crearea teatrului național rus.

A.N. Ostrovsky a avut un impact nu numai asupra dezvoltării dramaturgiei interne și a teatrului, ci și asupra rolurilor sale marile talente ale lui A.E. Martynov, L.P. Kositskaya-Nikulina, K.N. Rybakov, M.N. Ermolova și mulți alții.

N.S. Vasilyeva a amintit: „Ostrovsky a dat fiecărei fețe a piesei o astfel de contur încât actorului i-a fost ușor să reproducă intenția autorului. Caracterizarea a fost clară. Și cât de figurat, cu ce entuziasm și varietate de intonație a citit scene populare! Artiștii l-au ascultat cu evlavie!”

Timp de aproape o jumătate de secol, A.N. Ostrovsky a fost un cronicar al vieții rusești, a răspuns rapid la fenomenele sociale nou apărute, aduse în scenă, doar personaje emergente.

Citind piesele sale, există un interes pentru istoria creației lor. După cum știți, L.N. Tolstoi și-a rescris lucrările de multe ori, nici F.M. Dostoievski nu a construit imediat intrigile romanelor sale. Și cum a funcționat A.N. Ostrovsky?

În Biblioteca de Stat Rusă, în Departamentul de Manuscrise, sunt stocate manuscrise ale multor piese de teatru ale lui AN Ostrovsky, cum ar fi „Furtuna”, „Oamenii noștri - ne vom stabili”, „Zestre”, „Lupi și oi” și altele, inclusiv manuscrisul dramei „Abis”, cea mai semnificativă dintre piesele lui A.N.Ostrovsky despre modernitate după „Furtuna”.

Scopul acestei lucrări este, în procesul de analiză a manuscrisului piesei „Abisurile”, în primul rând, de a arăta drumul pe care l-a făcut dramaturgul, aducând modificări și completări textului original al piesei și de a determina acestuia loc în dramaturgia AN Ostrovsky.

Înainte de a trece la caracterizarea manuscrisului, ar trebui spuse câteva cuvinte despre munca lui A.N. Ostrovsky la piese de teatru. Opera unui dramaturg este împărțită condiționat în trei etape. În prima etapă, A.N. Ostrovsky a observat oamenii din jur și relațiile lor. Nu am făcut nicio schiță, am ținut totul în cap. Aproape toate personajele principale din multe piese ale lui A.N. Ostrovsky au cel puțin două prototipuri, iar el însuși le-a indicat. Acest lucru subliniază încă o dată faptul că dramaturgul nu și-a inventat personajele și situațiile, ci s-a concentrat pe conflictele vieții. De exemplu, actorul N.Kh. Rybnikov a fost prototipul lui Neschastlivtsev în piesa „Pădurea”. Actorii provinciali, în care A.N. Ostrovsky a văzut talent, au fost și ei prototipuri.

După acumularea de informații suficiente, A.N. Ostrovsky a trecut să înțeleagă tot ce a văzut, crezând că scriitorul ar trebui să fie la nivelul cerințelor avansate ale epocii. De remarcat că în această etapă a operei sale, dramaturgul nu a făcut nici schițe de piese de teatru.

Abia după ordonarea impresiilor, A.N. Ostrovsky a procedat la compilarea scenariului. Aproape întotdeauna a existat un singur proiect, dar mereu au apărut gânduri noi în procesul de lucru. Prin urmare, la revizuirea schiței, au apărut inserții, anumite puncte au fost tăiate și o lucrare deja proiectată și deliberată a fost tipărită.

Revenind la lucrările literare și de cercetare asupra operei lui A.N. Ostrovsky ale unor autori precum L.R. Kogan, V.Ya. Lakshin, G.P. Pirogov, A.I. informații complete despre drama „Abyss”, ca să nu mai vorbim de faptul că manuscrisul său a rămas fără atenţie şi nu este descrisă din punct de vedere al cercetării în nicio lucrare.

De mare interes este lucrarea lui N.P. Kashin „Etudes on A.N. not a vice” și a multor altele. Dar chiar și de către acest autor, piesa „Abisul” a rămas fără atenție, deși în ceea ce privește dramatismul și caracteristicile psihologice ale imaginilor, precum și ideea sa, nu este în niciun fel inferioară pieselor lui AN Ostrovsky, care au devenit deja manuale. Nu întâmplător, în 1973, cu ocazia împlinirii a 150 de ani de la A.N.Ostrovsky, teatrul care îi poartă numele a pus în scenă piesa „Abis”, ca una dintre cele mai semnificative și nu meritat uitate lucrări ale marelui dramaturg. Piesa a avut un succes uriaș și a rulat timp de mai multe sezoane la Teatrul Maly.

Autorul acestei lucrări și-a asumat sarcina de a „parcurge cu A.N. Ostrovsky” calea creativă a creării piesei „Abis” de la concepție până la versiunea finală și de a-i determina locul în opera dramaturgului. Așa că, pas cu pas, pagină cu pagină, s-a deschis un laborator de creație pentru realizarea unei piese de teatru.

Metoda de cercetare textologică descrisă în lucrările lui D.S. Likhachev, E.N. Lebedeva și alții a fost folosită în lucrarea la manuscris. Această metodă vă permite să identificați discrepanțe, să înțelegeți mișcarea gândirii autorului de la idee la implementarea ei, adică să urmăriți formarea treptată a textului.

Există două scopuri ale studiului textual:

1.Pregătirea textului pentru publicare.

2. Analiza literară a textului.

Scopul studiului în această lucrare este o analiză literară a textului piesei „Abisurile”, asociată cu clarificarea istoriei sale de creație pentru o înțelegere mai profundă a intenției autorului, a conținutului și formei operei, a tehnicii de lucru a dramaturgului. pe manuscrisul piesei.

Analiza textuală presupune următorii pași:

1. Studiul istoriei creatoare a creației operei.

2. Compararea tuturor variantelor de schițe.

3. Cunoașterea răspunsurilor, în cazul în care lucrarea a fost citită înainte de publicare.

4. Compararea planurilor, schițelor, schițelor și manuscriselor albe.

În această lucrare a fost folosită doar prima etapă a analizei textuale, deoarece există o singură schiță a piesei „Abisul” a lui A.N. Ostrovsky, care a devenit subiectul studiului.

Rezultatul acestei lucrări minuțioase, dar foarte interesante a fost lucrarea de față, care este o încercare la primul (poate singurul) studiu al manuscrisului piesei „Abisul” a lui A.N. Ostrovsky.

Capitolul 1 Caracteristicile generale ale operei lui A.N. Ostrovsky.

Repere în viața unui dramaturg.

Alexander Nikolayevich Ostrovsky s-a născut la Moscova la 31 martie (12 aprilie) 1823, în familia unui oficial Nikolai Fedorovich Ostrovsky. Era cel mai mare din familie. Tatăl lui Alexandru Nikolaevici a fost un bărbat educat, a absolvit academia teologică, a avansat rapid în carieră și s-a angajat cu succes în practică privată: a fost avocat, s-a ocupat de afacerile comercianților. Acest lucru i-a dat ocazia să-și construiască propria casă în Zamoskvorechye, unde a putut invita acasă și profesori vizitatori pentru copiii săi.

În 1825, a devenit mai întâi secretar de personal al secției 1 a Camerei din Moscova a Curții Civile, apoi a fost promovat la consilieri titulari și, ca urmare, a primit gradul de asesor colegial. Acest lucru i-a dat dreptul la nobilime ereditară.

Nikolai Fedorovich, care a scris poezie în tinerețe, a urmărit cele mai recente în literatură, s-a abonat la toate revistele de top: Moscow Telegraph, Domestic Notes, Library for Reading, Sovremennik. Avea o bibliotecă solidă, care a fost folosită mai târziu de Alexandru Nikolaevici. Un eveniment important din viața tânărului dramaturg a fost apariția în casa mamei sale vitrege, baronesa Emilia Andreevna von Tessin. Împreună cu ea, noi gusturi și obiceiuri au intrat în casa soților Ostrovsky, o atenție deosebită a fost acordată predării copiilor muzicii, limbilor străine și educației manierelor seculare.

În 1835, Alexandru Nikolaevici a intrat în clasa a treia a primului gimnaziu din Moscova, iar în 1840 a absolvit cu onoare. Apoi, în același an, la insistențele tatălui său, a solicitat admiterea la facultatea de drept a Universității din Moscova.

Viitorul dramaturg a urmat și a promovat cu succes disciplinele de învățământ general predate de profesori geniali: D.L. Kryukov (istoria antică), P.G. Redkin (istoria jurisprudenței ruse), T.N. Granovsky (istoria mijlocie și modernă) și mulți alții.

În al doilea an, s-au predat deja subiecte de înaltă specializare, care nu l-au interesat pe Ostrovsky. După ce a primit un punctaj negativ în timpul trecerii la anul trei, tânărul dramaturg a abandonat studiile la universitate.

Tatăl a fost supărat și și-a numit fiul ca funcționar al Tribunalului Comercial.

Serviciul nu l-a captivat pe Alexander Nikolaevich, ci i-a oferit material bogat pentru creativitate.

În anii 40, A.N. Ostrovsky a început să cânte cu primele sale lucrări. În acest deceniu, realismul a luat contur în cele din urmă și a câștigat ca tendință literară principală.

„Formându-se în anii 1940 sub influența lui Belinsky și Herzen, care au apărat ideile de negare a regimului feudal-servist de atunci, Ostrovsky a văzut cea mai înaltă expresie a poporului într-o direcție satirică acuzatoare, în lucrările lui Kantemir, Fonvizin. , Kapnist, Griboyedov și Gogol. El a scris: „Cu cât lucrarea este mai elegantă, cu atât este mai populară, cu atât este mai mult acest element de denunțare în ea... Publicul se așteaptă de la artă să îmbrace într-o formă vie, elegantă a judecății sale asupra vieții, se așteaptă să se combine în imagini pline viciile și neajunsurile moderne observate în secol” .

Primele lucrări dramatice ale lui A.N. Ostrovsky - „Imagine de familie” (1847) și „Oameni proprii - Să ne stabilim!” (1850) sunt dedicate în principal tipurilor negative și criticii arbitrarului despotic în relațiile familiale și domestice.

Dobrolyubov a scris că A.N. Ostrovsky „a găsit esența (cerințelor) generale ale vieții chiar și într-un moment în care acestea erau ascunse și exprimate foarte slab”.

Ideile de socialism utopic, ateism și revoluție s-au bucurat de un succes deosebit în rândul tinerilor în acești ani. Aceasta a fost o manifestare a mișcării de eliberare asociată cu lupta împotriva iobăgiei.

La fel ca cei mai apropiați prieteni ai săi, A.N. Ostrovsky în a doua jumătate a anilor 40 a fost influențat de opiniile vremii sale.

Pe atunci, pericolul public era falimentul, lupta pentru bani, neglijarea atât a legăturilor de familie, cât și a regulilor morale. Toate acestea s-au reflectat în comploturi de lucrări precum „Oameni proprii - vom număra!”, „Sărăcia nu este un viciu”, „Abis”, „Lupi și oi”, „Pâine de muncă”, „Loc profitabil”.

O expresie vie a admirației profunde a lui A.N. Ostrovsky pentru popor este dragostea lui pentru poezia orală, provocată în copilărie de basme și cântece ale doicei. În viitor, s-a întărit și dezvoltat sub influența aspirațiilor generale ale dramaturgului, interesul său pentru țărănimitate. A.N. Ostrovsky a împărtășit mai târziu unele dintre înregistrările sale de cântece populare cu P.I. Yakushkin, P.V. Shein și alți colecționari de folclor.

Acordând o atenție primordială literaturii ruse, dramaturgul s-a interesat și de cele mai bune exemple de literatură străină: la gimnaziu l-a citit pe Sofocle, iar în 1850-1851 a tradus Asinaria lui Plautus și Hippolitul lui Seneca. De asemenea, A.N. Ostrovsky a urmărit îndeaproape literatura vest-europeană. La sfârșitul anilor 1940, a citit romanele The Misdemeanor of Mr. Antoine de George Sand, Martin the Foundling de E. Xu și Dombey and Son de C. Dickens.

În tinerețe, A.N. Ostrovsky s-a familiarizat nu numai cu literatura rusă și străină, ci și cu lucrări dedicate istoriei culturii și esteticii. Mai ales pentru dezvoltarea gusturilor literare și estetice i-au fost oferite articolele lui Belinsky și Herzen. În urma lui Belinsky, Ostrovsky a considerat că un studiu serios al istoriei culturii și al ultimelor teorii estetice sunt obligatorii pentru scriitor.

La sfârșitul anilor 1940, A.N. Ostrovsky a colaborat la Moskvityanin, unde a scris articole critice despre poveștile lui E. Tur și A.F. Pisemsky, în care a apărat principiile realismului. Realismul nu a fost conceput de dramaturg în afara naționalității și, prin urmare, principiul definitoriu al esteticii lui A.N. Ostrovsky a fost naționalitatea în înțelegerea sa democratică. Pe baza tradițiilor realiste ale literaturii progresiste, cerând de la scriitorii moderni o reproducere adevărată a vieții, el a apărat principiul istoricismului în judecățile sale.

A.N. Ostrovsky a considerat că prima condiție pentru arta unei opere este conținutul acesteia. Cu totalitatea principiilor sale ideologice și estetice, dramaturgul a afirmat viziunea literaturii ca o minunată „școală a moravurilor”, ca o puternică forță transformatoare a moralei.

A.N. Ostrovsky a intrat imediat în literatură ca un scriitor consacrat: comedia „Oamenii noștri - să ne așezăm!” i-a adus faima în întregime rusească, numită inițial „Falimentar” și publicată în 1850 în revista „Moskvityanin”.

În anii 1850, A.N. Ostrovsky a început să organizeze seri literare în casa sa, unde și-a citit propriile piese. La început, astfel de seri se țineau într-un cerc prietenos, dar apoi numărul invitaților a crescut. De regulă, se adunau sâmbăta, când nu existau spectacole în teatre. Aceste lecturi au început încă din 1846 cu scene din comedia „Oamenii noștri – să ne așezăm!”, dar cercul de ascultători s-a extins abia în anii 50.

N.F. Ostrovsky a fost adesea nemulțumit de fiul său, dar și mai multă nemulțumire a fost cauzată de faptul că Alexandru Nikolaevici, îndrăgostit de o fată simplă dintr-un mediu burghez, a adus-o în casa lui ca soție. Un tată furios și-a privat fiul de orice ajutor material. Din acel moment, dramaturgului a început o viață grea din punct de vedere material.

Situația dificilă a familiei (în acel moment A.N. Ostrovsky avusese deja patru copii) a fost conținutul principal al vieții dramaturgului în anii 1850. Datorită lui Agafya Ivanovna, „cu resurse materiale limitate, în simplitatea vieții a existat mulțumire a vieții. Tot ce era în cuptor era așezat pe masă cu salutări jucăușe, propoziții afectuoase”, notează scriitorul S.V. Maksimov. Ea, potrivit lui Maksimov, a înțeles bine „și viața de negustor din Moscova în detaliile ei, care, fără îndoială, i-au servit alesului ei în multe feluri. El însuși nu numai că nu s-a sfiit de opiniile și opiniile ei, dar a mers de bunăvoie să le întâlnească, a ascultat sfaturi și a corectat multe după ce a citit ce era scris în prezența ei și când ea însăși a avut timp să asculte părerile contradictorii ale diverși cunoscători. O mare parte a participării și influenței îi sunt atribuite de zvonuri probabile la crearea comediei „Oamenii noștri - să ne înțelegem!”, Cel puțin în ceea ce privește intriga și mediul său extern.

La mijlocul anilor '60, A.N. Ostrovsky a fost captat de tema „puterii și oamenilor”. El și-a dedicat lucrările istorice acestui subiect: cronica „Kozma Zakharyich Minin - Sukhoruk”, „Dmitri Pretendentul și Vasily Shuisky” și „Tushino”. În scrisorile sale, dramaturgul a menționat că a creat aceste lucrări sub influența „Boris Godunov” al lui Pușkin.

Până la sfârșitul anilor 60, producțiile a douăzeci și două de piese de teatru ale lui A.N. Ostrovsky au avut un succes uriaș în toate teatrele din Rusia. Piesele nu au fost puse în scenă în întregime, deoarece cenzorii au tăiat bucăți de text din lucrări, „le-au tăiat rapid”, după cum notează L.A. Rozanova.

Dramaturgul a primit o lovitură teribilă: toți copiii născuți în această căsătorie au murit. În 1867, iubita soție a dramaturgului, Agafya Ivanovna, a murit, iar în 1869 s-a căsătorit cu o actriță a Teatrului Maly din Moscova, Maria Vasilievna Vasilyeva.

În 1867, dramaturgul, împreună cu fratele său Mihail, au cumpărat moșia Shchelykovo de la mama sa vitregă. „O mențiune specială ar trebui făcută despre Shchelykov în soarta lui Ostrovsky. Așa cum este imposibil să ne imaginăm viața și opera lui A.S. Pușkin fără Mihailovski, L.N. Tolstoi fără Iasnaia Poliana, I.S. Turgheniev fără Spassky-Lutovinov, la fel și viața lui A.N. Kineșma”.

Pentru prima dată, dramaturgul a fost impresionat de frumusețea acestui pământ încă din 1848 și în fiecare an venea să-și viziteze tatăl și mama vitregă. El a vorbit despre casă în felul următor: „Casa este surprinzător de bună atât din exterior, cu originalitatea arhitecturii, cât și comoditatea interioară a încăperii... Casa se află pe un munte înalt, care este înghesuit în dreapta și în stânga cu râpe atât de încântătoare acoperite cu pini creț și tei, încât nu-ți poți imagina așa ceva.” În fiecare an, de la primăvară până la sfârșitul toamnei, A.N. Ostrovsky, împreună cu familia și prietenii săi, locuia în Shchelykovo. Aici își putea permite să se plimbe într-un costum rusesc: în pantaloni harem, o cămașă lejeră și cizme lungi.

Aceste locuri memorabile pentru dramaturg s-au reflectat în lucrările sale. De exemplu, în The Snow Maiden, au fost descrise satul Subbotino și pajiștea adiacentă acestuia. Unele dintre cele mai semnificative piese au fost scrise în Shchelykovo: „Fiecare înțelept este destul de simplu”, „Nu a fost nici un ban, dar dintr-o dată Altyn”, „Inimă fierbinte”, „Pădure”, „Zestre”, „Talent și admiratori”, „Fără vinovat” și mulți alții.

„Ostrovsky și-a numit numirea fericire, deoarece a primit o oportunitate practică de a efectua transformări în viață. O astfel de activitate viguroasă în mai puțin de un an a subminat puterea lui Ostrovsky.

„În anii săi de declin, Alexander Nikolayevich Ostrovsky a lăsat în albumul lui M.I. Semevsky, editorul revistei Russkaya Starina, o înregistrare a celor mai semnificative fapte și evenimente trăite de el. „Cea mai memorabilă zi pentru mine din viața mea: 14 februarie 1847”, a scris el. „Din acea zi, am început să mă consider un scriitor rus și am crezut în vocația mea fără îndoială sau ezitare.” În această zi, A.N. Ostrovsky a terminat comedia „Pictures of Family Happiness”, prima sa lucrare completă și completă.

Apoi au fost create: „Oameni proprii - să ne așezăm”, „Săraca mireasă”, „Loc profitabil”, „Furtună” și multe, multe alte piese de teatru.

La 31 mai 1886, bolnavul terminal A.N. Ostrovsky s-a pus pe treabă la traducerea cărții Antony și Cleopatra de Shakespeare.

Înmormântarea a avut loc la cimitirul Nikolo-Berezhki. Deasupra deschiderii

Kropaciov a ținut un discurs de rămas bun încântat către mormânt, iar ultimele sale cuvinte au fost: Premoniția ta s-a adeverit: „ultimul act al dramei vieții tale s-a încheiat”!”... Pe mormânt a fost pusă o cruce cu inscripția: „Alexander Nikolaevici Ostrovsky”.

călători, nu descriși…” – așa a scris marele dramaturg în Notele unui rezident Zamoskvoretsky.

„... Această țară, conform rapoartelor oficiale, se află chiar vizavi de Kremlin... Până acum, se cunoștea doar poziția și numele acestei țări; cât despre locuitorii ei, adică modul lor de viață, limba, obiceiurile, obiceiurile, gradul de educație - toate acestea erau acoperite de întunericul necunoscutului.

A.N. Ostrovsky și-a petrecut copilăria, adolescența și tinerețea în Zamoskvorechye. Își cunoștea bine locuitorii și în copilărie putea observa manierele, obiceiurile și personajele eroilor din viitoarele sale piese. Când a creat imagini ale „regatului întunecat”, A.N. Ostrovsky și-a folosit impresiile din copilărie, amintite de mult timp.

Și cine, dacă nu A.N. Ostrovsky, a fost destinat să îndepărteze vălul incertitudinii din această parte a Moscovei - Zamoskvorechye.

Inițierea lui A.N. Ostrovsky la cuvântul artistic a început în principal cu literatura sa natală. Prima comedie pe care a citit-o și i-a făcut o impresie de neșters a fost comedia lui N.R. Dintre dramaturgii ruși ai secolului al XVIII-lea, A.N. Ostrovsky l-a prețuit în mod deosebit pe Ablesimov, creatorul operei comice Morarul vrăjitorul, înșelatorul și chibritul.

Cum a născocit dramaturgul ideile operelor sale?

Timp de câțiva ani, A.N. Ostrovsky a notat doar cuvintele caracteristice mediului filistin-comerciant cu care a trebuit să se confrunte: „el însuși” (stăpân, cap de familie), „amant”, „rusak” și altele. Dramaturgul s-a interesat apoi de consemnarea proverbelor, descoperindu-le sensul mai profund. Acest lucru s-a reflectat în titlurile lucrărilor sale: „Nu intra în sania ta”, „Nu totul este Shrovetide pentru o pisică”.

Prima dintre lucrările binecunoscute ale lui A.N. Ostrovsky în proză este „Legenda cum a început să danseze gardianul, sau de la mare la ridicol, există doar un pas”. Tendințele lui Gogol se simt în ea, mai ales în pozele din viața de zi cu zi.

În 1864 - 1874, A.N. Ostrovsky prezintă ca personaje principale oameni care nu sunt capabili să lupte cu „bine hrăniți”, dar care au simțul demnității umane. Printre ei: grefierul Obroshenov („Jokers”), cinstitul oficial Kiselnikov („Abis”) și muncitorul profesor Korpelov („Pâine de muncă”). Dramaturgul a contrastat puternic personajele principale cu mediul în care trăiesc pentru a-l face pe cititor și pe privitor să se gândească și să tragă concluzii despre ordinele existente.

În piesele sale, A.N. Ostrovsky descrie realitatea timpului în care a trăit el însuși. Dramaturgul credea că realitatea stă la baza artei, sursa creativității scriitorului.

Trăind în Zamoskvorechye, A.N. Ostrovsky nu numai că a reușit să studieze suficient caracterele comercianților, comercianților și familiilor lor, ci și să le arate cu adevărat în lucrările sale.

În total, A.N. Ostrovsky a creat 47 de piese originale, a scris 7 împreună cu alți scriitori, a tradus peste 20 de lucrări dramatice din alte limbi. În 1882, IA Goncharov i-a scris: „Tu singur ai finalizat clădirea, la baza căreia au fost puse pietrele de temelie ale lui Fonvizin, Griboedov, Gogol... Te salut ca pe creatorul nemuritor al sistemului nesfârșit de creații poetice. .. unde vedem cu ochii noștri și auzim viața primordială, adevărată rusească...”1

Prima perioadă de creativitate a lui A.N. Ostrovsky (1847 - 1860).

Activitatea literară a lui AN Ostrovsky a început în 1847 cu publicarea de povestiri și eseuri sub titlul general „Însemnări ale unui rezident Zamoskvoretsky” în Lista orașului Moscova și un fragment dramatic „Imagini ale vieții Moscovei” („Debitor insolvent” și „ Imagine fericirea familiei). Cu toate acestea, cea mai timpurie experiență literară a lui A.N. Ostrovsky datează din 1843 - aceasta este „Povestea cum a început să danseze gardianul de cartier sau există doar un pas de la mare la ridicol”. Primele publicații literare au fost prozaice - povestea neterminată „Personajele nu au fost de acord” (1846), eseurile și povestirile „Biografia lui Yasha”, „Zamoskvorechye în vacanță” și „Kuzma Samsonych” (1846-1847). „Notele lui Zamoskvoretsko

1 Goncharov I.A. Sobr. op. în 8 vol., v. 8., M.: 1980, p. 475

„Familiaritatea cu Teatrul Maly, repertoriul său, prietenia personală cu mulți dintre actori au contribuit la faptul că Ostrovsky a părăsit cursurile de proză și a început să scrie piese de teatru”.

A.N. Ostrovsky a servit la tribunalul comercial când a început să se gândească la o nouă lucrare. Fructul unei lungi munci interne a fost piesa „Falimentar”, care a primit ulterior titlul „Oamenii noștri – ne vom așeza!” Conducătorul este conflictul dintre tați și copii pe baza „iluminării”, „educației”. Este surprinzător că piesa nu a fost încă publicată, iar zvonurile despre ea s-au răspândit în toată Moscova. A fost citită în saloanele literare din Moscova și în cercurile de acasă, iar lectura primului autor a avut loc în a doua jumătate a anului 1849 la apartamentul lui M.N. Katkov, în Merzlyakovsky Lane. (La acea vreme, M.N. Katkov era adjunct la Departamentul de Filosofie al Universității din Moscova). Tânărul dramaturg abia își începea călătoria și nu se putea obișnui încă cu laudele care îl încântau plăcut. Printre ascultătorii noii piese a lui A.N.Ostrovsky s-au numărat S.P.Shevyrev, A.S.Khomyakov, T.N.Granovsky, S.M.Soloviev, F.I.Buslaev și mulți alții. Recenziile au fost toate unanim entuziaste.

În 1849, A.N. Ostrovsky a fost invitat să citească o nouă piesă lui M.P. Pogodin, editorul și editorul Moskvityanin. M.P.Pogodin i-a plăcut atât de mult noua piesă a lui A.N. Ostrovsky, încât curând (1850) a publicat-o în jurnalul său, la secțiunea „Literatura rusă”. Din acel moment a început colaborarea dramaturgului cu această revistă.

La scurt timp după ce a citit piesa sa la M.P. Pogodin, A.N. Ostrovsky a decis să-i prezinte prietenii. Și în mediul literar de la Moscova și Sankt Petersburg au început să vorbească despre „ediția tânără” a „Moskvityanin”, care avea atunci deja zece ani. Printre autori s-au numărat numele lui A.N. Ostrovsky, A.A. Grigoriev, T.I. Filippov și alții, alături de N.V. Gogol, V.A. mulți alții.

Comunicarea cu deputatul Pogodin și prietenii săi - slavofilii nu au trecut fără urmă pentru AN Ostrovsky, a avut un impact asupra operei dramaturgului (piesele „Nu intra în sania ta”, „Sărăcia nu este un viciu”, „ Nu trăi așa, așa cum îți place"). Dar au existat și contradicții între editor și „tinerii redactori”, care doreau să aibă o mai mare independență. Deputatul Pogodin nu credea că tinerii pot păstra legendele lui Karamzin și Pușkin într-un jurnal. La începutul anilor 1950, piese precum The Poor Bride (1852), Don’t Get into Your Sleigh (1853) și Don’t Live as You Want (1855) au fost deja tipărite în Moskvityanin. O achiziție valoroasă a „Moskvityanin” a fost colaborarea la acesta a lui P.I. Melnikov și Pisemsky.

Curând, deputatul Pogodin a început să sublinieze punctele slabe ale revistei. Unul dintre prietenii lui i-a sfătuit într-un mod prietenos: „Întotdeauna ai multe greșeli de scriere. Chiar și alte reviste au început să te imite în asta. Aspect moscovit deloc grațios, fonturile sunt urâte și urâte: deloc

ar fi rău să imiteți în acest caz Contemporan, cea mai proastă revistă rusă.

În octombrie 1857, Apollon Grigoriev a fost aprobat ca redactor al Moskvityanin, dar până atunci se afla deja în Italia și Moskvityanin a trebuit să fie închis.

La 14 ianuarie 1853 a avut loc comedia Nu te bagi în sania ta, prima piesă care s-a jucat în teatru. Lyubov Pavlovna Kositskaya, deja binecunoscută la acea vreme, a fost de acord să joace rolul principal. Vioi, bogat în culori cotidiene, discursul a lovit publicul. M.P. Lobanov scrie despre asta astfel: „Dar ceea ce a urmat a fost ceea ce era deja culmea spectacolului, ceea ce a rămas pentru totdeauna, pentru viață în memoria celor care au avut norocul să-l vadă pe Serghei Vasilyev. Într-o conversație cu Rusakov, care îl întreabă de ce el, Ivanushka, este trist, Borodkin răspunde: „Ceva a devenit puțin trist”. El a spus asta ca din întâmplare, dar cu un sentiment de nedescris ", după cum au remarcat criticii mai târziu, fără a găsi cuvinte pentru a exprima angoasa care s-a auzit în vocea lui Borodkin. Remarci modeste, aparent obișnuite, s-au luminat brusc cu o asemenea semnificație și profunzime de sentiment, încât a fost o întreagă revelație pentru public, care i-a frapat și a provocat o impresie uluitoare.

„Actorii și-au intrat în roluri atât de entuziasmați, cu atâta uitare de sine, încât s-a creat impresia de deplină vitalitate a ceea ce se făcea pe scenă. A existat ceva pe care Ostrovsky însuși l-a numit mai târziu „o școală naturalȘi expresiv jocuri”.

Ivan Aksakov ia scris lui Turgheniev că impresia produsă de piesă

A.N. Ostrovsky pe scenă, „cu greu poate fi comparat cu orice impresie experimentată anterior”.

Homiakov a scris: „Succesul este imens și binemeritat”.

Acest succes al dramaturgului a deschis porțile Teatrului Ostrovsky în curs de dezvoltare.

Odată cu apariția lui A.N. Ostrovsky la Teatrul Maly, teatrul în sine s-a schimbat. Pe scenă au apărut oameni obișnuiți în maiouri, cizme unse cu ulei, rochii de bumbac. Actorii din generația mai în vârstă au vorbit negativ despre dramaturg. Din piesele lui A.N. Ostrovsky, principiile dramaturgiei realiste național-originale sunt afirmate în teatrul rus. „În fața spectatorului nu ar trebui să fie o piesă, „ci viața, astfel încât să existe o iluzie completă, astfel încât să uite că este în teatru” - aceasta este regula pe care a urmat-o dramaturgul. Înaltul și scăzutul, comicul și dramaticul, cotidian și neobișnuit au fost toate combinate realist în piesele sale.”

O nouă etapă în opera dramaturgului a fost cooperarea cu revista Sovremennik. Călătoriile frecvente ale lui A.N. Ostrovsky de la Moscova la Sankt Petersburg l-au adus la salonul literar al lui I.I. Panaev. Aici i-a cunoscut pe L.N. Tolstoi, I.S. Turgheniev, F.M. Dostoievski, N.A. Nekrasov, N.A. Dobrolyubov și mulți alți autori ai revistei, care la acea vreme era editată de N.A. Nekrasov. O lungă perioadă de timp, AN Ostrovsky a colaborat cu Sovremennik, în care piesele „Un vis festiv înainte de cină” (1857), „Personajele nu au fost de acord” (1858), „Un vechi prieten este mai bun decât doi noi” (1860), „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk” (1862), „Zile grele” (1863), „Jokers” (1864), „Voevoda” (1865), „Într-un loc aglomerat” (1865). După închiderea revistei în 1866, dramaturgul și-a publicat aproape toate piesele în revista Otechestvennye Zapiski, care a devenit succesorul său, editată de N.A. Nekrasov, apoi de M.E. Saltykov-Shchedrin, G. Eliseev și N. Mikhailovsky.

În 1856, A.N. Ostrovsky a luat parte la Expediția Etnografică a Ministerului Naval și a plecat să studieze modul de viață, condițiile de viață, cultura, pescuitul în orașele Volga din Volga de sus până la Nijni Novgorod. Călătoria de-a lungul Volgăi a oferit un material atât de bogat încât A.N. Ostrovsky a decis să scrie un ciclu de piese sub titlul general „Nopți pe Volga”. Ideea principală a ciclului era să fie ideea de continuitate în viața și cultura poporului rus, dar aceste planuri au rămas nerealizate. În același timp, A.N. Ostrovsky a început să lucreze la Dicționarul Volga, care s-a dezvoltat ulterior în Dicționarul limbii populare ruse. După moartea dramaturgului, cercetarea sa de vocabular a fost transferată la Academia de Științe și utilizată parțial în dicționarul academic al limbii ruse, publicat din 1891 sub conducerea lui Ya.K. Grot.

A doua perioadă de creativitate a lui A.N. Ostrovsky (1860 - 1875).

Dacă în prima etapă a carierei, AN Ostrovsky a pictat în mare parte imagini negative („Sărăcia nu este un viciu”, „Nu trăi așa cum vrei”, „Oamenii tăi - ne vom aranja!” și altele), atunci pe a 2-a - principalul în sens pozitiv (căzând în idealizarea stânjenitoare a clasei comerciale, patriarhat, religie; la a 3-a etapă, începând din 1855, ajunge în sfârșit la necesitatea unei fuziuni organice în piesele sale de negare și afirmare) - aceștia sunt oamenii de muncă.

A doua perioadă de 60-75 de ani include piese precum „Un vechi prieten este mai bun decât doi noi”, „Zile grele”, „Jokeri”, „Nu totul este un carnaval pentru o pisică”, „Dragoste târzie”, „ Pâine de muncă”, „Într-un loc plin de viață”, „Nu a fost nici un ban, ci deodată un altyn”, „Trilogia despre Balzaminov”, „Câinii se ceartă” și „Abis”.

Temele pieselor lui A.N.Ostrovsky s-au extins; el devine un reprezentant al tuturor claselor principale ale epocii sale.

„Moscova educată din anii 1940 a avut doi descendenți preferați de care era mândră, cu care și-a unit principalele speranțe și simpatii: universitatea și teatrul. Teatrul Bolșoi a domnit suprem: în tragedie - Mochalov, în comedie - marele Șcepkin. A.N. Ostrovsky a fost, de asemenea, cuprins de vârtejul entuziasmului pentru Mochalov. Mai târziu, el a exprimat ideea că nevoia de tragedie în rândul „publicului tânăr” este mai mare decât nevoia de comedie sau dramă de familie: „Are nevoie de un oftat adânc pe scenă, pentru tot teatrul, are nevoie de lacrimi neprefăcute, calde, fierbinți. discursuri care să curgă direct în suflet”. 20 de ani mai târziu, în drama „Abisuri”, AN Ostrovsky va înfățișa o plimbare în grădina Neskuchny, familiară pentru el, și va pune în gura comercianților și studenților care se plimbă o aprobare furtunoasă a interpretării lui Mochalov din melodrama lui Ducange „Treizeci de ani, sau viața unui jucător":

"Comerciant. Hei, da Mochalov! Apreciat.

Soție. Doar aceste spectacole de urmărit este foarte

jalnic; deci e chiar prea mult.

Comerciant. Ei bine, da, înțelegi multe!”

„În The Deep, tentația diavolească a unei mite va fi descrisă în mod deosebit de puternic și cumva personal: viața îl împinge pe grefierul judiciar sub braț și nu-i lasă niciun indiciu pentru a-și păstra onestitatea. Iată dovezi clare că „toată lumea ia”, și plângerile mamei că familia dispare de foame, și raționamentul socrului-negustor în spiritul că cine trebuie să meargă în instanță, tot pregătește bani: „Nu vei lua, așa că altul va lua de la el. Toate acestea, așa cum v-ați putea aștepta, se termină cu eroul care face o mică curățare a cazului și ia un jackpot mare de la client și apoi înnebunește de remuşcări.”

„În anul eliberării țăranilor (1861), AN Ostrovsky a finalizat două piese de teatru: o mică comedie „Ce vei căuta, vei găsi”, unde, în cele din urmă, s-a căsătorit cu eroul său, Mișa Balzaminov, și a completat astfel trilogie despre el; și rodul a 6 ani de muncă - drama istorică în versuri „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”. Două lucruri sunt polare ca gen, stil și obiective. S-ar părea, ce legătură au ei cu ceea ce trăiește și respiră societatea? Unii eroi acționează, în timp ce alții doar raționează și, într-un mod foarte rusesc, toată lumea visează că fericirea însăși le va cădea peste cap.

Despre popor, despre caracterul național, despre modul în care s-a dezvoltat și s-a manifestat în istorie, A.N. Ostrovsky se gândește și la paginile manuscrisului Minin. Dramaturgul și-a dorit, referindu-se la istorie și instinctul poetic, să arate un om cu conștiință și cu datoria interioară, capabil să trezească poporul la o ispravă într-un moment dificil. Era un subiect nou la acea vreme.

În urma lui Minin, A.N. Ostrovsky a scris o dramă în versuri din viața Voevodei din secolul al XVII-lea sau un vis pe Volga (1865). Conținea pagini uimitor de reușite și, după ce l-a citit, I.S. Turgheniev a exclamat: „Ce poezie pe alocuri, precum crângul nostru rusesc vara, este poezie! O, stăpâne, acest bărbat cu barbă!”

Au urmat cronicile „Dmitri Pretendintul și Vasily Shuisky” (1866) și „Tushino” (1867).

„Nu am știut niciodată să mă înclin și să fug, să măgulesc autoritățile; ei spun că odată cu vârsta, sub jugul împrejurărilor, conștiința propriei demnități dispare, că nevoia îl va învăța pe kalachi să mănânce - cu mine, slavă Domnului, acest lucru nu s-a întâmplat ”, a scris A.N. Ostrovsky într-o scrisoare către Gedeonov. Dramaturgul era conștient că în spatele lui se afla teatrul rusesc, literatura rusă.

Oricât s-a copt toamna, s-a scris o nouă piesă, jucată în teatru, următoarele date au fost marcate de aceasta:

1871 - „Nu a fost nici un ban, dar deodată Altyn”;

1872 - „Iepurele secolului al XVII-lea”;

1873 - „Căița zăpezii”, „Dragoste târzie”;

1874 - „Pâinea de muncă”;

1875 - „Lupi și oi”, „Mirese bogate” și așa mai departe...

A treia perioadă de creativitate a lui A.N. Ostrovsky (1875 - 1886).

Trebuie menționat că piesele dramaturgului din a treia perioadă sunt dedicate destinului tragic a unei femei în condițiile dificile ale Rusiei din anii 70 și 80. Această temă include piese precum Ultima victimă (1877), Zestrea (1878), Inima nu este o piatră (1879), Sclavi (1880), Vinovați fără vină (1883) și altele. Eroinele pieselor lui A.N. Ostrovsky din perioada a treia sunt imaginea sclavilor. Eroinele trec prin chinurile speranțelor neîmplinite, ale iubirii neîmplinite... Doar câteva dintre aceste femei reușesc să se ridice deasupra mediului. Un exemplu viu al unei personalități atât de puternice este eroina piesei „Vinovată fără vinovăție” - Kruchinina.

Odată cineva i-a remarcat lui A.N. Ostrovsky că el idealizează o femeie în piesele sale. La aceasta dramaturgul a răspuns: „Cum să nu iubești o femeie, ea ne-a născut pe Dumnezeu”. Tot în piesele din perioada a treia apare în fața cititorului imaginea unui prădător-prădător în spatele femeilor. A.N. Ostrovsky dezvăluie goliciunea spirituală, calculul rece și egoismul din spatele aspectului nobil al unui astfel de prădător. În piesele din ultima perioadă, multe chipuri episodice par să ajute la transmiterea atmosferei, de exemplu, a unui târg zgomotos.

În ultima piesă a dramaturgului „Nu din lumea aceasta”, ca și în cele anterioare, se ridică importante întrebări morale și psihologice – dragostea, relațiile dintre soț și soție, datoria morală și altele.

La sfârșitul anilor 70, A.N.Ostrovsky a creat o serie de piese în colaborare cu tineri dramaturgi: cu N.Ya „Strălucește, dar nu se încălzește” (1880); cu P.M. Nevezhin - „Capriciu” (1880), „Vechiul într-un mod nou” (1882).

În anii 70, A.N. Ostrovsky s-a îndreptat de bunăvoie către comploturile cronicii criminale. Chiar în acel moment, a fost ales judecător de pace onorific în districtul Kineshma, iar la Moscova, în 1877, a fost jurat la Tribunalul Districtual. Procesele de complot au dat mult. Există o presupunere că complotul „Zestrei” a fost sugerat dramaturgului de cazul de crimă din gelozie, care a fost audiat la Curtea de Magistratură Kineshma.

În 1870, prin eforturile lui A.N. Ostrovsky, a fost înființată o întâlnire a scriitorilor dramatici ruși, al cărei președinte era el. Pentru a înțelege pozițiile estetice ale dramaturgului, este important de menționat că A.N. Ostrovsky a încercat să oprească declinul artei teatrale în Rusia. Mulți oameni și-au amintit cu admirație de faptul că A.N. Ostrovsky i-a citit piesele, despre munca sa cu actorii pe rol. A.Ya. Panaeva, P.M. Nevezhin, M.I. Pisarev și alții au scris despre relațiile cu actorii moscoviți, despre sentimentul lor cald pentru dramaturg

Capitolul 2. Istoria creării piesei „Abis”.

Datorită muncii grele, A.N. Ostrovsky a creat o nouă piesă în fiecare an, cu toate acestea, în 1857, criticii au asigurat cititorii că nu mai era nimic de așteptat de la A.N. Ostrovsky, că talentul lui s-a stins. Inconsecvența unor astfel de afirmații a fost infirmată de apariția unor noi piese de teatru talentate, în special, piesa „Abisul”.

În mai 1865, A.N. Ostrovsky a făcut o călătorie de-a lungul Volgăi. Întors dintr-o călătorie, termină o nouă piesă „Într-un loc ocupat”, continuă să traducă din W. Shakespeare și lucrează la o piesă istorică „Dmitry Pretenderul și Vasily Shuisky”. În a doua jumătate a lunii decembrie, termină piesa „Abis”, rezumă cu ea un rezultat ciudat al temei Zamoskvorechye din anii ’60.

Din cele de mai sus se vede că în această perioadă activitatea literară a lui A.N.Ostrovsky a fost versatilă și extrem de intensă.

Pentru prima dată piesa „Abis” a fost publicată în ziarul „Sankt Petersburg Vedomosti” în ianuarie 1866 (nr. 1, 4, 5, 6, 8). Pentru unele dintre imprimările sale, a fost necesară o cenzură preliminară. În ianuarie același an, A.N. Ostrovsky a citit piesa în Cercul artistic, iar în martie Abisul a fost deja aprobat de Cenzura Teatrului. În aprilie, publicul a văzut o nouă piesă a lui A.N. Ostrovsky pe scena „Teatrului Maly”, iar în mai piesa „Abisul” a fost prezentată pentru prima dată la Teatrul Alexandrinsky în spectacolul benefic al lui Vasiliev 1.

Publicul a salutat piesa cu aprobare zgomotoasă. De menționat că în această perioadă relațiile lui A.N.Ostrovsky cu direcția teatrelor imperiale au fost mai tensionate. Acest lucru este remarcat și de F. Burdin într-una dintre scrisorile sale către A.N. Ostrovsky: „În general, trebuie să explici cu mare jale că sferele Superioare nu favorizează lucrările tale. Sunt dezgustați de patosul lor acuzator, de spiritul ideologic... s-a ajuns la punctul în care „Abisul” a stârnit o enormă nemulțumire în autorități și le este frică să-l îmbrace.

Acest lucru este confirmat de tabelul producțiilor de piesele lui A.N. Ostrovsky din 1887 până în 1917. Interesant este că primul loc în acest tabel este ocupat de piesa „Pădurea” - 160 de reprezentații pe an. Piesa „Abisul” - mai puțin de 15 reprezentații pe an. Piesele „Nu a fost nici un ban, ci deodată un altyn”, „O inimă caldă”, „Destul de simplitate pentru fiecare om înțelept” au fost supuse aceleiași „discriminare”.

În lucrarea sa, A.N. Ostrovsky, în urma lui N.V. Gogol, a continuat tema „omulețului”. Acest lucru este confirmat și de personajul principal al piesei „Abyss” - Kiselnikov. El este incapabil să lupte și merge cu fluxul vieții. În cele din urmă, abisul vieții îl aspiră. Prin această imagine, A.N. Ostrovsky arată că în existent

în realitate, nu se poate rămâne un observator pasiv cu care trebuie să lupți, altfel prăpastia îl va înghiți și va fi imposibil să ieșim din el. Piesele lui A.N. Ostrovsky educă și îl fac pe spectator să se gândească la realitatea înconjurătoare. După cum notează A.I. Revyakin în lucrarea sa, dramaturgul credea că orice fel de artă trebuie neapărat să educe și să fie o armă în lupta publică.

A.N. Ostrovsky nu numai că atrage tipurile de locuitori din Zamoskvorechie, el dezvăluie la maxim cititorilor și telespectatorilor sistemul social care a determinat comportamentul acestor oameni. Cum

a remarcat A.V. Lunacharsky: „... ochii lui creativi au pătruns repede în sufletele unor creaturi schilode, uneori mândre, când umilite, pline de profundă grație feminină sau fluturând cu tristețe aripile frânte ale unui înalt idealism. ... Din adâncul sânilor lor puternici izbucnește uneori aproape comic în excentricitatea sa formală, dar un strigăt atât de infinit uman despre viața îndreptată...”

Dramaturgul nu a considerat meritul său o reflectare atât de îndrăzneață și veridică a realității. Pentru A.N.Ostrovsky, adevărul vieții nu este o demnitate, ci o condiție indispensabilă pentru o operă de artă. Acesta este cel mai important principiu al art.

În piesa „Deeps” A.N. Ostrovsky nu s-a îndepărtat de tema principală a lucrărilor sale și a arătat „fundul” vieții post-reformă. În același timp, piesa s-a dovedit a fi neobișnuită pentru autor din punct de vedere al genului: nu o dramă - un episod, ci o dramă - soartă, un fel de romantism în fețe. Mulți cercetători ai lui A.N. Ostrovsky au vorbit despre influența literaturii vest-europene asupra lui, în special despre împrumuturile sale din surse străine. A.I. Revyakin atrage atenția asupra influenței lui Schiller („Tâlhari” - și „Voievod”, „Dmitri Pretendicul” - și „Dmitri Pretendiul”), R.B. Sheridan („Școala Scandalului” - și „On Every the Sage of Quite simplitate”), Shakespeare („Visul unei nopți de vară” - și „Făioța zăpezii”), V. Dukanzha și Dino („Treizeci de ani sau viața unui jucător” – și „Abisul”)”.

Eroul piesei, Kiselnikov, trece de la un student idealist în anii 1930 la un mic funcționar judiciar în anii 1940. Fiecare acțiune a piesei are loc în 5 - 7 ani și înfățișează drumul unui tânăr care a absolvit facultatea, intrând în viață cu speranțe și speranțe pentru un viitor mai luminos. Care este rezultatul? Căsătorind cu o fată Zamoskvoretskaya, el cade în viața de zi cu zi, ca într-un abis. Puritatea gândurilor se termină cu o crimă - o mită mare, pe care eroul o vede ca singura cale de a scăpa din sărăcie.

Aproape fiecare piesă a lui A.N. Ostrovsky a fost supusă unei interdicții de cenzură teatrală, deoarece dramaturgul ridica din nou și din nou întrebări despre problemele stringente ale timpului nostru. Dar nimic nu l-a putut obliga pe dramaturg să schimbe subiectul pieselor sale.

Este necesar să facem o descriere generală a manuscrisului piesei „Abis”.

Manuscrisul piesei, păstrat în Departamentul de Manuscrise al Bibliotecii de Stat a Rusiei, conține 54 de foi. Textul este scris cu creion. Unele locuri sunt greu de citit, deoarece timpul a lăsat o amprentă asupra textului manuscrisului (rezultatul păstrării pe termen lung și al trimiterii repetate la text). Manuscrisul nu are margini. Toate notițele sunt făcute de A.N. Ostrovsky în locuri libere. La vizualizarea manuscrisului, se găsesc un număr mare de inserții și completări, cel mai adesea acestea fiind realizate direct în text. Inserțiile mari sunt scoase în locuri libere sau sunt prezentate mai jos cu marca „F”. Există puține locuri tăiate în manuscris; versiunea originală este cel mai adesea tăiată cu o linie îndrăzneață. Există, de asemenea, fragmente de text tăiate. Sunt foi în care nu există corecții.

Se poate presupune că aceste fragmente au fost găsite imediat de A.N. Ostrovsky. Cu toate acestea, este posibil ca, după un număr mare de modificări și amendamente, aceste foi să fie rescrise. Este imposibil să faci o declarație categoric în favoarea primei sau a doua presupuneri.

Întregul manuscris este scris cu o scriere de mână uniformă, mică. În ceea ce privește inserțiile, este adesea posibil să le dezasamblați numai cu ajutorul unei lupe, deoarece nu exista un loc special pentru ele, iar Ostrovsky a fost nevoit să le plaseze în locuri libere reduse.

Se atrage atenția asupra numerelor aplicate deasupra cuvintelor, care au permis autorului să obțină o mare expresivitate a textului.

De exemplu:

Glafira

Acum nu mă voi teme de tine, pentru că vei intra în casa noastră.

Un interes deosebit în caracterizarea manuscrisului este prima sa foiță.

După primele trei rânduri:

"Abis"

„Scene din viața de la Moscova”.

Scena I.”

Imediat apar coloane de text scrise cu o scriere de mână mică, ilizibilă, „pentru mine”. Cu un studiu atent, unele cuvinte din aceste înregistrări au putut fi citite. În aceste note, A.N. Ostrovsky a aranjat principalele evenimente ale piesei în scene. În timpul procesării finale, toate aceste înregistrări au fost tăiate, deoarece ulterior au devenit inutile. În general, pe prima foaie sunt multe note de autor și schițe. Toate sunt, de asemenea, tăiate. Aceasta este o scurtă descriere generală a apariției manuscrisului piesei lui A.N. Ostrovsky „Abisul”.

Acum să trecem la completările și modificările făcute de A.N.Ostrovsky în timpul ediției finale, dintre care sunt multe în manuscris. Întrucât natura acestei lucrări nu prevede un studiu complet și amănunțit al manuscrisului, vor fi analizate doar acele pasaje care au suferit modificări în timpul realizării piesei. Este necesar să se analizeze și să se stabilească scopul și semnificația acestor modificări, dintre care unele aduc schimbări semnificative în caracterul personajelor, altele ajută la dezvăluirea mai bine a situației din piesă.

§ 1. Analiza celor mai importante discrepanțe din manuscrisele originale și finale.

Cercetătorii (A.I. Revyakin, G.P. Pirogov, V.Ya. Lakshin și alții) ai lucrării lui A.N. Ostrovsky au descoperit că dramaturgul rareori a reușit imediat la începutul piesei. Multă vreme și din greu a pus la punct primele replici, aranjarea personajelor. A.N. Ostrovsky a încercat să facă primele replici ale personajelor din piesă să arate ca un dialog continuu.

Foarte des, piesele sale încep cu o remarcă reciprocă care face ușor să se implice acțiuni anterioare care au avut loc înainte ca cortina să se ridice. Acest început este observat în „Abis”.

Scenăeu.

Acțiunea începe cu o discuție despre noua piesă tradusă a lui Ducange, Treizeci de ani sau viața unui jucător de noroc. Discuția este condusă de negustori și soțiile lor.

A.N. Ostrovsky a reușit imediat primul fenomen, deoarece dramaturgul ia studiat foarte bine pe comercianți și a trebuit să audă de mai multe ori judecățile unor astfel de „cunoscători de artă”.

A doua apariție a lui „Abyss” a fost concepută inițial ca o discuție a aceleiași piese, dar deja de către studenți. A.N.Ostrovsky a pus în contrast opinia comercianților cu opinia studenților. În prima versiune, studenții nu doar au vorbit despre piesă, ci au vorbit și despre teatru „ca cea mai înaltă plăcere”. „Viața jucătorului” a fost discutată de trei studenți și alte două personaje care nu au fost notate în compoziția personajelor din piesă. Aceste personaje sunt enumerate de A.N. Ostrovsky sub numele de Alb și Galosh. Aparent, autorul și-a dat numele într-o formă prescurtată.

În acest fenomen, probabil, cel mai mare număr de corecții. A.N. Ostrovsky reelaborează aproape complet textul acestui fenomen: el înlătură declarația primului elev despre teatru, în loc de trei studenți, doar doi elevi participă la conversație; este introdusă o nouă persoană - Pogulyaev.

Adevărat, Pogulyaev rostește o singură frază, dar ideea lui este dezvoltată de studenți. Autorul înlătură și lungile argumente ale lui Alb și Galosh.

Astfel, după modificările efectuate, doi studenți și Pogulyaev rămân în al doilea fenomen.

Ce ar fi putut cauza o asemenea regândire a acestui fenomen? Da, aparent, prin faptul că însuși A.N. Ostrovsky nu a considerat necesar să vorbească mult despre piesa „Viața jucătorului”, mai ales că declarația lui Pogulyaev și a studenților oferă o evaluare destul de completă a acestei piese.

Pogulyaev

Și cât de bun a fost Mochalov astăzi. Păcat că piesa este proastă.

1 elev

Joc uscat. Morala goală.

..................................................... .

Ce piesă este asta! Este o prostie despre care nu merită să vorbim.

Argumentele lungi și generale nu puteau decât să împrăștie atenția privitorului.

În al treilea fenomen, inițial au existat doar două personaje: Kiselnikov și Pogulyaev. Conversația a continuat între prieteni pe tot parcursul apariției. Viața lui Kiselnikov nu a fost foarte reușită și, prin urmare, nu este surprinzător că Kiselnikov îi spune de bunăvoie prietenului său Pogulyaev despre toate.

Cu o astfel de aranjare a actorilor, acțiunea s-a dovedit a fi oarecum monotonă. Conversația „tete a tete” nu se potrivește lui A.N. Ostrovsky și în noua ediție îi prezintă încă doi studenți care au studiat împreună cu Kiselnikov. Acum trei persoane pun întrebări, iar Kiselnikov reușește doar să le răspundă.

Faptul că Kiselnikov povestește despre viața sa nu numai lui Pogulyaev, ci și studenților prezenți, îl caracterizează ca o persoană deschisă și sociabilă. La editare, A.N. Ostrovsky nu modifică frazele aparținând lui Pogulyaev și nu adaugă text nou. Dramaturgul descompune aceste fraze în rânduri. Acum, într-o nouă versiune, ele sunt deja pronunțate de către studenți.

În versiunea originală, A.N. Ostrovsky nu indică cât timp Pogulyaev nu l-a văzut pe Kiselnikov, această clarificare apare doar în versiunea corectată.

Interesant este că în versiunea originală, Kiselnikov însuși a vorbit despre viața lui. Odată cu introducerea a încă două personaje, numărul întrebărilor crește și, în consecință, răspunsurile lungi ale lui Kiselnikov sunt împărțite în altele mai mici. Kiselnikov răspunde acum mai des în monosilabe. Prin aceasta, A.N. Ostrovsky, parcă, arată clar că, la urma urmei, Kiselnikov nu are o mare dorință de a vorbi despre el însuși.

Apare o nouă frază, cu care Kiselnikov încearcă să justifice tot ce s-a spus.

Kiselnikov

Cu toate acestea, încă pot să le fac pe toate.

Dar, din moment ce nu există o acțiune reală în spatele acestei fraze, dialogul următor trece la un alt subiect.

Kiselnikov

Tatăl meu era un bătrân strict și capricios...

Prezența constantă a tatălui său l-a asuprit pe Kiselnikov.

Al patrulea și al cincilea fenomen au fost lăsați de A.N. Ostrovsky în forma lor originală. În al cincilea fenomen apar actori noi. Caracteristica lor de vorbire a fost găsită imediat de dramaturg.

În al șaselea fenomen, apar pentru prima dată inserții cu semnul „F”, există multe modificări și completări la textul în sine. De remarcat este inserția din răspunsul Glafirei la întrebarea lui Pogulyaev despre studiile ei.

În versiunea originală, la întrebarea lui Pogulyaev, ce face ea, Glafira a răspuns:

Glafira

Fac broderie.

În versiunea finală, A.N. Ostrovsky adaugă:

Glafira

De obicei ceea ce fac domnisoarele. Fac broderie.

În opinia ei, toate domnișoarele sunt angajate doar în broderie și nu sunt interesate de nimic altceva.

Nu există nicio îndoială că A.N. Ostrovsky, prin această frază suplimentară din răspunsul Glafirei, subliniază îngustimea intereselor sale. Poate că, cu această frază suplimentară, dramaturgul contrastează simultan educația lui Kiselnikov cu îngustimea minții a miresei sale.

Acum să ne întoarcem la o altă scenă în care Kiselnikov îl convinge pe Pogulyaev că nu există familie mai bună decât Borovtsov, că nimic nu poate fi mai bun decât plăcerile lor familiale. În versiunea originală a manuscrisului, Pogulyaev îl ascultă în tăcere pe Kiselnikov și, așa cum spune, este în mare măsură de acord cu el. Dar la editarea textului original, A.N. Ostrovsky nu este mulțumit de acest comportament al lui Pogulyaev și apare o nouă linie în care autorul, prin gura unui vechi tovarăș Kiselnikov, își exprimă atitudinea față de modul de viață al borovțovilor.

Pogulyaev

Nu, există ceva mai bun decât asta.

În loc de consimțământul tacit, protestul lui Pogulyaev este vizibil.

Pentru a arăta interesele și opiniile limitate ale lui Borovtsova, A.N. Ostrovsky își prezintă imediat observația.

Borovtsov

Acesta este dans, nu? Atât de bine ei. Soțul nu suportă.

Astfel, în cea de-a șasea apariție a primei scene, cele două scurte inserții (cuvintele Glafirei și cuvintele lui Borovtsova) dezvăluie în mod semnificativ caracteristicile familiei Borovtsov, subliniind individualitatea și contrastul lor cu Kiselnikov.

În a șaptea, ultima apariție a primei scene, nu există modificări semnificative în text.

ScenăII

Trec șapte ani. Viața lui Kiselnikov după căsătorie nu se schimbă în bine. Socrul nu-i dă moștenirea promisă, Glafira se transformă dintr-o fată blândă într-o femeie lacomă și isterică.

Prima apariție a celei de-a doua scene începe cu un scandal între Kiselnikov și Glafira.

În versiunea originală a manuscrisului, când scandalul atinge apogeul, citim:

Kiselnikov(acoperă urechile)

În versiunea finală:

Kiselnikov(acoperind urechile, țipând)

Sunteți tiranii mei, voi!

O singură replică, dar cum se schimbă caracterul imaginii! În prima versiune, Kiselnikov este o natură pasivă în care orice abilitate de a lupta a fost distrusă. În versiunea finală - avem în fața noastră un om pe care soarta l-a forțat să trăiască printre oameni urâți, el trebuie să se adapteze, dar eroul nu se teme să-și spună părerea despre ceilalți. La sfârșitul apariției, A.N. Ostrovsky prezintă monologul lung al lui Kiselnikov, în care aproape că se pocăiește de comportamentul său.

Cu această remarcă a lui Kiselnikov, întărită de adăugarea unui singur cuvânt la remarca: „țipete” și un monolog suplimentar la sfârșitul fenomenului, AN Ostrovsky arată că în sufletul protagonistului piesei, care a trăit în tărâmul obscurantismului negustoresc timp de șapte ani, lupta dintre începuturile pasive și active ale naturii sale, dar începutul pasiv începe să câștige avantajul și să-l sugă în abisul vieții negustorești.

Imaginea Glafirei este obținută de la A.N. Ostrovsky nu imediat. În versiunea finală, dramaturgul atrage atenția cititorilor asupra grosolăniei și lăcomiei ei. În versiunea originală a manuscrisului citim:

Glafira

De câte ori ți-am spus să rescrii casa în numele meu...

Kiselnikov

E propria ei casă, nu-i așa?

Glafira

Deci ce este ea? Ii dau rochiile mele, nu regret pentru

S-a dovedit că Glafira o tratează bine pe mama lui Kiselnikov - ea îi dă rochiile ei. Dar aceste cuvinte contraziceau caracterul lacomei Glafira.

La editarea manuscrisului, A.N. Ostrovsky corectează această discrepanță. Dar, în același timp, dramaturgul nu schimbă textul discursului eroilor, ci doar în ultimele cuvinte ale Glafirei, înaintea cuvântului „rochii”, inserează definiția „vechi”. Acum răspunsul Glafirei arată astfel:

Glafira

Deci ce este ea? Îi dau rochiile mele vechi, nu regret pentru ea,...

Așadar, cu un singur cuvânt, introdus în timpul editării, A.N.Ostrovsky dezvăluie sufletul insignifiant al Glafirei și dezvăluie noi trăsături în personajul ei: insensibilitate, insensibilitate.

În a doua apariție, Borovtsov vin să-l viziteze pe Kiselnikov. Glafira are o zi onomastică, iar părinții ei o felicită. Se pare că Kiselnikov a amanetat deja cerceii Glafirei, care i-au fost dăruiți ca zestre. Părinții Glafirei sunt revoltați. Dar Kiselnikov nu avea altă opțiune. Banii pe care îi primește în serviciu sunt prea puțini pentru a hrăni o familie numeroasă. Borovtsov îl învață pe Kiselnikov să ia mită. Îi atrage o viață bogată.

În versiunea originală, învățătura lui Borovtsov nu dezvăluie complet părerile sale despre viață. În versiunea finală, A.N. Ostrovsky adaugă:

Borovtsov

Trăiești pentru familie - aici ești bun și cinstit și lupți cu ceilalți, ca într-un război. Ce ai reușit să apuci și să tragi acasă, să-ți umpli și să-ți acoperi coliba...

În aceste cuvinte adăugate, imaginea unui prădător lacom, căruia îi pasă doar de propriul bine, se profilează înaintea cititorului. Dacă acesta este șeful familiei Borovtsov, atunci restul membrilor săi sunt aceiași. A.N. Ostrovsky subliniază încă o dată imposibilitatea, incompatibilitatea opiniilor despre viața lui Kiselnikov și Borovtsov.

În al treilea fenomen, A.N. Ostrovsky nu face modificări speciale la editare.

În cea de-a patra scenă a celei de-a doua scene, la editarea primei versiuni a manuscrisului, pentru a dezvălui pe deplin personajele, A.N. Ostrovsky face completări în discursul lor.

Oaspeții se adună în casa lui Kiselnikov. Pereyarkov și Turuntaev vin la ziua onomastică a Glafirei. În prima versiune a manuscrisului, când Anna Ustinovna amână ceaiul pentru oaspeți și Glafira strigă la soacra ei în fața tuturor, citim:

Glafira

De ce ai esuat acolo cu ceai!

................................................

Păcătuiește doar în casă, dar nu are sens.

Borovtsov

Ei bine, taci, taci! Bună, domnișoară de onoare!

În versiunea finală, A.N. Ostrovsky subliniază duplicitatea lui Borovtsova.

Borovtsov

Ei bine, taci, taci! Nu strigați în fața oamenilor! Nu e bun. Bună, domnișoară de onoare!

Din această adăugare, devine clar că lui Borovtsova îi pasă doar de decența exterioară, ea nu se opune deloc ca Glafira să țipe la soacra ei, dar nu în public. Concluzia sugerează involuntar că o nouă frază în discursul lui Borovtsova a fost adăugată de A.N. Ostrovsky nu numai pentru a promova personajul ei, ci și personajul Glafirei. Devine clar că blândețea Glafirei înainte de nuntă a fost ostentativă, dar prin natura și educația ei era nepoliticoasă și lacomă.

Această mică adăugare dezvăluie caracterul a două personaje deodată.

În versiunea originală, când sosește Pogulyaev, Glafira îl salută destul de amabil.

Pogulyaev (Glafira)

Am onoarea să vă felicit. (se inclina in fata tuturor)

Glafira

Vă mulțumesc cu umilință.

Din dialog este clar că Glafira îl acceptă pe Pogulyaev fără bucurie, dar pur exterior comportamentul ei nu depășește limitele decenței. În versiunea finală, A.N. Ostrovsky mai adaugă o frază la discursul Glafirei:

Pogulyaev (Glafira)

Am onoarea să vă felicit. (se înclină în fața tuturor).

Glafira

Vă mulțumesc cu umilință. Numai că astăzi nu am așteptat străini, vrem să petrecem timp între ai noștri.

În versiunea finală, sensul răspunsului Glafirei la salutul lui Pogulyaev se schimbă dramatic. Ea pronunță prima frază ca în batjocură și apoi subliniază că Pogulyaev este un străin pentru ei. Aceasta dezvăluie o altă trăsătură a caracterului Glafirei: indiferența față de oamenii „inutil”.

Când vorbește cu Pogulyaev, Pereyarkov subliniază că ei (Borovtsov, Pereyarkov și Turuntaev) au tandrețe între ei; că „ei trăiesc suflet la suflet”. Dar de îndată ce Pereyarkov se uită la cărțile vecinului său (face asta fără nicio strângere de conștiință), Turuntaev îl numește tâlhar în fața tuturor.

Începe o încăierare. Fiecare dintre cei prezenți încearcă să-și insulte mai rău tovarășul. La editare, A.N. Ostrovsky adaugă noi replici. Acum toți acești oameni „drăguți” arată ca niște chinuitori de bazar.

Pereyarkov

Broker de amanet! Koschey! Iuda!

Turuntaev

Hoț, hoț de zi!

Borovtsov

Despre ce latri!

Turuntaev

Și ce ești, o etapă!

La aceste remarci, introduse la sfârşitul disputei dintre Borovtsov şi Turuntaev, la editare, A.N.Ostrovsky adaugă o frază de Pogulyaev, care este o concluzie a acestei scene.

Pogulyaev

Iată pentru sufletul tău!

La sfârșitul apariției, Pogulyaev îi dă un împrumut lui Kiselnikov. Kiselnikov îi este foarte recunoscător. În versiunea originală arăta astfel:

Kiselnikov

Mulțumesc, frate, mulțumesc, asta e împrumutat! Iată un prieten, deci un prieten! Dacă n-ar fi fost el, m-aș fi dezonorat complet în fața socrului meu.

După editarea versiunii originale, citim:

Kiselnikov

Iată un prieten, deci un prieten! Ce e de făcut, dacă nu el! Unde să mergem? Aceasta este pentru mine, pentru adevărul și blândețea mea, Dumnezeu a trimis. Dacă ar fi mai mulți astfel de prieteni, ar fi mai ușor să trăiești în lume! Dacă n-ar fi fost el, m-aș fi dezonorat complet în fața socrului meu.

La ce vrea A.N. Ostrovsky să ne atragă atenția? Se schimbă sensul cuvintelor lui Kiselnikov în versiunea finală?

În prima versiune, A.N. Ostrovsky nu dezvăluie cuvântul „prieten” în înțelegerea lui Kiselnikov. În versiunea finală, devine clar că pentru el un prieten este cel care poate împrumuta bani. Dramaturgul subliniază că nevoia stinge toate celelalte sentimente în Kiselnikov.

La începutul piesei, Kiselnikov încă încearcă să protesteze. Chiar dacă erau doar cuvinte, se puteau transforma și în fapte. Treptat, A.N. Ostrovsky aduce cititorul și privitorul la finalul tragic al piesei. La sfârșitul celei de-a doua scene, Kiselnikov este o persoană slabă, cu voință slabă, incapabilă de a protesta, luând în merit meritul și răbdarea.

ScenăIII

În manuscris, A.N. Ostrovsky începe să scrie a treia scenă din „Abisurile” de la a doua apariție. Aparent, dramaturgul nu era pregătit să prezinte primul fenomen și l-a lăsat „pentru mai târziu”. Primul fenomen urmează după al doilea, apoi urmează al treilea fenomen și așa mai departe.

În prima apariție a celei de-a treia scene, A.N. Ostrovsky povestește despre viața lui Kiselnikov din ultimii cinci ani.

Mai trec cinci ani. Glafira a murit. Copiii sunt bolnavi, dar Kiselnikov nu are bani să-i trateze. Socrul, pe care Kiselnikov și-a pus ultima speranță, „s-a declarat insolvent”. Dar Kiselnikov continuă să spere că Borovtsov îi va întoarce măcar o parte din banii luați. Pentru a nu-și supăra mama, Kiselnikov încearcă să-i dea măcar puțină speranță.

Kiselnikov

Mă duc să-mi vizitez socrul mâine dimineață. Nu voi da înapoi, o voi lua doar de guler.

Anna Ustinovna

intreaba bine...

Mama îl sfătuiește pe fiul ei să întrebe mai întâi bine, bine, și apoi poți „în spatele gulerului”. Prin natură, Kiselnikov este o persoană cu voință slabă. Nu va putea niciodată „să ia poarta”. Anna Ustinovna știe foarte bine acest lucru. La urma urmei, Kirill este mai ușor să cedeze decât să folosească forța și presiunea, chiar și într-o chestiune legată de propriii bani. Pentru a confirma acest lucru, A.N. Ostrovsky adaugă:

Anna Ustinovna

Ei bine, unde ești! Mai bine intrebi bine...

Această frază inserată încă o dată, prin cuvintele mamei, dezvăluie foarte figurat caracterul slab de voință al fiului ei.

Al doilea fenomen trebuie analizat mai detaliat. Este poate cel mai dramatic loc din piesă. În cel de-al doilea fenomen, au loc principalele evenimente care schimbă caracterul lui Kiselnikov, care va deveni apoi călăuzitor în acțiunile sale ulterioare.

Borovtsov și Pereyarkov vin la Kiselnikov. Borovtsov este acum prost îmbrăcat și el însuși a venit la ginerele său cu o cerere. În versiunea finală, A.N. Ostrovsky introduce apelul „BRAT” în cuvintele lui Borovtsov. Socrul îl spune pe Kiselnikov că nu pentru că îl iubește, acesta este doar noul truc al lui Borovtsov pentru a pune în aplicare planul josnic pe care l-a conceput. A.N. Ostrovsky face schimbări semnificative în discursul lui Pereyarkov, care conduce toate acțiunile lui Borovtsov în această întâlnire.

În versiunea originală citim:

Pereyarkov

Strigăt! La urma urmei, vei plânge în fața altor creditori.

În noua ediție, Pereyarkov îi oferă lui Borovtsov sfaturi mai detaliate și mai rafinate:

Pereyarkov

Strigăt! De ce nu plângi? Acum afacerea ta este ca un orfan. La urma urmei, vei plânge în fața altor creditori. Trebuie să te înclini la picioarele tale.

În noua versiune, A.N. Ostrovsky subliniază viclenia lui Pereyarkov. Astfel de cuvinte pot milă de orice persoană, și cu atât mai mult Kiselnikov. Borovtsov știe dinainte că, după toate cele spuse și jucate, Kiselnikov va fi de acord să-l ajute și să semneze documentul necesar.

Negustul Kiselnikov este gata să aibă încredere în Borovtsov și să renunțe la propriii bani. Pentru a sublinia generozitatea lui Borovtsov „în cuvinte”, o nouă remarcă apare în versiunea finală.

Borovtsov

Da, cum să nu crezi ceva, un excentric! Îți spun mai târziu... te voi îmbogăți mai târziu...

A.N. Ostrovsky atrage atenția asupra „mai târziu”, care aici se limitează la „niciodată”.

În versiunea originală a manuscrisului, A.N. Ostrovsky a încheiat al doilea fenomen cu o afacere de succes. În efortul de a dezvălui starea de spirit a protagonistului, disperarea și teama lui de viață, în noua versiune, A.N. Ostrovsky introduce monologul lui Kiselnikov.

Kiselnikov

Copiii mei, copii! Ce ți-am făcut! Ești bolnav, îți este foame; ești jefuit și tatăl tău ajută. Au venit tâlharii și au luat ultima bucată de pâine, dar nu m-am certat cu ei, nu m-am tăiat, nu i-am roade cu dinții, ci mi-am dat-o, ți-am dat ultima mâncare cu mâinile mele. Eu însumi aș jefui oamenii și te-aș hrăni - oamenii m-ar ierta, iar Dumnezeu m-ar ierta; iar eu, împreună cu tâlharii, v-am jefuit. Mami, mami!

La a treia apariție, Kiselnikov îi spune mamei sale despre tot ce s-a întâmplat. Amandoi sunt incantati. În versiunea finală, A.N. Ostrovsky introduce scurte remarci care adaugă dinamism conversației lor și sporesc și mai mult dramatismul situației.

Anna Ustinovna

Nu mormăi, Kirill, nu mormăi!

Kiselnikov

Oh, să mor acum!

Anna Ustinovna

Și copiii, copiii!

Kiselnikov

Da, copii! Ei bine, ceea ce a dispărut a dispărut.

Ultima remarcă mărturisește prudența lui Kiselnikov. El înțelege că lacrimile nu vor ajuta la durere.

În versiunea originală a manuscrisului, A.N. Ostrovsky pune în gura lui Kiselnikov doar următoarele cuvinte:

Kiselnikov

Când să te odihnești! Chestia este de nesuportat. Stai cu mine! nu mă voi plictisi atât de mult; și apoi ceva mai rău dor de inimă este nasol.

Dar din aceste cuvinte nu este clar cum va ieși Kiselnikov din această situație. Prin urmare, atunci când editează textul, A.N. Ostrovsky inserează mai multe fraze noi în declarația citată a lui Kiselnikov și, prin urmare, arată că nu va sta cu mâinile în brațe.

Kiselnikov

Când să te odihnești! Chestia este de nesuportat. Ei bine, mamă, lasă-i să se bucure! Nu se vor îmbogăți cu banii noștri. Mă voi apuca de treabă acum. Voi lucra zi și noapte. Stai cu mine! nu mă voi plictisi atât de mult; și apoi ceva mai rău dor de inimă este nasol.

Pare interesant de urmărit cum s-a dezvoltat viața lui Kiselnikov.

Kiselnikov a studiat la universitate, dar nu a terminat-o. Sper să continui să înveți. O întâlnește pe Glafira, se căsătorește cu ea din dragoste și este sigur că și Glafira îl iubește. Kiselnikov visează la o viață nouă fericită și bogată, deoarece socrul său promite șase mii pentru Glafira.

Cu toate acestea, în viață totul s-a dovedit cu totul diferit. Glafira se transformă într-o soție de negustor scandalos și lacom. Kiselnikov nu numai că nu primește cele șase mii promise, dar își pierde și economiile, date socrului său împotriva unei chitanțe de credit.

Glafira moare. Patru copii bolnavi rămân în brațele lui Kiselnikov. Kiselnikov nu are bani pentru tratament. Toți copiii, cu excepția Lisei, mor. Pe lângă toate, socrul bogat este „declarat în insolvență”. Kiselnikov are ultima speranță că socrul său îi va întoarce măcar o parte din banii săi, dar împrejurările sunt de așa natură încât Kiselnikov însuși, din milă pentru socrul său, îi „dără” acest ultim. bani. Aceasta este poziția disperatului Kiselnikov înainte de a patra apariție.

Evenimentele celei de-a patra apariții prefigurează deznodământul piesei. O persoană necunoscută îl incită pe Kiselnikov să comită un fals de document. Pentru aceasta oferă o sumă mare. Prin natura sa, Kiselnikov este o persoana foarte onesta si nobila. Nu și-a putut permite niciodată să accepte o mită, chiar și atunci când se afla într-o situație critică, deși alții au făcut-o fără o strângere de conștiință. Dar aici vine ultima speranță. Socrul îl „jefuiește”. Nu există bani și nu vor fi, ci în mâinile unei mame și unei fiice în vârstă, care mai trebuie să fie puse pe picioare. În disperare, Kiselnikov comite un fals al documentului. La editarea manuscrisului, dorind să sublinieze inconștiența actului lui Kiselnikov, A.N. Ostrovsky adaugă la versiunea originală următoarele declarații ale eroului său după crima pe care a comis-o în funcție:

Kiselnikov

Dumnezeu! Ce fac! (plânge.)

...........................................................................

Nu mă vei ucide. Familie!

În a cincea apariție, îl vedem pe Kiselnikov grăbindu-se, cu ochii plini de frică. Discursul și acțiunile lui sunt neregulate. Starea lui este apropiată de cea a unui pacient cu febră. Cel mai mult, lui Kiselnikov îi este frică să nu piardă banii pe care tocmai i-a avut.

Kiselnikov

Oh, Doamne! Ei bine, prin crăpături, în spatele tapetului, înfășurați-l în cârpe.

Într-un efort de a sublinia că lui Kiselnikov îi pasă de bani nu pentru el însuși, ci pentru familia sa, atunci când lucrează la acest loc, A.N. Ostrovsky extinde observația de mai sus mai larg.

Kiselnikov

Oh, Doamne! Ei bine, prin crăpături, în spatele tapetului, înfășurați-l în cârpe. Ca să-ți mai rămână niște bani decât trebuie să trăiești cu copii după mine.

La sfârșitul celei de-a patra scene finale a celei de-a treia scene, în timpul montajului, A.N. Ostrovsky adaugă exclamația lui Kiselnikov.

Kiselnikov

Mamă, mă aflu la un par de servitute penală... Mâine, poate

Aceasta este ultima exclamație treaz a lui Kiselnikov.

ScenăIV

În prima apariție a scenei a patra, avem în fața noastră un Borovtsov complet ruinat și un Kiselnikov înnebunit.

Mai trec cinci ani. Viețile actorilor se schimbă, la fel și poziția lor. Acum Kiselnikov și Borovtsov vând împreună lucruri vechi pe piață. Un negustor puternic, socrul lui Kiselnikov, Borovtsov se trezeste in pozitia saracului sau ginere. Asta-i viata.

Anna Ustinovna, care a în vârstă de cinci ani, rămâne aceeași mamă devotată, încercând să-și protejeze iubitul Kirill de orice emoție. Această trăsătură de caracter, la editarea textului, o subliniază A.N.Ostrovsky în noua ediție.

În prima versiune, când Borovtsov îi amintește Annei Ustinovna de viața ei anterioară, citim:

Anna Ustinovna

Oh, taci!

În a doua versiune, după editare, avem:

Anna Ustinovna

Oh, taci! ce esti cu el! Ei bine, trezește-te și amintește-ți...

Anna Ustinovna este în mod constant îngrijorată de Kirill. Ea crede că Kirill se poate trezi.

Când editează versiunea originală a manuscrisului, A.N. Ostrovsky adaugă la discursul lui Borovtsov cuvintele despre „talan-dol.” De ce este asta? El inventează acest proverb pentru ca Kiselnikov să creadă în ceva.

În al doilea fenomen, o întâlnim mai întâi pe fiica cea mare a lui Kiselnikov, Lisa, și ne întâlnim din nou pe Pogulyaev. În prima versiune, A.N. Ostrovsky nu precizează cine a devenit Pogulyaev în ultimii cinci ani. Dar când îi comparăm viața cu viața lui Kiselnikov, devine necesar. În noua ediție, A.N. Ostrovsky introduce următoarea adăugare în dialogul lui Pogulyaev:

Pogulyaev

Acum avocat, mă ocup de gătit.

Acest insert arată că Pogulyaev a obținut o poziție bună în societate și a primit un loc în instanță. Anna Ustinovna îi spune povestea lui Kiselnikov. Este de remarcat faptul că în versiunea originală a poveștii ei a început cu cuvintele:

Anna Ustinovna

Serviciul nu i s-a dat – cumva nu s-a obișnuit; ...

În noua versiune citim:

Anna Ustinovna

Familia, tatăl și rudele l-au ruinat pe Kirill. Serviciul nu i s-a dat – cumva nu s-a obișnuit; ...

În noile cuvinte ale Annei Ustinovna, A.N. Ostrovsky subliniază încă o dată că motivul principal al poziției actuale a lui Kiselnikov nu este în serviciu, ci în mediul său.

Anna Ustinovna îi spune lui Pogulyaev că Kirill a înnebunit. La editare, A.N. Ostrovsky adaugă: „de frică”. Ce este această frică? Aceasta este frica unui om cinstit în fața legii, frica capului familiei pentru fiica și mama sa.

În conversația dintre Lisa și Pogulyaev, A.N. Ostrovsky nu schimbă aproape nimic. Doar în versiunea finală este atinsă tema fericirii. Se pare că Pogulyaev are totul, în afară de fericire.

Pogulyaev este bine din punct de vedere financiar și este fericit să ajute familia prietenului său. În amintirea unei vechi cunoștințe, îi dă Annei Ustinovna o bancnotă. Mama lui Kiselnikov îi este foarte recunoscătoare.

Anna Ustinovna

Vă mulțumim cu umilință că vă amintiți de noi, orfanii. Tu vizitezi.

Pentru a dezvălui psihologia unei persoane sărace, A.N. Ostrovsky face o completare la cuvintele de mai sus ale Annei Ustinovna.

Anna Ustinovna

• Dacă nu ai fericire, atunci ai bani; Înseamnă că încă poți trăi.

Vă mulțumim cu umilință că vă amintiți de noi, orfanii. Tu vizitezi.

Pentru un om sărac, fericirea, uneori, nu este necesară când

Are bani.

La construirea celui de-al patrulea fenomen, A.N. Ostrovsky introduce modificări semantice în aranjarea evenimentelor.

În versiunea originală, al patrulea fenomen a început din momentul în care Kiselnikov a sosit cu o bancnotă de zece ruble, care i-a fost dăruită de un vecin vecin pentru sărăcie. În versiunea modificată, acțiunea începe cu cuvintele incoerente ale lui Kiselnikov, pe care tocmai le auzise de la maestru și îi bântuiau psihicul zguduit.

Kiselnikov

Canisa, canisa...

...................................

O canisa, spune el, o canisa...

Kiselnikov se gândește la cuvintele pe care le-a auzit, va merge din nou la maestru. Lisa înțelege imediat ce este în joc. Ea este în disperare. Lisa poate salva familia dacă merge la întreținerea unui vecin bogat. Ce ar trebui sa faca ea?

La sfârșitul apariției, Lisa rostește cuvinte pline de disperare:

Liza

Cine ma va ajuta! Stau deasupra prăpastiei, nu am de ce să mă țin. Oameni buni!

În procesul de editare a textului, A.N. Ostrovsky face modificări acestei părți a manuscrisului. Varianta schimbată:

Liza

Cine ma va ajuta acum! Stau deasupra prăpastiei, nu am de ce să mă țin. O, salvează-mă, oameni buni! Bunico, vorbește-mi ceva!

În prima versiune, Lisa vorbește despre ajutor în general, iar în versiunea finală, despre ajutor în acest moment. Acest strigăt al unui om care se îneacă: „Salvează-mă!” - punctul culminant al situaţiei actuale. Lisa cere ajutor, dar de la cine? Nici măcar bunica ei nu vorbește cu ea, deoarece îi este frică să-i dea sfaturi proaste și să-și priveze familia de o posibilă mântuire. În versiunea modificată, A.N. Ostrovsky accentuează dramatismul situației actuale.

În a cincea apariție, Pogulyaev reapare. În versiunea originală a manuscrisului, apariția începe cu exclamația Lizei adresată lui Pogulyaev:

Liza

Ajutați-mă!

Acest lucru ar putea fi privit ca un pai neașteptat, de care Lisa se prinde, fiind în disperare. Nu-i păsa cui să ceară ajutor.

La editarea manuscrisului, A.N. Ostrovsky respinge această opțiune. Dintre toți oamenii din jurul Lisei, doar Pogulyaev o poate ajuta. Prin urmare, în noua ediție, el concretizează apelul Lisei.

Liza

O, cât de oportun ești! Trebuie să cer un sfat, nu de la nimeni. Ajutați-mă.

Pogulyaev o cere în căsătorie pe Lisa, iar ea acceptă. El îi raportează lui Kiselnikov. Reacția lui Kiselnikov la acest mesaj suferă o schimbare la editarea manuscrisului.

In prima varianta:

Kiselnikov

mami!

Anna Ustinovna

Adevărat, Kiryusha, adevărat!

Ce înseamnă această exclamație a lui Kiselnikov? Frica, bucurie? Din această exclamație, reacția lui Kiselnikov nu este în întregime clară.

Când lucrează la această scenă, A.N. Ostrovsky simte că este important ca Kiselnikov să-și revină în fire și să-și dea seama, în acel moment, ce fericire a căzut pe fiica lui. Dacă A.N. Ostrovsky ar fi schimbat doar cuvintele lui Kiselnikov, atunci nici asta nu ar fi fost suficient. Prin urmare, în discursul Annei Ustinovna apare o nouă frază, care mărturisește bunul simț al lui Kiselnikov în acest moment crucial.

Kiselnikov

mami! Liza! Se căsătorește? Adevăr?

Anna Ustinovna

Slavă Domnului că m-am trezit! Adevărat, Kiryusha, adevărat!

Răspunsul Annei Ustinovna: „Mulțumesc lui Dumnezeu, m-am trezit!” subliniază dubla bucurie a mamei. În primul rând, Kiryusha și-a venit în fire și poate fi fericit pentru fiica lui, iar în al doilea rând, ea este bucuroasă că Liza se căsătorește cu atât de mult succes.

În a șasea manifestare a dramei, vedem că bunul simț nu îl părăsește pe Kiselnikov până la sfârșitul piesei. Când Pogulyaev îi invită pe toți să se mute cu el, Kiselnikov spune deschis că nu merită, că este un fraudator, iar acum doar socrul său îi poate ține companie.

La editarea celei de-a șasea apariții, dramaturgul face o schimbare în monologul final al lui Kiselnikov, amplificându-l cu o exclamație:

Kiselnikov

Nu, Pogulyaev, ia-le, ia-le; Dumnezeu nu te va părăsi; și conduce-ne, conduce! ...

Kiselnikov se teme că abisul își va suge fiica. Viața lui este deja ruptă, așa că lăsați-o pe Lisa să nu-și repete greșelile.

Când se examinează și se studiază manuscrisul lui A.N. Ostrovsky „Abisul”, este ușor să stabilim două versiuni ale scrisului său: originalul și cel final.

Din punct de vedere al compoziției, piesa este concepută astfel.

Tânărul Kiselnikov îl întâlnește pe vechiul său prieten Pogulyaev. Din povestea lui Kiselnikov aflăm cum a trăit în ultima vreme. Aici aflăm că Kiselnikov se va căsători cu Glafira. Toate aceste evenimente sunt expunerea piesei.

Kiselnikov s-a căsătorit. Viața lui s-a schimbat. A.N. Ostrovsky povestește despre toate nenorocirile care i-au căzut pe cap. Căsătoria lui Kiselnikov este intriga piesei.

A.N. Ostrovsky ne aduce treptat la punctul culminant. În primul rând, Kiselnikov este privat de moștenirea promisă, apoi îi dă socrului său proprii bani. Cel mai înalt punct de apogeu este falsificarea documentului.

Piesa are un deznodământ dramatic - Kiselnikov își pierde mințile.

Pe care fragment din piesa a lucrat cu mai multă atenție A.N. Ostrovsky? Răsfoind din nou manuscrisul, este clar că A.N. Ostrovsky a trebuit să facă schimbări egale în toate părțile piesei. Dacă luăm în considerare că expunerea este cea mai mică ca volum și există un număr mare de corecții și completări la ea, atunci putem spune că A.N. Ostrovsky a lucrat la expunere cu mai multă atenție.

Munca dramaturgului asupra personajelor principale merită atenție. Toate imaginile sunt aproape imediat conturate de autor în versiunea lor finală. A.N. Ostrovsky adaugă fraze și remarci la vorbirea unor personaje, subliniind noi trăsături de caracter. Acest lucru este valabil mai ales pentru imaginile lui Kiselnikov și Glafira. Imaginea lui Pogulyaev rămâne în forma sa originală, iar noile fraze din discursul Annei Ustinovna nu îi afectează în niciun fel imaginea. Ele servesc la dezvăluirea imaginilor și personajelor altor personaje. A.N. Ostrovsky face, de asemenea, modificări în caracterizarea imaginilor lui Borovtsov și Borovtsova.

§ 2. Lucrarea lui A.N.Ostrovsky despre remarci.

Lucrarea lui A.N. Ostrovsky cu privire la observații ar trebui discutată separat. Pentru început, ar trebui să vă referiți la dicționarul explicativ al lui S.I. Ozhegov și să aflați semnificația cuvântului „REMARK”:

În piesele lui A.N. Ostrovsky, și în acest caz în piesa „Abis”, remarcile joacă un rol important. Și aceasta rezultă, în primul rând, din faptul că în procesul de lucru dramaturgul a făcut modificări semnificative nu numai textului principal al operei, ci și remarcilor.

În piesa „Abis” există trei tipuri de replici: replici referitoare la personaje, replici care dezvăluie situația din viața personajelor și replici care dezvăluie personajele prin vorbire și starea emoțională.

Există puține observații referitoare la personajele din manuscris.

În versiunea finală a piesei, A.N. Ostrovsky înlocuiește numele de familie Gulyaev cu Pogulyaev. Ce ar fi putut provoca o asemenea schimbare, este greu de spus. Autorul adaugă la caracterizarea lui Pogulyaev: „absolvent de la curs”.

După editarea listei de personaje, A.N. Ostrovsky elimină numele de fată a lui Borovtsova, în piesă ea apare nu ca Firsova, ci ca Borovtsova.

După ce a făcut modificări în compoziția personajelor din piesă, A.N. Ostrovsky taie totul, aparent în speranța de a reveni la asta din nou. Cu toate acestea, nu există o versiune nouă a caracterelor din manuscris, prin urmare, versiunea originală a fost dată pentru tipărire.

Nu există modificări în remarcile personajelor înainte de scena a doua.

În a treia scenă, Glafira a fost inclusă în versiunea originală a personajelor. Nu există în versiunea finală.

A.N. Ostrovsky a acordat o mare importanță descrierii situației din jurul personajelor de pe scenă. Dramaturgul a acordat multă atenție lucrării la replici de acest tip.

În prima scenă, după descrierea personajelor din versiunea inițială a manuscrisului, citim:

„Grădina plictisitoare”.

Acesta este decorul în care ar trebui să aibă loc prima scenă.

O remarcă atât de scurtă nu-l mulțumește pe dramaturg. În versiunea finală, A.N. Ostrovsky dezvăluie privitorului o panoramă a unei grădini plictisitoare.

"O grădină plictisitoare. O pajiște între copaci; în față este o potecă și o bancă; în adâncuri există o potecă, în spatele cărării sunt copaci și vedere la râul Moscova ..." De ce le dezvăluie autorul cititorilor panorama unei grădini plictisitoare, lângă care locuiau negustorii? Se poate presupune că AN Ostrovsky încearcă să obțină o mai mare figurativitate, el acordă atenție detaliilor: o bancă, poteci, copaci ... Natura lui Zamoskvorechie apare în fața cititorului și privitorului (o abundență de copaci, o vedere asupra Moscovei). Râu). Aceste descrieri sunt date de autor și pentru o mai mare fiabilitate a acțiunii.

În a doua scenă a piesei, nu există indicații de scenă în versiunea originală. La prelucrarea și editarea manuscrisului, în text apare o remarcă:

— O cameră mică în apartamentul lui Kiselnikov.

Această remarcă alarmează cititorul și privitorul. La urma urmei, Kiselnikov spera să se îmbogățească, iar atmosfera celei de-a doua scene sugerează altceva. Această remarcă introduce foarte clar și sincer conținutul acțiunii de desfășurare.

În a treia scenă, în versiunea originală, a existat o scurtă remarcă:

"Camera saraca"

Dar ce înseamnă A.N. Ostrovsky printr-o astfel de definiție?

În noua ediție, după modificările și completările făcute, A.N.Ostrovsky dezvăluie conceptul de „sărac”. Dramaturgul oferă acestei definiții o interpretare concretă și unidirecțională:

„O cameră săracă; o masă pictată și mai multe scaune; pe masă este o lumânare de seu și o grămadă de hârtii...”

Această precizare arată că protagonistul piesei, Kiselnikov, este deja în pragul sărăciei. Din nou, A.N. Ostrovsky acordă atenție detaliilor și nu privește imaginea în ansamblu. Lumânarea de pe masă este tocmai „unsuroasă”, ceea ce determină cititorul să empatizeze cu eroul, dezordinea este subliniată: „un morman de hârtii” pe masă.

Cazurile discutate mai sus arată că remarcile de aranjare a scenei ajută la dezvăluirea conținutului și la crearea unei anumite dispoziții.

În sfârșit, al treilea tip de remarci: remarci emoționale și remarci care indică cui se adresează în mod specific personajul.

Așa, de exemplu, într-un dialog cu Glafira (scena II, prima apariție), Kiselnikov, incapabil să suporte insulte, își astupă urechile. În versiunea originală, după editare, A.N.Ostrovsky înzestrează comportamentul pasiv al lui Kiselnikov cu un răspuns venit din adâncul sufletului său și extinde remarca cu cuvântul „TIPAT”.

În a cincea apariție a celei de-a doua scene, când Kiselnikov, aflat în dificultate, îi spune lui Pogulyaev un vis cu consolare și speranța de a se îmbogăți, A.N. Ostrovsky adaugă:

„prin lacrimi”

Aceste lacrimi dezvăluie starea de spirit a lui Kiselnikov, disperarea lui. Dramaturgul educă cititorul și privitorul pe exemplul eroului său, învață empatia.

În scena în care Kiselnikov primește mită pentru falsificarea unui document, după spusele lui Kiselnikov:

"Doamne! Ce fac!".

A.N. Ostrovsky adaugă remarca „(plângând)”.

Pe baza celor de mai sus, putem concluziona că toate noile remarci introduse de autor la editarea primei versiuni a manuscrisului poartă o mare încărcătură psihologică și emoțională în piesă și ajută cititorul, publicul și actorii să înțeleagă mai bine personajele. , uită-te în sufletul lor și trezește simpatie pentru personajul principal. .

Concluzie.

În piesa „Abisul” A.N. Ostrovsky dezvăluie cititorului și privitorului viața unei familii de negustori. Îndepărtând luciul extern obișnuit, autorul arată că în spatele atractivității exterioare a familiilor bogate în viața lor se află grosolănia, umilința și înșelăciunea.

A.N. Ostrovsky a afirmat principiul descrierii veridice a realității.

În piesa „Abisul”, el desenează imaginea unui reprezentant tipic al clasei comerciale rusești - Borovtsov. Povestea vieții lui Borovtsov este povestea vieții unui negustor lacom și zgârcit, care a început cu bogății exorbitante și s-a terminat în sărăcie.

În piesă, A.N. Ostrovsky pune o mare întrebare socială, problema vieții în clasa comercianților. A.N. Ostrovsky a reușit să dezvăluie profund și să deseneze în linii mari imagini ale vieții comercianților numai datorită cunoștințelor personale și a observațiilor despre viața acestei societăți.

Imaginea clasei de negustori a rămas o temă primordială în opera sa. Cu toate acestea, AN Ostrovsky nu s-a limitat la asta și a pictat viața birocrației („Poporul nostru - ne vom așeza”, „Săraca mireasă”, „Abis”), nobilimea („Nu sta în sania ta”) și burghezie. („Nu trăi așa cum îți place”).

După cum a remarcat pe bună dreptate A.I. Revyakin: „Versatilitatea intereselor tematice, dezvoltarea celor mai importante probleme de actualitate ale epocii sale au făcut din A.N. Ostrovsky un scriitor național de mare importanță socială”.

Dintre oficialii mărunți, A.N. Ostrovsky a evidențiat întotdeauna muncitorii cinstiți care erau îndoiți de suprasolicitare. Dramaturgul ia tratat cu profundă simpatie.

Experimentând lipsuri materiale extreme, simțindu-și lipsa de drepturi, acești eroi-lucrători au încercat în cuvânt și faptă să aducă în viață bunătatea și adevărul. Ne împărtășind intenția lui Kiselnikov de a trăi din zestrea Glafirei și din dobânda capitalului, studentul din piesa „Abis” declară cu încredere: „Dar, în opinia mea, nu există nimic mai bun decât să trăiești din propria muncă”. (sc.1, yavl.3).

În „Abyss” A.N. Ostrovsky aduce în mod deliberat în prim plan o personalitate neremarcabilă. Principalele trăsături negative ale protagonistului, autorul face pasivitatea și incapacitatea de a lupta cu mediul, cu morala acestuia.

Potrivit Borovtsovilor și altora ca ei, principalele deficiențe ale lui Kiselnikov sunt onestitatea și sărăcia.

Opera lui A.N.Ostrovsky este în consonanță cu opera lui F.M. Dostoievski, în relevarea problemei căutării morale a individului. Eroii lui Dostoievski Svidrigailov și Stavrogin lâncezesc în golul existenței și, în cele din urmă, ajung să se sinucidă. Căutarea îi conduce la problema „abisului” moral interior. În „Zile grele” unul dintre eroii lui A.N. Ostrovsky remarcă: „Într-un cuvânt, trăiesc în abis” și la întrebarea: „unde este abisul acesta?” - răspunde: „Peste tot: trebuie doar să cobori. Se învecinează cu oceanul de nord la nord, cu oceanul de est la est și așa mai departe.”

Dramaturgul a dezvăluit profunzimea acestor cuvinte în piesa „Abis”. Și cu atâta forță artistică a dezvăluit că reținutul Anton Pavlovici Cehov a scris cu un entuziasm neobișnuit pentru el: „Piesa este uimitoare. Ultimul act este ceva ce nu aș scrie pentru un milion. Acest act este o piesă întreagă, iar când voi avea propriul meu teatru, voi pune în scenă doar acest act.

La fel ca Zhadov din „Locul profitabil” și alți oameni care au ieșit din „viața universitară” cu „conceptele”, „convingerile avansate”, Kiselnikov începe să își dea seama că nu este „nimic mai bun decât alții” odată ce acceptă să falsifice un document. Începând cu acuzația mituitorilor, Kiselnikov se termină cu un declin moral, așa cum spune despre el însuși: „Am vândut totul: noi înșine, conștiința...” și motivul se vede în idealul la care au aspirat oameni ca Kiselnikov. în tinereţea lor.

Idealul erau doar declarații zgomotoase, dar nu și acțiuni. La primul test al vieții, Kiselnikov-ii sunt gata să servească orice idee, atâta timp cât este profitabilă.

„... dramaturgul nu arde de ură”, notează AI Revyakin, „dar simpatizează, regretă, deplânge blând, văzând viața umană ruinată, pentru că „puterea harului” vede mai departe și ea iartă mai mult, pentru că iubește. Mai adânc."

Kiselnikov piere în abisul vieții de negustor. Pentru o personalitate slabă, un astfel de sfârșit este inevitabil.

Rezumând munca de analiză a manuscrisului dramei „Abisul” a lui A.N. Ostrovsky, trebuie remarcat faptul că materialul conținut în proiectul manuscrisului a făcut posibilă urmărirea cuprinzătoare a nașterii piesei și a finisării imaginilor sale.

Toate modificările și completările notate au fost făcute de A.N. Ostrovsky pentru a spori impactul emoțional al piesei, dorința de a trezi compasiune în cititor și privitor pentru personajul principal - Kiselnikov.

Faptul că în procesul de creație AN Ostrovsky nu a trebuit să rescrie de două ori sau de mai multe ori proiectul manuscrisului, iar toate modificările, inserările și completările au fost făcute de el în prima versiune a manuscrisului, indică faptul că autorul cunoștea materialul bine prezentat, imaginile au considerat că trebuie doar proiectate artistic și transmise cititorului și privitorului. Clasicii nu se opune modernității, ci ne oferă posibilitatea de a ne vedea într-o perspectivă istorică. După cum a remarcat E. Kholodov: „Fără un simț al trecutului, nu există un simț al prezentului - cel care este indiferent față de trecut este indiferent față de viitor, indiferent cât de mult ar jura în cuvinte că este credincios idealurilor lui. acest viitor foarte luminos - luminos. Clasicii doar cultivă în noi un sentiment de implicare personală în mișcarea istorică a omenirii din trecut spre viitor.

Piesele capătă un sunet modern, în funcție de cât de mult a reușit teatrul să transmită publicului ceea ce poate entuziasma pe toată lumea astăzi. De remarcat că într-o epocă interesul teatrelor și spectatorilor este atras de unele piese clasice, iar în alte epoci de alte piese clasice. Acest lucru se datorează faptului că clasicul intră în relații reciproce complexe ideologice și estetice cu modernitatea. În studiile noastre de teatru, există următoarea periodizare a repertoriului lui A.N. Ostrovsky:

1 perioada ani de război civil. Ostrovsky este pus în scenă și jucat în mod de modă veche.

2 perioada- 20 de ani. Experiment formalist asupra dramaturgiei lui Ostrovsky.

3 perioada- sfârşitul anilor 20 şi 1 jumătate a anilor 30. Influența sociologiei. În opera lui Ostrovsky, sunt subliniate doar culorile satirice.

4 perioada- anii celui de-al Doilea Război Mondial și primii ani postbelici. În dramaturgia lui Ostrovsky, au fost căutate atât laturile întunecate, cât și cele luminoase ale imaginii vieții.

În 1923, țara a sărbătorit pe scară largă 100 de ani de la nașterea marelui dramaturg rus. În acel an, în fața fațadei Teatrului Maly a fost așezat un monument al marelui dramaturg rus. Tot în acest an, au fost publicate 10 volume din primele lucrări colectate sovietice ale lui A.N. Ostrovsky, finalizate în 1923. În anul jubiliar la Moscova, Petrograd, Ivanovo-Voznesensk, Vladikavkaz au fost publicate peste o duzină de cărți dedicate vieții și operei dramaturgului. Și, desigur, au fost puse în scenă spectacole ale marelui dramaturg.

În anii 60, Ostrovsky a început din nou să atragă atenția teatrelor și a criticilor. Spectacolele au fost organizate în acești ani nu numai la Moscova și Leningrad, ci și în multe alte orașe: la Kiev, Gorki și Pskov - „Pentru fiecare om înțelept...”, la Novosibirsk și Sverdlovsk - „Furtuna”, la Minsk și Kaluga - „Ultimul sacrificiu”, în Kaunas - „Loc profitabil”, în Vilnius - „Căsătoria lui Balzaminov”, în Novgorod - „Abis”, în Tambov - „Vinovat fără vinovăție”. Trebuie remarcat faptul că fiecare epocă a adus propria sa viziune nouă asupra dramaturgiei lui Ostrovsky, prin urmare, tocmai acele întrebări care au interesat privitorul modern au fost aduse în prim-plan.

A.N. Ostrovsky are mai multe piese în centrul cărora se află imaginea unui tânăr care își alege propriul drum în viață. Cele mai populare piese sunt Profitable Place, Enough Simplicity for Every Wise Man și Abyss. În aceste piese pot fi urmărite trei drumuri ale unui tânăr intelectual în realitatea contemporană a lui A.N.Ostrovsky. Ceea ce unește personajele principale (Zhadov, Glumov și Kiselnikov) este că sunt tineri, adică oameni care își încep viața, alegând căi de viață.

„Idealurile lui Zhadov din Profitable Place nu sunt zdrobite de un fel de „dramă îngrozitoare, zdrobitoare de suflet” - sunt subminate zi de zi, zi de zi de proza ​​ticăloasă a vieții, repetând neobosit argumentele irezistibil de vulgare ale bunului simț - azi, ca ieri și mâine ca azi.”

Piesa „Abisul” amintește spectatorului modern de vechiul teatru, nici măcar din vremea lui Ostrovsky, ci dintr-o epocă și mai îndepărtată. Amintiți-vă că primele scene au loc, conform remarcii autoarei, „în urmă cu aproximativ 30 de ani”, iar piesa în sine a fost scrisă în 1865. Piesa începe cu publicul vorbind despre melodrama lui Ducange „Thirty Years Later, or the Life of a Player”, cu participarea lui Mochalov însuși.

Kholodov notează că „execuția melodramei Treizeci de ani mai târziu sau viața unui jucător” este, așa cum spunea, opusă prezentării dramei vieții lui Kiselnikov, care ar putea fi intitulată „Șaptesprezece ani sau viața unui jucător”. Pierzător." Esența The Deep este că, luând ca bază schema intriga tipică melodramei, dramaturgul respinge conceptul melodramatic de personalitate și societate cu întreaga logică a piesei sale. A.N. Ostrovsky pune în contrast viața cu teatrul.

„Abisul” - singura dintre piesele lui A.N. Ostrovsky, care se bazează pe un principiu biografic, „hagiografic” - îl facem cunoștință cu Kirill Filippych Kiselnikov când are 22 de ani, apoi

îl întâlnim la 29, la 34 și în sfârșit la 39. În ceea ce privește Zhadov și Glumov, spectatorul poate doar ghici cum le vor deveni viața, în timp ce viața lui Kiselnikov se desfășoară în fața privitorului timp de 17 ani. Kiselnikov îmbătrânește în fața ochilor noștri - la 39 de ani este deja un bătrân.

În piesele „Abis” și „Loc profitabil” apare aceeași metaforă - imaginea unui cal condus. Zhadov: " Nevoia, circumstanțele, lipsa de educație a rudelor mele, depravarea care mă înconjoară mă pot conduce ca un cal de poștă...» Kiselnikov: « Știi, mamă, ei conduc calul de poștă, umboară picior cu picior, atârnând capul, nu se uită la nimic, de-ar putea cumva să se târască până la gară; asa am devenit". Circumstanțele îl pot „condui pe Zhadov”, dar l-au condus deja pe Kiselnikov („aici am devenit așa”). Kiselnikov, după cum notează Holodov, este Zhadov, condus de viață.

Rolul lui Kiselnikov este de obicei încredințat actorilor cu experiență, care sunt mai aproape ca vârstă de Kiselnikov în ultimele scene, prin urmare, în interpretarea primei scene de către astfel de actori, atunci când eroul are doar 22 de ani, există întotdeauna un anumit întinde.

„Necazul lui Kiselnikov este în kiselnikovism”, notează Kholodov, „în inerția mentală, sufletul frumos inactiv, în lipsa spinării, în lipsa de voință. Necaz sau vinovăție? Această întrebare este pusă la începutul piesei de însuși dramaturgul. După prezentarea melodramei lui Ducange „Treizeci de ani, sau viața unui jucător de noroc”, publicul face schimb de păreri despre soarta tragică a eroului. Privitorului i se prezintă mai multe puncte de vedere:

« Cu cine te comporți, vei fi tu însuți»

« Fiecare este de vină pentru el însuși... Rămâneți ferm, pentru că singur veți răspunde».

O singură poziție: Da, e păcat". O alta pozitie: Nimic de regretat. Cunoaște marginea, nu cazi! De aceea rațiunea este dată omului».

Abisul este o piesă uimitoare, pentru că dramaturgul nu dă un răspuns exact: este sau nu protagonistul vinovat. Teatrul, în urma lui A.N. Ostrovsky, răspunde că aceasta este ghinionul eroului, dar și vinovăția.

Spre deosebire de Zhadov, Kiselnikov comite o crimă și asistăm la căderea finală a eroului.

De menționat că drama „Abyss” atrage în prezent mai mulți spectatori decât cititori și cercetători. Îndrăznesc să sugerez că cercetătorii nu sunt foarte interesați să studieze singura versiune a manuscrisului cu toate corecțiile și completările aduse acestuia. În termeni artistici, „Abyss” este mai slab decât drama „Thunderstorm”, de exemplu.

Ei bine, cititorul nu este interesat de această dramă, după părerea mea, pentru că nu poate găsi o relație de dragoste, iar tema „omulețului” nu mai este interesantă, deoarece a fost dezvăluită în mod cuprinzător în lucrările NV Gogol, FM. Dostoievski, A.P. Cehov.

Piesa „Abisul” este însă mereu prezentă în repertoriul Teatrului Maly, care poartă numele marelui dramaturg.

Până în 2002, piesa a fost regizată de Yuri Solomin, iar acum este pusă în scenă într-o nouă producție a lui Korshunov.

Piesa este relevantă în timpul nostru, deoarece ridică o întrebare psihologică acută - cum să supraviețuiești în această lume dacă ești o persoană cinstită? În opinia mea, fiecare dintre cititori ar trebui să găsească singur răspunsul la întrebarea pusă de A.N. Ostrovsky.

Extrase din „Memoriile artistului N.S. Vasilkvoy”. „Anuarul teatrelor imperiale”, 1909, nr.1, p.4.

Revyakin A.I. „Dramaturgia lui A.N. Ostrovsky” (La 150 de ani de la nașterea sa), M .: Knowledge, 1973, p.36

Lakshin V.Ya. „Alexander Nikolaevich Ostrovsky” - ed. a 2-a, Rev. și suplimentare - M .: Art, 1982, p. 63.

Kholodov E.G. „Un dramaturg pentru toate timpurile”; Societatea de Teatru All-Rusian, M., 1975, p. 260-261.

3 ibid. 321

Acolo cu. 321Caracteristicile generale ale A.N. Ostrovsky. Caracteristicile generale ale A.N. Ostrovsky.

Trimiteți-vă munca bună în baza de cunoștințe este simplu. Foloseste formularul de mai jos

Studenții, studenții absolvenți, tinerii oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

Găzduit la http://www.allbest.ru/

Departamentul de Educație și Știință al Regiunii Lipetsk

GOB POU „Colegiul de Economie Municipală și Tehnologii Industriale din Lipetsk”

Referat

Viața și originalitatea artistică a pieselorUN.Ostrovsky

Executat de D.R. Nikitin

„Ai adus literaturii în dar o întreagă bibliotecă de opere de artă, ai creat propria ta lume specială pentru scenă... Te salut ca pe creatorul nemuritor al unui șir nesfârșit de creații poetice, din „Ciaia zăpezii”, „The Visul lui Voievoda” la „Talente și admiratori” inclusiv, unde vedem cu ochii noștri și auzim viața primordială, adevărată rusească în nenumărate imagini arzătoare, cu adevărata ei înfățișare, depozit și dialect”

Cu aceste cuvinte, I.A. Goncharov s-a adresat lui Alexandru Nikolaevici Ostrovsky în 1882 - în ziua celei de-a 35-a aniversări a activității literare a marelui dramaturg rus.

Dramaturgia rusă și teatrul rusesc au cunoscut o criză acută din anii 30-40 ai secolului al XIX-lea. În ciuda faptului că multe lucrări dramatice au fost create în prima jumătate a secolului al XIX-lea (piese de A.S. Griboedov, A.S. Pușkin, M.Yu. Lermontov, N.V. Gogol), starea de fapt pe scena dramatică rusă a continuat să rămână deplorabilă. Multe lucrări ale dramaturgilor numiți au fost supuse persecuției prin cenzură și au apărut pe scenă la mulți ani de la crearea lor.

Situația nu a fost salvată de apelul personalităților teatrale ruse la dramaturgia vest-europeană. Lucrările clasicilor dramaturgiei mondiale nu erau încă suficient de cunoscute publicului rus și adesea nu existau traduceri satisfăcătoare ale operelor lor. De aceea, poziția teatrului rusesc a provocat anxietate în rândul scriitorilor.

Ostrovsky a remarcat: "Poezia dramatică este mai aproape de oameni decât toate celelalte ramuri ale literaturii. Toate celelalte lucrări sunt scrise pentru oameni educați, iar dramele și comediile sunt pentru întregul popor... Această apropiere de oameni nu umilește câtuși de puțin. dramaturgia, ci, dimpotriva, isi inmulteste puterea si nu o lasa sa vulgarizeze si sa macine”.

A început să scrie piese de teatru, cunoscând perfect teatrul capitalei: repertoriul acestuia, componența trupei, abilitățile actoricești. Era vremea puterii aproape neîmpărțite a melodramelor și a vodevilului. Despre proprietățile acelei melodrame, Gogol a spus pe bună dreptate că „se află în cel mai nerușinat mod”. Esența vodevilului fără suflet, plat și vulgar este dezvăluită în mod clar de titlul primului dintre ele, care a fost prezentat la Teatrul Maly în 1855: „S-au adunat, s-au amestecat și s-au despărțit”.

Ostrovsky și-a creat piesele într-o confruntare conștientă cu lumea inventată a melodramei protector-romantice și mârâitul plat al vodevilului naturalist pseudo-realist. Piesele sale au actualizat radical repertoriul teatral, au introdus în el un element democratic și i-au îndreptat brusc pe artiști spre dilemele arzătoare ale realității, spre realism.

Lumea poetică a lui Ostrovsky este doar diversă. Cercetătorii au reușit să calculeze și să identifice că în 47 de piese - 728 (fără a lua în considerare secundare și episodice) roluri bune pentru actori de diverse talente; că toate piesele sale sunt o vastă pânză a vieții rusești în 180 de acte, locul de acțiune în care se află Rusia - în principalele ei puncte de cotitură în două secole și jumătate; că în lucrările lui Ostrovsky sunt reprezentați oameni de „alt rang” și obiceiuri – și în cele mai diverse manifestări actuale. A creat cronici dramatice, scene de familie, dezastre, imagini ale vieții metropolitane și schițe dramatice. Talentul său este multidimensional - este un romantic, un gospodar, un tragedian și un comedian...

Ostrovsky nu rezistă unei abordări unidimensionale, unidimensionale, prin urmare, în spatele manifestării satirice strălucite a talentului, vedem profunzimea analizei mentale, în spatele vieții cotidiene-vâscoase reproduse cu exactitate, vedem lirism îngust și romantism.

Ostrovsky era cel mai nerăbdător să se asigure că toate fețele sunt reale și de încredere din punct de vedere psihologic. Fără aceasta, ei și-ar putea pierde credibilitatea artistică. El a menționat: „Încercăm acum să ne descriem standardele și tipurile, preluate din viață, cât mai realist și veridic posibil până la cele mai mici detalii cotidiene și, cel mai important, considerăm că prima condiție pentru arta în imaginea de acest tip este transmiterea corectă a tipului său de expresie, adică limbajul și chiar tonul vorbirii, care determină însuși tonul rolului. Acum, producția de scenă (decor, costume, machiaj) din piesele de zi cu zi a făcut pași mari și a mers. departe în apropierea sa treptată de adevăr.

Dramaturgul a repetat neobosit că viața este mai bogată decât toate fanteziile unui artist, că un pictor adevărat nu compune nimic, ci se străduiește să înțeleagă complexitățile complexe ale realității. "Dramaturgul nu compune intrigi", a spus Ostrovsky, "toate intrigile noastre sunt luate. Sunt date de viață, istorie, povestea unui prieten, uneori un articol de ziar. Ce sa întâmplat, dramaturgul nu ar trebui să inventeze; treaba lui este să scrie cum s-a întâmplat sau s-ar putea întâmpla.Iată toată lucrarea lui Când atenția este atrasă de această parte, oamenii vor apărea vii și ei înșiși vor vorbi.

Dar reprezentarea vieții, bazată pe o reproducere clară a realului, nu ar trebui să se limiteze doar la reproducerea mecanică. "Naturalitatea nu este calitatea principală; principalul avantaj este expresivitatea, expresia." Prin urmare, putem vorbi cu siguranță despre un sistem integral de autenticitate reală, mentală și senzuală în piesele maiestuosului dramaturg. Ostrovsky dramaturg

Istoria a lăsat interpretări scenice ale pieselor lui Ostrovsky, diferite la nivelul lor. Au existat averi creative incontestabile și au fost necazuri absolute cauzate de asta. Că regizorii au uitat de principalul lucru - despre autenticitatea reală (și, așa cum ar trebui să fie, senzuală). Și acest lucru principal a fost uneori dezvăluit într-un detaliu obișnuit și nesemnificativ, la prima vedere. Un exemplu relevant este vârsta lui Katherine. Și, de fapt, contează câți ani are personajul principal? Una dintre cele mai mari figuri ale teatrului rus, Babochkin, a scris în acest sens: „Dacă Katerina are chiar 30 de ani de la scenă, atunci piesa va căpăta un sens nou și inutil pentru noi. Este necesar să-i găsim corect vârsta. la 17-18 ani. Potrivit lui Dobrolyubov, piesa o prinde pe Katerina în momentul tranziției de la tinerețe la maturitate. Acest lucru este absolut adevărat și necesar. "

Opera lui Ostrovsky este strâns legată de principiile „școlii naturale”, care afirmă „natura” ca punct de plecare în creativitatea artistică. Nu este întâmplător faptul că Dobrolyubov a numit piesele lui Ostrovsky „piesele vieții”. Aceștia au apărut criticilor ca un cuvânt nou în dramaturgie, el a scris că piesele lui Ostrovsky „nu sunt comedii de intriga și nu comedii de maniere de fapt, ci ceva nou, căruia i se poate denumi „piesele vieții”, dacă nu ar fi. foarte larg și, prin urmare, nu complet exact.”. Vorbind despre originalitatea acțiunii dramatice a lui Ostrovsky, Dobrolyubov a remarcat: „Vrem să spunem că în prim-planul său există întotdeauna un mediu general de viață care nu depinde de niciunul dintre personaje”.

Acest „mediu general al vieții” se regăsește în piesele lui Ostrovsky în cele mai cotidiene, cotidiene fapte ale vieții, în configurațiile meschine ale sufletului uman. Vorbind despre „viața acestui regat întunecat”, care a devenit principalul obiect de reprezentare în piesele dramaturgului, Dobrolyubov a remarcat că „între locuitorii săi domnește dușmănia nesfârșită. Totul este în război aici”.

Pentru a defini și a reproduce artistic acest război neîncetat, au fost necesare metode cu totul noi de a-l studia, a fost necesar, să folosim cuvintele lui Herzen, să introducem folosirea microscopului în lumea morală. În „Notele unui locuitor din afara Moscovei” și în „Imagini ale fericirii domestice” Ostrovsky a oferit pentru prima dată o imagine adevărată a „regatului întunecat”.

Dar adevărata reproducere a vieții și a personajelor lui Zamoskvorechye a depășit limitele doar unei descrieri „fiziologice”, scriitorul nu s-a limitat doar la o imagine exterioară adevărată a vieții. El caută să găsească începuturi pozitive în realitatea rusă, care a afectat mai întâi portretizarea simpatică a unei persoane „mice”. Așadar, în Notele unui locuitor din Zamoskvoretsky, un om oprit, funcționarul Ivan Erofeevici, a căutat: „Arătați-mi. Cât de amar sunt, ce nefericit sunt! Inimă bună, suflet cald.

Ostrovsky a acționat ca un succesor al tradiției umaniste a literaturii ruse. Chiar în spatele lui Belinsky, cel mai înalt aspect artistic al artei, Ostrovsky considera realismul și folk. Care sunt de neimaginat atât fără o abordare sobră, critică a realității, cât și fără afirmarea unui principiu popular pozitiv. „Cu cât opera este mai elegantă”, a scris dramaturgul, „cu atât este mai populară, cu atât este mai mult acest element acuzator în ea”.

Ostrovsky credea că scriitorul nu trebuie doar să devină înrudit cu oamenii, studiindu-le limba, modul de viață și caracterele, ci ar trebui să intre în posesia noilor teorii ale artei. Toate acestea au afectat punctele de vedere ale lui Ostrovsky asupra dramei, care dintre toate tipurile de literatură este cel mai apropiată de largile secțiuni democratice ale populației. Ostrovsky a considerat comedia o formă mai eficientă și a recunoscut în sine capacitatea de a reproduce viața într-o mai mare măsură în această formă. Astfel, Ostrovsky, comediantul, a continuat linia satirică a dramei rusești, începând cu comediile secolului al XVIII-lea și terminând cu comediile lui Griboedov și Gogol.

Din cauza apropierii lui de oameni, mulți contemporani l-au atribuit pe Ostrovsky lagărului slavofililor. Dar Ostrovsky a împărtășit doar pentru o scurtă perioadă de timp opinii comune slavofile, exprimate în idealizarea formelor patriarhale de viață rusă. Ulterior, Ostrovsky și-a dezvăluit atitudinea față de slavofilism ca un anumit fenomen public, într-o scrisoare către Nekrasov: „Tu și cu mine suntem doar doi poeți populari adevărați, doar doi dintre noi îl cunoaștem, știm să-l adorăm și să-i simțim nevoile cu inimile noastre fără occidentalism fotoliu și slavofilism copilăresc.ei înșiși țărani copac, ei bine, se consolează cu ei. Puteți face tot felul de experimente cu pupe, nu au nevoie de hrană.

Cu toate acestea, elementele esteticii slavofile au avut un anumit impact pozitiv asupra operei lui Ostrovsky. Dramaturgul a trezit un entuziasm invariabil pentru viața populară, pentru creativitatea poetică orală, pentru vorbirea populară. A încercat să găsească începuturi pozitive în viața rusă, a căutat să aducă în prim plan binele din caracterul unei persoane ruse. El a scris că „pentru dreptul de a corecta oamenii, trebuie să i se arate că știi bine în spatele lui”.

El a găsit, de asemenea, reflectări ale caracterului statului rus în trecut - la momente de cotitură din istoria Federației Ruse. Primele planuri pe o temă istorică datează de la sfârșitul anilor '40. A fost comedia „Lisa Patrikeevna”, care s-a bazat pe acțiuni din epoca lui Boris Godunov. Piesa a rămas neterminată, dar însuși faptul că tânărul Ostrovsky a apelat la istorie a mărturisit că dramaturgul a încercat să găsească în istorie cheia necazurilor moderne.

Piesa istorică, după Ostrovsky, are un avantaj incontestabil față de cele mai oneste scrieri istorice. Dacă sarcina istoricului este să transmită „ce s-a întâmplat”, atunci „poetul dramatic indică cum a fost, transferând privitorul în chiar locul actului și făcându-l un participant la acțiune”, a notat dramaturgul în „Notă despre poziţia artei dramatice în RF la momentul actual” (1881).

Această expresie exprimă însăși esența gândirii istorice și artistice a dramaturgului. Cu mai multă claritate, această poziție a fost deja reflectată în cronica dramatică „Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk”, construită pe un studiu minuțios al monumentelor istorice, analelor, legendelor și tradițiilor populare. Într-o imagine poetică adevărată a trecutului îndepărtat, Ostrovsky a reușit să găsească eroi autentici care au fost ignorați de știința istorică oficială și au fost considerați doar „material al trecutului”.

Ostrovsky înfățișează poporul ca principala forță motrice a istoriei, ca principala forță pentru eliberarea patriei mame. Unul dintre reprezentanții poporului este liderul zemstvo al Nizhny Posad Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk, care a acționat ca organizator al miliției populare. Ostrovsky vede semnificația maiestuoasă a erei tulburărilor în faptul că „oamenii s-au trezit... zorii eliberării aici, la Nijni Novgorod, au pus stăpânire pe toată Rusia”. Sublinierea rolului decisiv al poporului în evenimentele istorice și portretizarea lui Minin ca pe un adevărat erou al omului de stat a provocat respingerea cronicii dramatice a lui Ostrovsky de către cercurile și criticile oficiale. Ideile patriotice ale cronicii dramatice suna foarte modern. Criticul Șcerbin a scris, de exemplu, că cronica dramatică a lui Ostrovsky practic nu reflectă spiritul vremii, că practic nu există moravuri în ea, că personajul principal pare a fi un om care l-a citit pe poetul contemporan Nekrasov. Alți critici, dimpotrivă, au vrut să construiască în Minin predecesorul Zemstvos-ului. „... Acum toată lumea a fost învinsă de furia veche”, a scris Ostrovsky, „și în Minin vor să creeze un demagog. Nu a fost nimic de genul acesta și nu sunt de acord să mint”.

Respingând nenumărate critici conform cărora Ostrovski ar fi un copist obișnuit al vieții, un „poet fără etalon” foarte imparțial (cum spunea Dostoievski), Holodov scrie că „dramaturgul avea, evident, propriul punct de vedere. Dar aceasta era poziția dramaturgului, cu alte cuvinte un artist care, prin însăși natura formei de artă pe care a ales-o, își dezvăluie atitudinea față de viață nu în mod concret, ci mediocru, în cea mai imparțială formă. Cercetătorii au arătat forme impresionante de exprimare a „vocii” autorului, conștiința autorului în piesele lui Ostrovsky. Se găsește în cele mai multe cazuri nu în mod deschis, ci chiar în principiile organizării materialului în piese de teatru.

Particularitatea actului dramatic din piesele lui Ostrovsky a determinat interacțiunea diferitelor părți în structura întregului, și anume, funcția extraordinară a finalului, care este întotdeauna semnificativă din punct de vedere structural: nu completează atât de mult dezvoltarea unei coliziuni dramatice reale. , dar dezvăluie conștientizarea vieții a autorului. Disputele despre Ostrovsky, despre legătura dintre începuturile epice și dramatice din operele sale, într-un fel sau altul, afectează și dilema sfârșitului, ale cărei funcții în piesele lui Ostrovsky au fost interpretate diferit de critici. Unii au luat în considerare. Că sfârșitul lui Ostrovsky traduce de obicei acțiunea în mișcare lentă. Astfel, criticul „Notelor ruse” a scris că în „Săraca soție” sfârșitul este actul al 4-lea, și nu al 5-lea, care este necesar „pentru a determina moravurile care nu au fost determinate în primele 4 acte”, și se dovedește că să fie inutilă pentru desfășurarea actului, pentru că „acțiunea sa încheiat deja”. Și în această discrepanță, discrepanța dintre „volumul actului” și definiția moravurilor, criticul a văzut o încălcare a legilor simple ale artei dramatice.

Alți critici au considerat că finalul pieselor lui Ostrovsky coincide în cele mai multe cazuri cu deznodământul și nu încetinește câtuși de puțin ritmul actului. Pentru a demonstra această teză, ei s-au referit de obicei la Dobrolyubov, care a remarcat „nevoia decisivă pentru acel final fatal pe care îl are Katerina în Furtuna.” Dar „sfârșitul fatal” al eroinei și finalul lucrării sunt departe de aceleași concepte. Celebra expresie a lui Pisemsky despre ultimul act din „Săraca soție” („Ultimul act a fost scris de pensula lui Shakespeare”) nu poate servi nici ca bază pentru identificarea finalului și a deznodământului, deoarece Pisemsky nu vorbește despre arhitectură, ci despre imagini ale vieții, reproduse colorat de artist și ulterior în piesele sale „una după alta, ca niște tablouri în panoramă.

Acțiunea într-o operă dramatică, care are limite temporale și spațiale, este legată în mod specific de interacțiunea situațiilor conflictuale inițiale și finale; se mișcă în aceste limite, dar nu este limitat de ele. Spre deosebire de operele epice, trecutul și viitorul în dramă devin într-o formă aparte: preistoria personajelor în propria lor formă concretă nu poate fi introdusă în structura dramei (poate fi dată exclusiv în poveștile personajelor). ei înșiși), iar următoarea lor soartă este doar în forma cea mai generală.se răzbește în scenele de finisare și picturi.

În operele dramatice ale lui Ostrovsky, se poate observa cum succesiunea temporală și concentrarea actului sunt rupte: creatorul indică în mod direct perioade semnificative de timp care separă un act de altul. Dar astfel de pauze temporare se găsesc în cele mai multe cazuri în cronicile lui Ostrovsky, urmărind scopul reluării vieții epice și nu dramatice. În drame și comedii, intervalele de timp dintre acte ajută la dezvăluirea acelor fațete ale moravurilor personajelor care se regăsesc doar în situații noi, schimbate. Rupte de un interval de timp semnificativ, actele unei opere dramatice dobândesc o relativă independență și intră în structura generală a operei ca etape separate într-un act și o mișcare a moravurilor în continuă dezvoltare. În unele dintre piesele lui Ostrovsky („Jokeri”, „Zile luminoase”, „Păcatul și ghinionul nu trăiesc din nimeni”, „Într-un loc aglomerat”, „Voevodă”, „Abis”, etc.), izolarea unui se realizează o structură relativ independentă a actelor, și anume prin faptul că în fiecare dintre ele este dată o listă specială de actori.

Dar chiar și cu o asemenea structură a operei, finalul nu poate fi la o distanță infinită de punctul culminant și deznodământ; în acest caz, legătura sa organică cu conflictul principal va fi ruptă, iar finalul va căpăta independenţă, fără a fi subordonat corespunzător acţiunii operei dramatice. Un exemplu mai potrivit pentru o astfel de organizare structurală a materialului este piesa „Abisul”, al cărei ultim act i-a fost prezentat lui Cehov sub forma unei „piese întregi”.

Secretul scrierii dramatice a lui Ostrovsky nu constă în proprietățile unidimensionale ale tipurilor umane, ci în dorința de a face moravuri umane pline de sânge, ale căror contradicții și lupte interne servesc ca un impuls masiv pentru mișcarea dramatică. Tovstonogov a vorbit excelent despre această trăsătură a modului creator a lui Ostrovsky, referindu-se, și anume, la Glumov din comedia „Pentru fiecare înțelept există suficientă simplitate”, personajul este departe de a fi impecabil: „De ce este Glumov fermecător, deși comite o serie de fapte rele? La urma urmei, dacă el nu este simpatic cu noi, atunci nu există niciun spectacol. Ceea ce o face fermecătoare este ura față de această lume, iar în interior îi justificăm metoda de răzbunare cu ea.

Lucrând pentru o dezvăluire cuprinzătoare a moravurilor, Ostrovsky pare să le transforme în moduri diferite, observând diferitele stări psihologice ale personajelor din noile „întorsături” actului. Această trăsătură a dramaturgiei lui Ostrovsky a fost remarcată de Dobrolyubov, care a văzut în actul al 5-lea din Furtuna apoteoza temperamentului Katerinei. Dezvoltarea stării senzuale a Katerinei poate fi împărțită condiționat în mai multe etape: copilărie și toată viața înainte de căsătorie - o stare de armonie; zelul ei pentru adevărata fericire și dragoste, lupta ei spirituală; timpul întâlnirii cu Boris este o luptă cu culoarea fericirii febrile; un prevestitor al unei furtuni, al unei furtuni, apogeul unei lupte disperate și al morții.

Mișcarea caracterului de la situația conflictuală inițială la cea finală, trecând printr-o serie de etape mentale precis definite, a determinat în Furtuna asemănarea structurii exterioare a primului și ultimului acte. Ambele au un început similar - se deschid cu revărsările poetice ale lui Kuligin. Acțiunile din ambele acte au loc la un moment similar al zilei - seara. Dar schimbările în alinierea forțelor opuse, care au condus-o pe Katerina la un final fatal. Aceștia au fost subliniați prin faptul că acțiunea din primul act s-a desfășurat în strălucirea moderată a soarelui apus, în ultimul - în atmosfera apăsătoare a amurgului care se adună. Sfârșitul subiectelor a creat un sentiment de deschidere. Incompletitudinea însuși procesul vieții și mișcarea moravurilor, deoarece după moartea Katerinei, i.e. după rezolvarea conflictului central al dramei, s-a dezvăluit (în cuvintele lui Tikhon, de exemplu) o anumită schimbare nouă, deși slab exprimată, în mintea personajelor, care conținea potențialul pentru conflicte ulterioare.

Iar în „Săraca nevastă” finalul de afară este o anumită parte independentă. Deznodământul din „Săraca soție” nu este că Marya Andreevna și-a dat consimțământul pentru a se căsători cu Benevolensky, ci că nu a renunțat la propriul consimțământ. Aceasta este cheia rezolvării dificultății sfârșitului, a cărei funcție nu poate fi înțeleasă decât din perspectiva structurii generale a pieselor lui Ostrovsky, care devin „piese de teatru ale vieții”. Apropo de finalurile lui Ostrovsky, s-ar putea spune că o scenă excelentă conține mai multe gânduri decât poate oferi o întreagă dramă evenimente.

În piesele lui Ostrovsky se păstrează decorul unei anumite probleme artistice, care este dovedită și ilustrată prin scene și picturi în direct. „Nu am un singur act gata până nu este scris ultimul cuvânt al ultimului act”, a remarcat dramaturgul, afirmând astfel subordonarea internă a tuturor scenelor și picturilor care sunt împrăștiate dintr-o privire la ideea generală de munca, nelimitată de cadrul „cercului înghesuit al vieții personale”.

Fețele din piesele lui Ostrovsky sunt formate nu după principiul „unul împotriva celuilalt”, ci după principiul „fiecare împotriva cel puțin unul”. De aici – nu doar calmul epic al desfășurării actului și panorama în acoperirea fenomenelor reale, ci și natura multiconflictuală a pieselor sale – ca o reflectare tipică a complexității relațiilor umane și a imposibilității reducerii acestora. la o singură coliziune. Drama interioară a vieții, tensiunea interioară a devenit uniform obiectul principal al imaginii.

„Deznodământul abrupt” din piesele lui Ostrovsky, fiind situat structural departe de capete, nu a eliminat „lungimea”, așa cum credea Nekrasov, ci, dimpotrivă, au contribuit la curgerea epică a actului, care a durat chiar și după una dintre ciclurile sale s-au încheiat. După tensiunea și deznodământul culminant, acțiunea dramatică de la sfârșitul pieselor lui Ostrovsky pare să câștige din nou putere, luptă pentru niște noi cote culminante. Acțiunea nu se încheie în deznodământ, deși situația conflictuală finală suferă modificări semnificative în comparație cu cea inițială. În exterior, finalul este deschis, iar funcția ultimului act nu se reduce la un epilog. Deschiderea externă și internă a finalului va deveni atunci una dintre trăsăturile structurale distinctive ale dramei psihice.

Deschiderea exterioară și interioară a finalului a fost mai târziu pronunțată mai ales în lucrările dramatice ale lui Cehov, care nu a dat formule și concluzii gata făcute. El sa concentrat în mod deliberat pe faptul că „perspectiva gândurilor” provocată de munca sa. Prin propria dificultate, ea corespundea naturii realității moderne, astfel încât a condus departe, a obligat privitorul să abandoneze toate „formulele”, să reevalueze și să revizuiască aproape tot ceea ce părea a fi decis.

„Așa cum în viață suntem mai conștienți de oameni dacă vedem mediul în care trăiesc”, a scris Ostrovsky, „așadar, pe scenă, situația veridică ne familiarizează imediat cu situația personajelor și face tipurile derivate. mai viu și mai ușor de înțeles pentru public.” În viața de zi cu zi, în mediul în aer liber, Ostrovsky caută suporturi mentale suplimentare pentru dezvăluirea moravurilor personajelor. Un astfel de principiu de dezvăluire a moravurilor a căutat din ce în ce mai multe scene și imagini noi, astfel încât s-a creat imediat un sentiment de redundanță a acestora. Dar, pe de o parte, selecția lor intenționată a făcut ca punctul de vedere al autorului să fie accesibil privitorului, pe de altă parte, a subliniat continuitatea mișcării vieții.

Și pentru că noi scene și imagini au fost introduse chiar și după deznodământul unei coliziuni dramatice, ele însele au făcut posibile noi turnuri ale actului, potențial conținând viitoare conflicte și ciocniri. Ce s-a întâmplat cu Marya Andreevna la sfârșitul „Săraca soție” poate fi considerat intriga psiho-situațională a dramei „Furtuna”. Marya Andreevna se căsătorește cu un bărbat plin de ură. O așteaptă o viață dificilă, pentru că ideile ei despre viața viitoare sunt catastrofal incompatibile cu visele lui Benevolevsky. În drama „Furtuna” întreaga preistorie a căsătoriei Katerinei este lăsată în afara piesei și numai în termeni cei mai generali este indicată în memoriile eroinei însăși. Creatorul nu repetă această imagine la un moment bun. Dar în The Thunderstorm vedem o analiză tipică a consecințelor situației finale a The Poor Wife. O astfel de concluzie în noi sfere de analiză este mult facilitată de actul al 5-lea al Sărmanei soții, care nu numai că conținea condițiile prealabile pentru viitoare ciocniri, ci și le-a conturat în linii punctate. Forma structurală a finalului la Ostrovsky, care s-a dovedit a fi inacceptabilă pentru unii critici, a stârnit admirația altora tocmai din acest motiv. Ceea ce părea o „piesă întreagă” capabilă să ducă o viață independentă.

Iar această legătură, corelarea situațiilor conflictuale ale unor lucrări și situațiile conflictuale inițiale ale altora, combinate după principiul unui diptic, vă permite să simțiți viața în fluxul ei epic neîntrerupt. Ostrovsky s-a îndreptat către astfel de transformări mentale ale acesteia, care în fiecare moment al propriei lor manifestări au fost legate prin mii de fire invizibile cu alte momente similare sau apropiate. Cu toate acestea, s-a dovedit a fi complet nesemnificativ. Că legătura situațională a lucrărilor a contrazis principiul cronologic. Fiecare nouă lucrare a lui Ostrovsky părea să crească pe baza celor făcute anterior și, în același timp, adăuga ceva, clarifică ceva în acest făcut anterior.

Aceasta este una dintre principalele caracteristici ale operei lui Ostrovsky. Pentru a verifica din nou acest lucru, să aruncăm o privire mai atentă asupra dramei „Păcatul și eșecul nu trăiesc din nimeni”. Situația inițială din această piesă este comparabilă cu situația finală din piesa „Soții bogate”. La sfârșitul acestuia din urmă, sună note majore: Tsyplunov și-a găsit iubita. El visează la asta. Că va trăi cu Belesova „vesel și bucuros”, în trăsăturile frumoase ale Valentinei vede „puritate și limpezime copilărească”. Cu aceasta a început totul pentru un alt erou, Krasnov („Păcatul și eșecul nu trăiesc din nimeni”), care nu numai că a visat, ci și s-a străduit să trăiască cu Tatiana „cu bucurie și veselie”. Și din nou, situația inițială este lăsată în afara piesei, iar spectatorul poate doar ghici despre asta. Piesa în sine începe cu „momente gata”; în ea se desface un nod, care este comparabil tipologic cu schița finală din piesa „Soții bogate”.

Personajele diferitelor lucrări ale lui Ostrovsky sunt comparabile psihologic între ele. Shambinago a scris că Ostrovsky subtil și bijutier își termină propriul stil „în funcție de categoriile mentale ale personajelor”: „Pentru fiecare temperament, masculin și feminin, se forjează un limbaj special pentru a concluziona că proprietarul său, ca tip, este o dezvoltare viitoare. sau o variație a unei specii deja crescute în alte piese de teatru. Un astfel de dispozitiv deschide abilități iscoditoare pentru a înțelege categoriile mentale concepute de creator. " Observațiile lui Shambinago despre această particularitate a stilului lui Ostrovsky sunt direct legate nu numai de repetarea tipurilor în diferite piese ale lui Ostrovsky, ci, ca urmare, de o anumită repetare situațională. Numind analiza psihică din „Săraca nevastă” „fals îngustă”, I.S. Turgheniev vorbește cu condamnare a modului lui Ostrovsky „de a se urca în sufletul fiecăreia dintre fețele pe care le-a făcut”. Dar Ostrovsky, se pare, a gândit altfel. Și-a dat seama că capacitatea de a „intra în suflet” a fiecăruia dintre personajele din situația mentală aleasă este departe de a fi epuizată – iar mulți ani mai târziu o va repeta în „Zestre”.

Ostrovsky nu se limitează la a descrie moralitatea în singura situație posibilă; el se referă la aceste moravuri în mod repetat. Acest lucru este facilitat de imagini repetitive (de exemplu, scenele de furtună din comedia „The Joker” și din drama „Thunderstorm”) și de numele și prenumele recurente ale personajelor.

Așadar, trilogia amuzantă despre Balzaminov este o construcție pe trei termeni a unor situații similare legate de încercările lui Balzaminov de a-și găsi o soție. În piesa „Zilele întunecate” ne întâlnim din nou cu „străini familiari” - Tit Titych Bruskov, soția sa Nastasya Pankratievna, fiul Andrei Titic, servitoarea lui Lusha, care a apărut pentru prima dată în comedia „Mahmureala la sărbătoarea altcuiva”. Îl recunoaștem și pe avocatul Dosuzhev, pe care l-am cunoscut deja în piesa „Loc profitabil”. De asemenea, este curios faptul că aceste persoane în diverse piese de teatru acționează în roluri similare și acționează în situații similare. Apropierea situațională și caracterologică a diferitelor lucrări ale lui Ostrovsky ne permite să vorbim și despre asemănarea scopurilor: ca urmare a efectelor benefice ale personajelor virtuoase, precum profesorul Ivanov ("O mahmureală în sărbătoarea altcuiva"), avocatul Dosuzhev („Zilele întunecate”), Tit Titych Bruskov, nu numai că nu rezistă și, într-adevăr, contribuie la realizarea unei fapte bune - căsătoria urmașilor cu fata iubită.

În astfel de scopuri este ușor să vezi o lecție ascunsă: așa ar trebui să fie. „Rezultate aleatorii și aparent nerezonabile” în comediile lui Ostrovsky depindeau de materialul care a devenit obiectul imaginii. „De unde se poate obține raționalitatea când nu este în viața însăși, portretizată de creator?” a remarcat Dobrolyubov.

Dar acest lucru nu a fost și nu putea fi în realitate, iar aceasta a devenit baza actului dramatic și a deciziei finale în piesele de colorare catastrofale și nu amuzante. În drama „Zestre”, de exemplu, acest lucru s-a auzit clar în ultimele cuvinte ale eroinei: „Sunt eu însumi... Nu mă plâng de nimeni, nu mă supăr pe nimeni”.

Având în vedere finalul pieselor lui Ostrovsky, Markov îndreaptă o atenție sporită asupra eficienței lor scenice. Dar, din logica raționamentului cercetătorului, este clar că sub aspectul scenic, el și-a asumat doar mijloace exterioare strălucitoare, spectaculoase de finisare a scenelor și a imaginilor. O trăsătură foarte semnificativă a finalurilor din piesele lui Ostrovsky rămâne nesocotită. Dramaturgul își realizează operele, ținând cont de natura percepției lor de către privitor. În acest fel, acțiunea dramatică pare să fie transferată în noua sa stare de înaltă calitate. Rolul interpreților, „transformatori” ai unui act dramatic, face de obicei capătul, ceea ce determină extraordinara lor eficacitate scenica.

Foarte des în lucrările de cercetare ei spun că Ostrovsky a anticipat tehnica dramatică a lui Cehov în aproape orice. Dar această conversație adesea nu depășește afirmațiile și premisele generale. În același timp, va fi suficient să oferim anumite exemple despre modul în care această propoziție capătă o greutate extraordinară. Vorbind despre polifonie la Cehov, ei citează de obicei un exemplu din primul act din „3 surori” despre cum visele surorilor Prozorov despre Moscova sunt întrerupte de remarcile lui Cebutykin și Tuzenbakh: „La naiba!” și „Firește, prostii!”. Dar găsim o structură similară de dialog dramatic cu aproximativ aceeași încărcătură multifuncțională și psihologică-emoțională mult mai devreme - în „Săraca soție” a lui Ostrovsky. Marya Andreevna Nezabudkina încearcă să se împace cu propria ei soartă, ea speră că poate face o persoană decentă din Benevolevsky: „M-am gândit, m-am gândit... dar știi la ce m-am gândit? el, fă un om decent de el." Deși aici exprimă ezitare: „Este o prostie, nu-i așa, Platon Makarych? La urma urmei, asta nu este nimic, nu? Platon Makarych, nu-i așa? Ezitarea strâmbă nu o părăsește, deși încearcă să se convingă de invers. „Mi se pare că voi fi fericit...” – îi spune ea mamei sale, iar această frază este ca o vrajă. Dar vraja-fraza este întreruptă de o „voce din mulțime”: „Altul, mamă, voluntar, adoră să fie mulțumit. Este cunoscut faptul că ei vin acasă mai beți, le iubesc atât de mult încât le place. au grijă de ei înșiși, nu-i lasă pe oameni să se apropie de ei înșiși. Această frază traduce atenția și sentimentele publicului într-o sferă emoțională și semantică complet diferită.

Ostrovsky era foarte conștient de faptul că în lumea modernă viața este alcătuită din evenimente și fapte discrete, în exterior neremarcabile. Cu această conștientizare a vieții, Ostrovsky a anticipat dramaturgia lui Cehov, în care tot ce este spectaculos și esențial din exterior este fundamental exclus. Imaginea vieții de zi cu zi devine pentru Ostrovsky baza fundamentală pe care se construiește acțiunea dramatică.

Contradicția dintre legea naturală a vieții și legea inexorabilă a vieții cotidiene care desfigurează sufletul unei persoane determină acțiunea dramatică, din care au apărut diverse tipuri de decizii finale - de la comic reconfortant la iremediabil tragic. Până la urmă, cea mai profundă analiză socio-psihologică a vieții a durat; la capete, ca la trucuri, toate razele convergeau, toate rezultatele observatiilor, gasindu-se consolidare in forma didactica a proverbelor si a zicatorilor.

Imaginea unei variante separate în sensul și esența sa a depășit granițele personalului, a căpătat caracterul unei înțelegeri filozofice a vieții. Și dacă este imposibil să acceptăm pe deplin ideea lui Komissarzhevsky că modul de viață al lui Ostrovsky este „adus la vedere”, atunci este posibil și necesar să fim de acord cu afirmația că fiecare imagine a dramaturgului „dobândește cel mai profund, etern, semnificație simbolică” . Așa este, de exemplu, soarta soției negustorului Katerina, a cărei dragoste este catastrofal incompatibilă cu principiile de viață existente. Dar nici apărătorii conceptelor Domostroy nu se pot simți relaxați, pentru că înseși temeliile acestei vieți se prăbușesc - o viață în care „vii îi invidiază pe morți”. Ostrovsky a reprodus viața rusească într-o astfel de stare încât „totul s-a răsturnat” în ea. În această atmosferă de dezintegrare generală, doar visătorii precum Kuligin sau profesorii Korpelov se mai puteau baza pe găsirea măcar a unei formule abstracte pentru fericirea și adevărul universal.

Ostrovsky „împletește firele de aur ale romantismului în țesătura cenușie a vieții de zi cu zi, creând din această combinație un întreg surprinzător de artistic și veridic - o dramă realistă”.

Contradicția ireconciliabilă dintre legea naturală și legile vieții cotidiene se dezvăluie la diferite niveluri caracterologice - în pilda poetică „Căița zăpezii”, în comedia „Pădurea”, în cronica „Tushino”, în dramele sociale „Zestrea” , „Furtună”, etc. În funcție de aceasta, conținutul și caracterul finalului se schimbă. Personajele centrale nu acceptă intens legile vieții de zi cu zi. Adesea, nefiind purtători de cuvânt ai unui început pozitiv, ei încă caută soluții noi, deși nu întotdeauna acolo unde ar trebui să fie găsite. În propria negare a legii stabilite, ei trec, uneori inconștient, granițele permisului, trec linia fatală a regulilor simple ale societății umane.

Deci, Krasnov („Păcatul și eșecul trăiește pe cineva”), în afirmarea propriei fericiri, a propriului adevăr, iese decisiv din sfera închisă a vieții stabilite. El își susține adevărul până la capătul dezastruos.

Deci, să enumerăm pe scurt caracteristicile pieselor lui Ostrovsky:

Toate piesele lui Ostrovsky sunt profund realiste. Ele reflectă cu adevărat viața poporului rus la mijlocul secolului al XIX-lea, precum și istoria Epocii Necazurilor.

Toate piesele lui Ostrovsky au crescut pe baza a ceea ce s-a făcut mai devreme și au fost combinate după principiul unui diptic.

Personajele diferitelor lucrări ale lui Ostrovsky sunt comparabile psihologic între ele. Ostrovsky nu se limitează la a descrie morala în singura situație posibilă; el se referă la aceste moravuri în mod repetat.

Ostrovsky este creatorul genului dramei psihice. În piesele sale, se poate observa nu numai conflictul extern, ci și cel intern.

Găzduit pe Allbest.ru

...

Documente similare

Opera lui Shakespeare din toate perioadele este caracterizată de o viziune umanistă asupra lumii: interes pentru o persoană, sentimentele, aspirațiile și pasiunile sale. Originalitatea genului lui Shakespeare pe exemplul pieselor: „Henric al V-lea”, „Îmblânzirea scorpiei”, „Hamlet”, „Povestea de iarnă”.

rezumat, adăugat 30.01.2008


Principalele aspecte ale căii de viață a lui Ostrovsky A.N.: familia, educația primită. Succesele timpurii în scris piese de teatru. Rolul unei călătorii de-a lungul Volgăi pentru formarea unei viziuni asupra lumii. Lucrări din 1860-1880: reflectare a nobilimii post-reformă, soarta unei femei.

prezentare, adaugat 20.03.2014


Mijloacele și tehnicile comicului. Particularități ale utilizării mijloacelor lingvistice de a crea benzi desenate în lucrările lui Viktor Dyachenko. Caracteristicile vorbirii și numele vorbirii ale personajelor din piesele scriitorului. Originalitatea și problemele lucrărilor lui V.A. Dyachenko.

lucrare de termen, adăugată 12.08.2010


Spațiul și timpul într-o operă de artă. Spațiu artistic în noua dramă. Cinema și drama secolului XX. Apropierea spațiului, relevanța indicatorilor limitelor acestei apropieri, schimbarea accentului de la spațiul cosmic în piesele lui Botho Strauss.

teză, adăugată 20.06.2013


Lucrări de cercetare asupra lucrării lui A.N. Ostrovsky. Critica operelor dramaturgului. Lucrări științifice despre simbolism în dramele scriitorului. Imaginea unei raze a soarelui și a soarelui însuși, personificându-l pe Dumnezeu, râul Volga în piesele „Zestre” și „Ciasta zăpezii”.

lucrare de termen, adăugată 05.12.2016


Patosul ideologic al lui A.N. Ostrovsky. Determinarea locului pe care îl ocupă piesele „Furtună” și „Zestre” în opera sa literară. Eroinele lui Kabanova și Ogudalov ca o reflectare a caracterului național feminin rus. Analiza comparativă a imaginilor.

lucrare de termen, adăugată 05.08.2012


Biografia și cariera lui Alexander Nikolayevich Ostrovsky. Afișarea clasei comerciale, birocrația, nobilimea, mediul actoricesc în operele dramaturgului. Etapele creativității lui Ostrovsky. Trăsături originale ale realismului A.N. Ostrovsky în drama „Furtuna”.

prezentare, adaugat 18.05.2014


„Abisul” este una dintre cele mai profunde și înțelepte piese ale lui Ostrovsky - povestea sufletului uman, slab și bun, care se scufundă în abisul mării vieții. Un șir de personaje vii și diverse, caracterizare a personajelor. Dezvoltarea conflictului și deznodământul piesei.

analiza carte, adaugat 01.10.2008


Jean Molière este creatorul genului de comedie clasică. Anii de viață și opera dramaturgului francez. Perioada pariziană: suișuri și coborâșuri. Punerea în scenă în teatru a celor mai misterioase, ambigue piese și comedii regizate de „Don Juan”, „Mizantropul” și mulți alții.

prezentare, adaugat 29.04.2014


Creativitatea marelui actor și dramaturg francez, care a creat și a aprobat genurile comediei și farsei pe scena teatrului. Primele lucrări ale lui Molière. Intriga celebrelor piese „Cazacii amuzanți”, „Tartuffe”, „Don Juan sau oaspetele de piatră” și „Mizantropul”.